Neurótico y Romántico

The Cure - Just Like Heaven (1987)

2012-01-29T08:43:00.000-08:00

Bergen White - For Women Only (1970)

2010-11-21T07:31:00.000-08:00

"Escribí un libro al que llamé La Otra Aventura porque reúne ensayos sobre literatura, sobre libros. Una aventura es la vida, la otra -al menos para mí- son los libros."

Adolfo Bioy Casares

"La Otra Aventura" (1969) es un libro bastante atípico, ya que recopila artículos que Bioy había publicado previamente. Si bien se trata de una obra menor tiene muchos momentos entretenidos, entre ellos "Ensayistas ingleses", el prólogo a la antología homónima de Clásicos Jackson. En ese capítulo Bioy recorre la obra de maestros de la talla de Bacon, Swift, Goldsmith, Coleridge, Wilde y Chesterton entre otros, aportando numerosos datos de color y evitando los lugares comunes. Al repasar la vida de Thomas De Quincey (1785 - 1859) Bioy hizo hincapié en una de las curiosas costumbres que tenía este escritor: De Quincey escondía papeles -notas de toda índole, reseñas, inclusive pequeños ensayos- en los cuartos que alquilaba para que los arrendadores y/o los futuros inquilinos obtengan beneficios de esos regalos. El consuelo que encuentro al escuchar "For Women Only" es imaginar que alguien, tal vez el mismo Bergen White, decidió ocultarlo con el único propósito de que un bendito día lo descubramos y nos regocijemos con su contenido. Su destino, de esa manera, adquiere un nuevo sentido.

El nombre de Bergen White está asociado con el sonido de Nashville, puntualmente a gente como Elvis Presley, Tony Joe White, Wanda Jackson, Glen Campbell, Dolly Parton, Duane Eddy y Kenny Rogers, con quienes colaboró en carácter de productor artístico y/o arreglador. Que nos resulte poco familiar tiene que ver con nuestro desconocimiento del country, ese género que hemos aprendido a respetar a pesar de que no dice nada sobre nosotros ni de nuestras vidas. Los datos biográficos que encontré señalan que White nació en Oklahoma en 1939 y que se mudó a Nashville a los catorce años. Ahí conoció a Bobby Russell y Buzz Cason con quienes grabó un simple que se editó bajo el nombre de The Todds. No tuvo ningún otro contacto con la música hasta que, dos años después de finalizar la universidad y mientras ejercía como profesor de matemáticas, fue convocado por Russell a unirse al staff de Hit Records, un sello dedicado a publicar covers de los hits del momento. Esta labor le sirvió a White para obtener una gran experiencia y, fundamentalmente, para conocer al productor Bill Justis quien le ofreció el puesto de vocalista en Ronny & The Daytonas, un grupo prefabricado que imitaba a The Beach Boys, en el que tocaban sus viejos amigos Russell y Cason; junto a la oportunidad de acompañarlo como ayudante en las sesiones de grabación. En 1967, al tiempo en que iba aprendiendo el oficio de productor, Bergen White publicó su primer simple como solista: "If It's Not Asking Too Much", una pequeña sinfonía pop que pasó inadvertida. Durante 1969, en medio de las giras con Ronny & The Daytonas, llegó el momento de grabar su álbum debut. A pesar de que fue concebido junto a los mejores músicos de Nashville -The Wrecking Crew- "For Women Only" es un disco de pop clásico, estéticamente cercano a las producciones de Brian Wilson y muy puntualmente a las de Phil Spector. La promesa de romanticismo que anuncia la portada se cumple a cada instante, en todos los detalles: las orquestaciones tienen un lugar preponderante pero mantienen una discreción que las alejan de todo barroquismo, la melodiosa voz de White transmite una dulzura sorprendente en este tipo de crooners y el repertorio -que está compuesto por canciones de Barry Mann-Cynthia Weil ("She Is Today" y "Lisa Was"), Teddy Randazzo ("Hurt So Bad"), David Gates ("Gone Again" y "Look At Me"), Townes Van Zandt ("Second Lover's Song), junto a sus propias composiciones ("It's Over Now", "The Bird Song", "On And On")- es delicioso. Esta alquimia, muy difícil de traducir en palabras, alcanza un esplendor inusual, una frágil belleza que nos abruma con su distinción. Como se imaginaran "For Women Only" -que finalmente fue editado en 1970- no obtuvo ningún tipo de trascendencia, por lo menos hasta que fue reeditado en el año 2004. Eso no pareció afectar mucho a Bergen White quien continuó con una exitosa carrera como productor que solo interrumpió para editar algún simple perdido durante los setenta y un disco navideño ("Bergen White Christmas Singers") que publicó en 1999.

La existencia de "For Women Only" es una señal de que esa otra aventura –que quizás para nosotros sea la música- aún tiene milagros para ofrecernos. Habrá que estar atento a ellos, ya que, como el mismo Bioy dijo, los milagros no se recuperan.

Track List:

01. She Is Today

02. It's Your Time

03. Let Me Stay Awhile

04. Look At Me

05. Lisa Was

06. Hurt So Bad

07. On And On

08. Gone Again

09. Second Lover's Song

10. Bird Song

11. Now

12. It's Over Now

Bonus Track

13. If It's Not Asking Too Much

14. Don't Keep Me Waiting

15. What Would You Do In My Place

16. House On Bonnie Brae

17. Bird Song (mono)

18. It's All Over Now (mono)

The Main Attraction - Everyday (1968)

2010-11-15T09:46:00.000-08:00

Philamore Lincoln - North Wind Blew South (1970)

2010-10-11T12:18:00.000-07:00

Recorrer el inagotable catálogo de discos olvidados es una tarea que requiere curiosidad, paciencia y una gran entereza. Un sentimiento de pesadumbre nos invade a medida que intuimos los sacrificios que demandaron esas obras, las ilusiones que generaron en sus autores y sobre todo, cuando comprendemos que no hubo ningún motivo puntual que justifique su relegamiento. En el caso de Philamore Lincoln la melancolía se incrementa aún más, ya que su álbum posee los meritos suficientes como para haber alcanzado otro destino.

Philamore Lincoln es otro exponente del pop de los sesenta, esa época fecunda en donde la calidad era un rasgo común, aún en los ámbitos amateurs. La biografía de este músico es sorprendente por su singularidad antes que por su fulgor: sabemos que nació un 20 de Octubre de 1940 en Inglaterra -en Sherwood, Nottingham para ser precisos- y que su verdadero nombre era Robert Cromwell Anson; también que su carrera como músico comenzó en 1960, y que durante cuatro años toco la batería en varias bandas de jazz. A partir de 1965 su carrera sufrió una transformación importante y pasó a ser el vocalista de Julien Covey And The Machine, una oscura banda de R&B con la que solo publicó el simple "A Little Bit Hurt". En 1968 editó "Running By The River"/"Rainy Day" su primer simple como solista. Para ese entonces se hacía llamar Philamore Lincoln y el pop-folk psicodélico -con Donovan como máximo referente- era su paradigma. Dos años más tarde vió la luz "North Wind Blew South", su único larga duración.

"North Wind Blew South" está impregnado de la magia que posee el arte más puro, y, extrañamente, aún mantiene su aroma intacto. Philimore, dueño de una voz pequeña, canta sobre los tópicos más frecuentes de finales de los sesenta -naturaleza, espiritualidad, viajes mentales- rodeado por un marco barroco y diáfano al mismo tiempo. Su repertorio sigue un itinerario incierto: desde la psicodelia orquestada ("The North Wind Blew South") y el rock ("Lazy Good For Nothin'"), hasta el pop ("You're The One") y la bossa ("Temma Harbour"). A pesar de esta diversidad, el conjunto resulta sumamente ameno y solo sobran la rockera "The Country Jail Band" y "Blew Through", un blues de lo más banal. Los pormenores de la grabación de "North Wind Blew South" son imprecisos. Cuarenta años más tarde, todavía quedan dudas si Jimmy Page y sus Yardbirds participaron en las sesiones, pero lo cierto es que la única participación de Page debidamente acreditada es la del solo de guitarra en "You're The One". Lo más probable es que la backing band haya estado conformada solo por Clem Cattini (batería) y Les Hurdle (bajo), mientras Philamore se encargó del resto de los instrumentos. El álbum, no hace falta aclararlo, pasó absolutamente inadvertido en Estados Unidos e insólitamente -y a pesar de haber sido publicado por CBS- jamás se editó en Inglaterra. En 1971 Philamore Lincoln produjo el álbum debut del ignoto grupo Paladin, en donde tocaban dos ex-compañeros de Julien Covey And The Machine. Desde entonces nada más se supo de él.

Después de conocer historias como estas, las dudas son inevitables: tal vez nosotros también estamos consumiéndonos, haciendo torres sobre tierna arena. Lo único que puede aliviarnos es la convicción de que, como escribió Jorge Luis Borges, sólo una cosa no hay, y es el olvido. Haber encontrado "North Wind Blew South" es, paradójicamente, reconfortante en ese sentido.

Track List:
01. The North Wind Blew South
02. You're The One
03. Lazy Good For Nothin'
04. Early Sherwood
05. Rainy Day
06. Temma Harbour
07. The Plains Of Delight
08. The Country Jail Band
09. When You Were Looking My Way
10. Blew Through

Orpheus - Orpheus (1968)

2010-09-26T10:05:00.000-07:00

IX

Tan sólo aquel que levantó la lira,
incluso entre las sombras,
puede expresar, entre presentimientos,
la alabanza infinita.

Tan sólo aquel que comió con los muertos
la adormidera, la de ellos,
no volverá a perder
el más leve sonido.

Aunque el reflejo del estanque
se desvanezca muchas veces
sabe la imagen.
Sólo en el reino doble
se volverán las voces
eternas y suaves.

Rainer Maria Rilke - Los Sonetos a Orfeo

Hay pocos personajes mitológicos tan atractivos como Orfeo, ese semidiós que bajó a los infiernos por amor, acción que ninguno de nosotros, simples mortales, está dispuesto a imitar. Hijo del dios Apolo y de la musa Calíope, recibió de sus padres los dones de la música y la poesía. Su talento era inconmensurable: al tocar la lira maravillaba a seres humanos y dioses, e inclusive conseguía que la mismísima Madre Naturaleza detuviera su constante discurrir para deleitarse; su voz, mientras tanto, era hermosa y según se cuenta, logró anular el embrujo que producían las sirenas. El mito de Orfeo fue revivido por infinidad de poetas y también por músicos populares: Tom Jobim y Vinicius de Moraes comenzaron a trabajar juntos en la composición del soundtrack de "Black Orpheus", la película de Marcel Camus (1957); "Orpheus" fue el título de una de las primeras composiciones de Scott Walker, incluida en el disco "Images " de Walker Brothers (1967); Nick Cave se burló de la historia de Orfeo y Eurídice en "The Lyre of Orpheus" (2004); Marc Almond cantó "Orpheus in Red Velvet" en "Enchanted" (1990), uno de sus mejores discos; mientras que David Sylvian le dedicó una de las canciones del maravilloso "Secrets of the Beehive" (1987). Orpheus representó al mito de manera implícita, pero antes de contar su historia debo referirme al sunshine pop, y al hacerlo, abriré ante ustedes las puertas de un mundo maravilloso.

Desde 1966 a 1969 se concibió una nueva forma de hacer pop. Harpers Bizarre, Millenium, The Ballroom, Sagittarius, The Yellow Ballon, The 5th Dimension, The Free Design, Spanky and Our Gang, The Association, The Arbors, The Sunshine Company, Harper's Bizarre, The Peppermint Rainbow, Eternity's Children, The Moon, Fun & Games, The Collage, Mark Eric, Peppermint Trolley Company, Chamaeleon Church, Orpheus por supuesto y, tangencialmente, The Beach Boys, The Left Banke, The Merry Go-Round (el primer grupo de Emmit Rhodes), The Zombies y Honeybus fueron los protagonistas de este movimiento. Ellos, junto a los productores Gary Usher, Van Dyke Parks, Bones Howe, Curt Boettcher y Alan Lorber -deudores del Brill Building Sound, de Burt Bacharach, de Phil Spector- concibieron un sonido barroco, colmado de arreglos sofisticados y melodías luminosas. Estos nombres fueron rápidamente olvidados, tal vez por el triunfo de la psicodelia más rockera (Grateful Dead, Jefferson Airplane) o por el surgimiento del soft-rock (Bread) Lo cierto es que los encantos del sunshine pop eran demasiado refinados como para interesar a la audiencia.

I

Dicen que tanto pesa el oro del reino subterráneo
que no pueden erguirse las cabezas abrumadas por sus coronas,
las excesivas joyas no permiten levantar las manos,
los brazos sonoros de pulseras, desfallecen.

¿Como puede atravesarlo una muchacha con una herida en el pie?

Dicen que el polvo de rubíes sofoca la atmósfera de aquel reino:
antiguo, denso polvo que proviene del lento, interminable
roce de la joya y el metal,
pero que nunca habrá de aligerarse...

¿Como podrá el sonido de una lira atravesarlo?

Dicen que la luz no existe allí,
pero de vez en cuando una oscuridad más leve se insinúa
en la angustiada, legendaria y convulsa oscuridad,
descubriendo por un instante, turbiamente,
la eterna, casi inmóvil sesión de la Corte,
los cortesanos aplastados por el peso dorado de sus mantos,
las damas sin aliento bajo el peso de sus oscuras guirnaldas
de rocas sangrientas,
los párpados vencidos, apenas entreabiertos.

Orfeo, ¿como puede ella atravesarlo con una herida en el pie?

Tennessee Williams - Orfeo desciende

Luego de vivir numerosas aventuras, Orfeo se radicó en Tracia. Allí conoció a Eurídice, ninfa del bosque, e inmediatamente se enamoró de ella. Se casaron, y vivieron felices hasta que su esposa tuvo un incidente con Aristeo, hijo del dios Apolo, quien trató de abusar de ella. Al tratar de escapar de su acosador, la ninfa fue mordida por una serpiente, y a partir de ese instante el averno fue su morada. Desolado por la pérdida, Orfeo decidió ir a rescatarla. Deslumbró a cada uno de los guardianes que encontró a su paso con la belleza de su canto, hasta que finalmente llegó ante la presencia de Hades y Perséfone, los dioses del infierno. Hades, tal vez influido por su esposa, tuvo un inédito gesto de misericordia y accedió a que Eurídice retorne a nuestro mundo, pero antes puso como condición que Orfeo no voltee a mirarla durante su viaje de regreso: "Debes confiar en que te estará siguiendo. Hasta que ambos no se encuentren de nuevo en la Tierra, no debes mirar hacia atrás, o tu viaje habrá sido en vano", dijo Hades. Nuestro héroe aceptó la cláusula y comenzó su retorno hacia el hogar a través del sendero tenebroso, mientras Eurídice lo seguía, guiada por el sonido de su lira. Esta vez el itinerario por el infierno fue mucho más arduo, ya que Orfeo se debatía entre la alegría del reencuentro y el terror por los horrores que sufría su esposa. Cuando, por fin, divisó un hilo de luz que penetraba las sombras corrió hasta encontrarse fuera de la oscura caverna, y emocionado, se dio vuelta para encontrar la mirada de su mujer. Nunca sabremos si lo hizo por impaciencia o porque desconfió de los dioses infernales, lo concreto es que Eurídice, que todavía no había alcanzado a traspasar el umbral del averno, comenzó a desvanecerse. Al darse cuenta del error, Orfeo intentó estrecharla entre sus brazos, pero fue en vano: la musa había desaparecido para siempre. Todo intento posterior de rescate fue estéril, y no volvió a recibir respuestas a sus súplicas, tampoco a su canto... A partir de ese momento, se dedicó a vagar por Tracia, acompañado sólo por su lira.

II

Bien está recordar tus prodigios en el reino de la luz,
las voces del abismo y la floresta creadas por tu canto,
el alterado curso del río como un brazo que se dobla
bruscamente,
los momentos que hiciste perdurar con la dulce vibración
de una cuerda que pulsaste...

Pero aquellos prodigios eran naturales junto a los que
intentas
en el reino subterráneo
y éstos no podrás lograrlos.
No, no podrás lograrlos.

Pero tú, tú mismo, debes aprender lo que nosotros por
fuerza sabemos:
que algunas cosas, por naturaleza, no pueden realizarse;
solo cabe anhelarlas, tratar de hacerlas y luego darse por
vencido.

Y tú, tú mismo, debes aprender lo que nosotros por
fuerza sabemos:
la fatal atracción por la caída que a nuestro mundo
gobierna,
el descenso inmediato del manantial que brota.

Ahora, Orfeo, arrástrate, arrástrate, avergonzado fugitivo,
vuelve la espalda al agrietado muro de ti mismo, a ese
muro que se desploma.
Pues no eres tú las estrellas que en el cielo dibujan la
forma de una lira,
sino el polvo de que han sido desgarrados por
las Furias.

Tennessee Williams - Orfeo desciende

Orpheus es uno de los grupos menos conocidos del sunshine pop, inclusive, su nombre suele ser omitido en las antologías del género. Para conocer el génesis de esta banda, deberemos remontarnos al año 1964 cuando Bruce Arnold y Jack McKennes -ambos guitarristas y vocalistas- formaron el dúo de folk The Villagers en su Boston natal. Luego de años de actividad, durante el verano del amor conocieron al productor Alan Lorber, cambiaron su nombre por el del protagonista de este post y consolidaron su sonido con la incorporación de Eric "The Snake" Gulliksen (bajo) y Harry Sandler (batería). A finales de 1967 completaron la grabación de un disco debut que publicaron al año siguiente. MGM, el sello editor, aprovechó los lanzamientos de Beacon Street Union y Ultimate Spinach para promocionar a los tres grupos como parte de un hipotético "Boston Sound", algo que no fue particularmente efectivo –ni cierto- ya que las coincidencias entre estos grupos eran mínimas. "Orpheus" es una travesía cuyo único fin es la belleza; una obra de arte que nos ofrece veintiseis minutos de ensueño, conjugando hits categóricos (“I've Never Seen Love Like This”, “I'll Stay With You”, “I Can't Find The Time To Tell You”) sunshine (“Lesley's World”, “Congress Alley”, “Music Machine”) psicodelia (“Never In My Life”) y baladas atemporales (“Door Knob Song”, “The Dream”). Las diáfanas voces de Arnold y McKennes se conjugan con los exuberantes arreglos de cuerda -gentileza de The New York Philharmonic- con una naturalidad extraordinaria. Ese delicado equilibrio entre sencillez y elaboración, entre levedad y profundidad, está tan logrado que aún hoy resulta excepcional.

XXII

Somos los errantes.
Pero el andar del tiempo
tomadlo como nimiedad
en lo que siempre permanece.

Todo aquello que corre
habrá pasado ya;
pues sólo lo que queda
nos inicia.

No echéis, muchachos, el valor
a la velocidad
ni al intento de vuelo.

Todo ha descansado:
tiniebla y claridad,
flor y libro.

Rainer Maria Rilke - Los Sonetos a Orfeo

A “Orpheus” (1968) le siguieron “Ascending” (1968) –que incluía covers de The Zombies ("She's Not There") y The Left Banke ("Walk Away Renee")- y “Joyful” (1969), dos bonitos discos de sunshine pop, aunque mucho más convencionales que su estupendo debut. En 1970 la banda se separó y Bruce Arnold formó Two Foot Lamb Door junto a Steve Martin y Elliot Sherman. “Orpheus 4” (1971) registra el material de este nuevo grupo, hacedor de un soft-pop convencional aunque muy agradable. A principios de este año Bruce Arnold publicó un nuevo disco llamado “Orpheus Again” que aún no he podido localizar.

Track List:
01. I've Never Seen Love Like This
02. Lesley's World
03. Congress Alley
04. Music Machine
05. Door Knob Song
06. I'll Stay With You
07. I Can't Find The Time To Tell You
08. Never In My Life
09. The Dream

The Zombies - Into The Afterlife (2007)

2010-09-12T12:21:00.001-07:00

He leído en muchos sitios que The Zombies habían decidido su separación antes de grabar "Odessey and Oracle" y que registraron ese disco solo porque querían dejar un testimonio de su evolución. Sin embargo, creo que lo que realmente sucedió no fue tan romántico. Mi teoría es que ellos quisieron seguir adelante, a pesar de la indiferencia del público inglés, de sus dificultades financieras y de algunas peleas internas. Si se disolvieron fue porque CBS los obligó a poner de su bolsillo el dinero necesario para completar la mezcla en stereo del álbum -la mezcla original había sido hecha en mono y el sello se negó a editarlo de esa manera- y porque los simples que habían publicado a modo de adelanto fueron ignorados completamente. Esa situación terminó de minar sus estados de ánimo -el de Colin Blunstone en particular- y selló el final del grupo. Como les conté en el post anterior, cuando "Odessey and Oracle" se editó en Abril de 1968, la banda ya no existía.

Haciendo gala de su habitual coherencia, los directivos de CBS pensaron que luego de su fracaso en Inglaterra, no valía la pena publicar el disco en Estados Unidos y solo la insistencia de Al Kooper -líder de Blood, Sweat & Tears y por ese entonces staff producer del sello- consiguió hacerlos cambiar de opinión. Finalmente "Odessey and Oracle" se publicó en Estados Unidos en Junio de 1968 y su primer simple fue la antibélica "Butcher's Tale". A pesar de ser la canción menos radiable del disco obtuvo una pequeña repercusión, la suficiente como para que a principios de 1969 se editara "Care of Cell 44" como nuevo simple. Esta vez, como ya era una costumbre, no tuvo ningún tipo de difusión. CBS pensó que podían intentarlo con "Time of the Season" y entonces el milagro sucedió. La anécdota que Chris White cuenta al respecto es increíble: "Un día Time of the Season vendió seis copias en Boise, Idaho y por esa sola razón, ellos pensaron que debían enviarle el simple a todos sus distribuidores". Contra todos los pronósticos, la canción se convirtió en un hit que llegó al tercer puesto de los charts estadounidenses. Fue en ese momento que The Zombies pensaron en reunirse, volvieron a grabar juntos -sin la presencia de Colin- e inclusive reunieron material -incluyendo algunos viejos outtakes- para completar un tercer disco que nunca se editó. Ese proyecto fue denominado "RIP" y está incluido en el volumen 2 de "Zombie Heaven". El tema es que había más canciones dando vueltas...

El carácter abusivo de la industria discográfica se mantuvo oculto durante décadas tras su tentadora promesa de glamour, pero con el paso del tiempo fue tornándose insoportable para propios y extraños. Que una banda llamada The Zombies haya publicado solo dos discos oficiales, y que su discografía "post mortem" se haya multiplicado hasta el infinito es algo más que el fruto de una amarga premonición; es una parte de las perversiones que nos describió Morrissey -y de las que, paradójicamente, terminó siendo cómplice- en "Paint a Vulgar Picture":
"Re-issue! Re-package! Re-package!
Re-evaluate the songs
Double-pack with a photograph
Extra Track (and a tacky badge)"
Esa serie interminable de reediciones descuidadas, arbitrarias y llenas de tracks extras que sufrieron The Zombies concluyeron con el box set "Zombie Heaven" (1997). En contraposición de los atropellos señalados, debemos destacar el estupendo trabajo realizado por Big Beat, subsidiaria de Ace Records: "Zombie Heaven" incluye todo el material que el grupo editó oficialmente, también sus demos y actuaciones en vivo, completando una obra espectacular. Pero eso no fue todo, ya que la gente de Big Beat tuvo la intención de publicar al año siguiente, a modo de bonus, un quinto álbum. Esa tarea fue tan ardua que recién pudo concretarse diez años después. El disco que demandó tanto tiempo es "Into the Afterlife" (2007), una recopilación de las canciones de The Zombies cuando ya no eran The Zombies, pero todavía no habían dejado de serlo del todo. Hablamos de tomas alternativas de lo que pudo ser "RIP", de demos esbozados por Rod Argent & Chris White antes de convertirse en Argent -su nueva banda, que debutaría en 1969 con un recomendable disco homónimo- y de un tal Neil MacArthur, que no es otro que Colin Blunstone. Colin, quien estaba desencantado con las experiencias vividas, comenzó a trabajar en 1968 como vendedor de seguros, actividad que desempeño durante un año. En 1969 el productor Mike Hurst lo convenció de volver a grabar, y con su ayuda, Blunstone/MacArthur publicó tres simples.

"Into the Afterlife" tiene un valor inmenso: no solo es un documento histórico, también es una obra disfrutable de principio a fin. De hecho es mucho más recomendable que "RIP", sobretodo por el nivel exquisito de las canciones de Blunstone. La remozada versión de "She's Not There", "Without Her", "Twelve Twenty Nine" y "Don't Try To Explain" (Colin Blunstone) y las inéditas "Unhappy Girl" y "To Julia" (Rod Argent & Chris White) son bellezas que no deben dejar de escuchar. Más adelante habrá tiempo para repasar las carreras de Blunstone, Argent y el retorno de The Zombies durante los noventa.

Track List:
01. She's Not There - Neil MacArthur
02. Hung Upside Down - Neil MacArthur
03. Unhappy Girl - Rod Argent & Chris White
04. She Loves The Way They Love Her - Rod Argent & Chris White
05. Mr. Galileo - Rod Argent & Chris White
06. Walking In The Sun - The Zombies
07. Without Her - Neil MacArthur
08. Twelve Twenty Nine - Neil MacArthur
09. It Never Fails To Please Me - Rod Argent & Chris White
10. I Could Spend The Day - Rod Argent & Chris White
11. I Know She Will - The Zombies
12. Don't Try To Explain - Neil MacArthur
13. World Of Glass - Neil MacArthur
14. To Julia (For When She Smiles) - Rod Argent & Chris White
15. If It Don't Work Out - The Zombies
16. Never My Love - Neil MacArthur
17. It's Not Easy - Neil MacArthur
18. Mr Galileo - Rod Argent & Chris White
19. Ma Non E'Giusto - Neil MacArthur
20. Going To A Go Go (Live) - The Zombies

The Zombies - Zombie Heaven (1997)

2010-09-05T10:28:00.001-07:00

I

Las revistas especializadas fueron muy importantes en mi formación como oyente de música pop. A mediados de los ochenta, cuando todo era nuevo, se convirtieron en una fuente de consulta ineludible, menos por su calidad formal que por la información que ofrecían. Aparte de los nombres, datos y fotos, recuerdo frases puntuales que, por un motivo u otro, me marcaron. Una de ellas es de Daniel Melero, quien con su lucidez habitual sintetizó el valor de las novedades en un reportaje que publicó una Pelo, tal vez una Cantarock. Decía más o menos así: "Lo nuevo envejece rápidamente sino es bueno; en cambio lo bueno siempre es nuevo, aunque tenga muchos años". Para certificar su teoría ofreció un ejemplo irreprochable: "Strawberry Fields Forever" de The Beatles.

II

Todavía sigo coleccionando revistas de música, casi por inercia. A principios del mes pasado compré dos –aparte de la habitual Inrockuptibles- que, si bien son totalmente distintas, tienen un punto en común. Siete meses después de su edición llegó a Mendoza el nº 28o de la Rock de Lux, que contiene un dossier con "lo mejor del 2009", un tópico que no me interesa particularmente. ¿A quien puede importarle, salvo a los protagonistas, si un grupo está o no incluido en una lista? En cambio, me llamó mucho la atención un artículo escrito por Juan Vitoria, un conocido disquero valenciano que, además, es el autor de dos libros de culto: "Los 100 Mejores Discos Del Rock" y "Discos Ocultos: 350 obras maestras de la música contemporánea por descubrir". El título del artículo de referencia es "Mp3 Is Not The End" y trata sobre los formatos que utilizamos para escuchar música. Vitoria aprovecha la ocasión para descalificar al mp3 utilizando argumentos insólitos –los compara con la comida en comprimidos que consumen los astronautas y llega a decir que "(Al descargar música de un ordenador) las pantallas emiten ondas nada beneficiosas para el ojo humano"- y también a sus consumidores, a quienes califica como "amantes de lo barato". A cambio ofrece una enfervorizada defensa del vinilo en la que omite preguntas elementales: ¿Cuantos discos se editan en ese formato hoy día? ¿Adonde se consiguen? ¿Cuanto cuestan?

La otra revista de referencia es Alta Fidelidad. A pesar de que su primer número se publicó en diciembre del 2009, recién llegó a mi provincia en Agosto. La compré sin saber bien de que se trataba, atraído por su formato -un digipack más grande aunque con menos páginas que la recordada "Volume"- y por la foto de The Beatles que ilustra su portada. Las monografías dedicadas a discos clásicos se intercalan con artículos sobre coleccionismo de vinilos y anécdotas de disquerías. La pregunta es ¿se justifica leer por enésima vez como fueron gestados "Abbey Road" y "Exile On Main Street"? El coleccionismo en esos términos -publicar el mismo contenido de siempre solo variando el envoltorio- es tan insustancial que ya no tiene gracia.

III

Sabía que The Zombies habían sido integrantes de la "British Invasion" pero no tenía ningún otro dato sobre ellos. Hace seis o siete años conseguí "Odessey and Oracle" -por supuesto, gracias a un programa de intercambio de archivos- e inmediatamente recordé la frase de Daniel Melero: a pesar de haber sido concebido cuatro décadas atrás, el álbum tiene una vigencia extraordinaria. No tengo el dato exacto, pero dudo que "Odessey and Oracle" haya sido editado en Argentina. Tampoco me consta que alguna revista le haya dedicado una nota. Gran parte de la gente que está relacionada a la industria discográfica vive aferrada a la nostalgia por los buenos tiempos en los que podían lucrar exageradamente sin hacer mayores esfuerzos. Mientras tanto, los oyentes más inquietos podemos disfrutar de los discos que ellos condenaron al olvido. El standard de calidad conque los escuchamos, como siempre, tiene que ver con nuestras posibilidades económicas y/o con nuestro ingenio.

IIII

La historia de The Zombies no ofrece datos excepcionales, más bien todo lo contrario: Tres compañeros del colegio St. Albans, Rod Argent (teclados), Paul Atkinson (guitarra) y Hugh Grundy (bateria) crearon la banda en 1961. Su formación se completó con Paul Arnold (bajo) quien trajo consigo a Colin Blunstone (voces). Al poco tiempo Arnold fue reemplazado por Chris White y así quedo confirmada la alineación definitiva. Luego de dos años de actuaciones en pequeñas salas, se presentaron en un concurso cuyo primer premio era un contrato con Decca. Lo ganaron, y en 1964 comenzaron a grabar junto al productor Ken Jones. "She's Not There", una canción hermosa, fue la protagonista de su primer simple y les abrió las puertas para actuar en Estados Unidos como parte de las invasiones inglesas que comandaban The Beatles e incluían a grupos como Rolling Stones, The Animals y The Troggs. "Tell Her No" su tercer simple, no alcanzó un puesto destacado en los charts ingleses pero si en los estadounidenses en donde se convirtió en un nuevo éxito. En 1965 publicaron "Begin Here" su primer LP. Para ese entonces The Zombies habían desarrollado un sonido refinado que lucía en las composiciones propias ("She's Not There", "I Remember When I Loved Her", "I Can't Make Up My Mind") y arropaba con su impronta a los covers ("Roadrunner", "Summertime", "You've Really Got A Hold On Me", "Bring It On Home to Me"). Inexplicablemente, "Begin Here" pasó desapercibido. Luego de ese traspié inesperado editaron nuevos simples ("She's Coming Home", "Whenever You're Ready", "Is This The Dream", "Remember You" entre otros) que tuvieron una suerte similar a la del álbum debut, lo que motivó la rescisión de su contrato. En 1967 The Zombies entraron nuevamente a un estudio de grabación, pero antes prescindieron de los servicios del productor Ken Jones, quien insistía con mantener la pulcritud que los distinguía. Al mismo tiempo firmaron un nuevo contrato, esta vez con el sello CBS. Una vez que The Beatles completaron las sesiones de “Sgt.Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, The Zombies ingresaron a Abbey Road. En ese mítico lugar grabaron "Odessey and Oracle", uno de los discos más hermosos de todos los tiempos.

"Odessey and Oracle" comienza con "Care Of Cell 44", una canción que marca las pautas de lo que encontraremos en el resto del disco: un sonido otoñal que parece transmutar la música en colores, deslumbrantes armonías vocales a lo Beach Boys lideradas por Colin Blunstone; la soltura del bajista Chris White quien sorprende como compositor de siete canciones y la inventiva de Rod Argent quien lleva adelante el repertorio con sus teclados (mellotron, órgano, piano). "Care Of Cell 44" cuenta la historia de un chico que le escribe una carta a su novia: "Good morning to you, I hope you're feeling better, baby. Thinking of me while you are far away. Counting the days until they set you free again". Ella se encuentra en prisión, quizás en un instituto psiquiátrico; sin embargo la letra hace hincapié en lo felíz que va a ser el reencuentro. La bellísima "A Rose For Emily", basada en un cuento corto de William Faulkner es una de las mejores muestras del talento melódico de Argent y su estribillo ("Emily, Emily can' you see?) es inolvidable. "Maybe After He's Gone" comienza con una intro de guitarra acústica que le da un toque inesperadamente convencional. Sin embargo, es una canción 100% psicodélica en su desarrollo. Su letra habla de la perdida y la añoranza. "Beechwood Park" ahonda en la melancolía propuesta por las dos canciones anteriores. Una guitarra dobro y el omnipresente órgano son los encargados de desarrollar su clima onírico. "Brief Candles" es el relato de una separación y su título remite a Aldous Huxley. La dinámica entre los versos cantados por Argent y los estribillos cantados por Colin es emocionante. Es en "Hung Up On A Dream" en donde las alusiones psicodélicas ("A sweet confusion filled my mind, Until I woke up only finding everything was just a dream, A dream unusual of its kind, That gave me peace and blew my mind, And now I'm hung up on a dream") se hacen más palpables. Después de todo, estamos en 1967. "Changes" nuevamente nos remite al "Pet Sounds". Los cambios de estación de los que habla acaso sean lo de un eterno retorno al que estemos condenados. "I Want Her She Wants Me" ofrece referencias a The Beatles de "Revolver", mientras que el optimismo y la melodía de "This Will Be Our Year" también nos recuerdan a Paul McCartney. La altura con la que se acercan a su arquetipo merece el mejor de los elogios. La oscura "Butcher's Tale" está inspirada en "Im Westen Nichts Neues" ("Sin novedad en el frente") de Erich Maria Remarque. Su letra anti-bélica se acentúa por una instrumentación escueta -mellotrones y acordeones- y desentona con el clima del álbum. Con "Friends Of Mine" vuelve el pop luminoso. Es el tipo de canción por la que muchos grupos suecos actuales venderían su alma. Un groove de bajo y las exhalaciones de Rod Argent nos introducen a "Time Of The Season". A diferencia del resto del disco, esta canción exhibe una instrumentación austera que solo se ve alterada por los solos de órgano. Colin Blunstone quien sobresale como siempre, como nunca antes, nos dice en su estribillo que es tiempo de amar y esas palabras sintetizan el espíritu de su época. "Time Of The Season" es el cierre perfecto para un álbum excepcional. Las ediciones de "Friends of Mine" y "Care of Cell 44", los simples que CBS lanzó a modo de anticipo, pasaron completamente desapercibidas. Por ese motivo el sello postergó la publicación de un disco que, supuestamente, estaba destinado a fracasar. Cuando finalmente editaron "Odessey and Oracle" en abril de 1968, The Zombies ya se habían separado.

"Zombie Heaven", la caja editada por el sello Big Beat, recopila todo el material editado por The Zombies. Incluye sus dos álbumes, todos sus simples, demos, sesiones de grabación de un tercer disco que nunca fue publicado -esa es otra historía- y actuaciones en la BBC. Cuando parecía que no quedaba más nada para decir, en el año 2007 Big Beat sorprendió a todos con otra edición maravillosa. Para conocerla tendrán que esperar hasta la semana próxima.

Track List:
Disc 1
"Begin Here & Singles"
01 She's Not There
02 You Make Me Feel Good
03 Leave Me Be
04 Woman
05 Tell Her No
06 What More Can I Do
07 Road Runner
08 Summertime
09 I Can't Make Up My Mind
10 The Way I Feel Inside
11 Work 'N' Play
12 You've Really Got A Hold On Me-Bring It On Home
13 Sticks And Stones
14 Can't Nobody Love You
15 I Don't Want To Know
16 I Remember When I Loved Her
17 I Got My Mojo Working
18 She's Coming Home
19 I Must Move
20 I Want You Back Again
21 Whenever You're Ready
22 I Love You
23 Is This The Dream
24 Don't Go Away
25 Remember You
26 Just Out Of Reach
27 Indication
28 How We Were Before
29 Gotta Get A Hold Of Myself
30 Goin' Out Of My Head
31 She Does Everything For Me

Disc 2
"Odessey and Oracle & The Lost Album"
01. Care Of Cell 44
02. A Rose For Emily
03. Maybe After He's Gone
04. Beechwood Park
05. Brief Candles
06. Hung Up On A Dream
07. Changes
08. I Want Her She Wants Me
09. This Will Be Our Year (Mono Mix)
10. Butcher's Tale - Western Front 1914
11. Friends Of Mine
12. Time Of The Season
13. I'll Call You Mine (Single Version)
14. Imagine The Swan
15. Conversation Off Floral Street
16. If It Don't Work Out (Overdubbed)
17. Don't Cry For Me (Overdubbed)
18. I Know She Will
19. Walking In The Sun (Overdubbed)
20. I'll Keep Trying (Overdubbed)
21. I'll Call You Mine (Overdubbed)
22. Smokey Day
23. She Loves They Way They Love Her
24. Girl Help Me
25. I Could Spend The Day
26. A Rose For Emily (Alternative Version)
27. This Will Be Our Year (Stereo Version)
28. Time Of The Season (US Radio Spot)

Disc 3
"In The Studio"
01. Summertime (Demo)
02. Woman (Demo)
03. Kind of Girl (Demo)
04. Leave Me Be (Demo)
05. I'm Going Home (Takes 1 & 2)
06. I'm Going Home
07. Sometimes (Intro Takes 1, 2, 4, 5, 6)
08. Sometimes
09. It's Alright with Me
10. Kind of Girl
11. Walking in the Sun (Undubbed)
12. Studio Chat - The Way I Feel Inside (False Start)
13. The Way I Feel Inside (Rehearsal)
14. I Want You Back Again (Alternative Version)
15. Nothing's Changed (Backing Track)
16. Nothing's Changed
17. Remember You (Soundtrack Version)
18. Come On Time
19. I'll Keep Trying
20. Whenever You're Ready (Demo)
21. You'll Go From Me (Undubbed)
22. I Know She Will (Undubbed)
23. Don't Cry For Me (Undubbed)
24. If It Don't Work Out (Undubbed)
25. One Day I'll Say Goodbye (Demo)
26. I Don't Want to Worry (Demo)
27. A Love that Never Was (Demo)
28. Call of the Night (Demo)
29. Out of the Day (Demo)
30. This Will Be Our Year (Demo)
31. Bunny Lake Promo Spot (To Music Of Come On Time)

Disc 4
"Live on the BBC"
01. Road Runner
02. You Make Me Feel
03. Early One Morning
04. She's Not There
05. Tell Her No
06. What More Can I Do
07. I'm Going Home
08. For You My Love
09. Tell Her No (Acoustic Piano Version)
10. Soulville
11. Rip It Up
12. Can't Nobody Love You
13. You Must Believe Me
14. She's Coming Home
15. I Must Move
16. Just Out Of Reach
17. If It Don't Work Out
18. Whenever You're Ready
19. It's All Right
20. Will You Love Me Tomorrow
21. When The Lovelight Starts Shining Through Her Eyes
22. Just A Little Bit
23. Sitting In The Park
24. Gotta Get A Hold Of Myself
25. Goin' Out Of My Head
26. This Old Heart Of Mine
27. Friends Of Mine
28. The Look Of Love
29. Kenny Everett Show Jingle

Emitt Rhodes - Emitt Rhodes (1970)

2010-08-30T19:01:00.001-07:00

Me reconforta pensar que la distinción entre pasado, presente y futuro es, como pensaba Albert Einstein, sólo una persistente ilusión. De esa manera es sencillo imaginar que este disco -editado hace cuarenta años, aunque muchos escucharan hoy por primera vez- puede sortear el olvido y su autor finalmente encuentra el sosiego anhelado. Perrata 2000 del blog La Colmena de Humo es un especialista en rescatar joyas olvidadas. Probablemente, no hay nadie más indicado que él para repasar la historia de Emitt Rhodes.

“I believe in life being the most important thing there is. Life is it. I’ve been dead so I know what death is.”
Emitt Rhodes (en entrevista con la revista Scram, 2006)

Lo primero que pensé cuando Spellbound me invitó a que escriba algo sobre Emitt Rhodes era que iba a tratar de no mencionar el nombre de Paul McCartney en la reseña; y aquí estoy en la primera frase del primer párrafo y ya hizo Sir Paul su primera aparición. No se trata de evitarlo porque sí. Es más bien un intento por hacerle justicia a un disco excelente que siempre ha sido etiquetado con la incómoda comparación. Y aquí es cuando me doy cuenta de que escribir esto es como ver a un perro mordiéndose la cola pues los paralelos son ineludibles. Mas que un estilo lo que los dos músicos comparten es un optimismo inquebrantable, una capacidad de asombro de niño y por supuesto un instinto melódico animal. Imagínense un disco de los Beatles sin los otros 3 Beatles… Y fíjense que no digo un disco solo de McCartney porque no hay ninguno de sus álbumes en solitario que tenga la consistencia, unidad de sonido y terquedad que tiene este LP de Rhodes. Pop puro, trabajado hasta la obsesión, cocinado en una caseta en el jardín de su familia por meses.

Cada canción es como una de esas piedras de río, pulidas por el agua hasta que no queda un solo borde. La atención al detalle en este disco es impresionante, con cada arreglo compuesto hasta la histeria, pero logrando mantener un aire de total espontaneidad. Ahí esta el éxito de Rhodes, la clave de que estas pequeñas viñetas aguanten el paso del tiempo. Nos confunden en su aparente simplicidad (como diría Daniel Silverman “simple sin ser simplista”) pero están cargadas de detalles y matices. Canciones como “Fresh As A Daisy” o “Somebody Made For Me” son ejemplos perfectos del pop más refinado, con un énfasis definitivo en lo melódico por una época en que se empezaban a valorar el virtuosismo y la experimentación (por no hablar de los solos de batería de nueve minutos…). Esta es música alegre y melancólica al mismo tiempo, llena de brillo. Las referencias van mas allá de los Beatles y su cercanía con ellos tiene más que ver con una actitud vital. La música de Emitt Rhodes tiene la ternura de la infancia y la intensidad de la adolescencia. ¿Como es que este disco no es más conocido?

Aquí es que empieza la triste historia de un talento traicionado. Cuando su primera banda The Merry Go Round se terminó, Emitt se fue a su garage y allí grabó estas canciones de las que no solo es autor y arreglista sino en las que también toca todos los instrumentos (en otro paralelo con lo que hacia Macca en esa época). Ese arranque le garantizo un contrato con ABC/Dunhill que seria un terrible error ya que en el le exigían entregar un disco cada seis meses (¿y que mas barato que un artista que toca, compone, arregla y produce?). Al demorarse un poquito con su segundo disco la compañía le impondría una demanda, matando su carrera apenas cuando apenas tenía un poco más de 20 años. Antes de este infortunio este álbum empezó a tener algo de éxito nacionalmente y las ventas iban moderadamente bien, lo cual suscitó que el sello que publicaba su música con los Merry Go Rounds se apresurara a sacar un LP con material inacabado bajo el irónico nombre de Emitt Rhodes “The American Dream”. Esto hizo que el público se confundiera, comprara el disco equivocado y se fueran los dos a pique. Para sumar a la desgracia, alguna jugada en el contrato le impidió recibir (y aun le impide) recibir regalía alguna por sus canciones. No hay historia más triste. Rompe el corazón escuchar esta increíble música sabiendo que quien la hizo fue tratado como un perro…

Bueno, tal vez esas duras circunstancias hagan que valga la pena aun más la difusión de este álbum; esperando que las montañas de cintas que Rhodes guarda en su garage tras años de seguir grabando en silencio encuentren eventualmente una audiencia cuando logre hacerlas disponibles.

Perrata 2000

Track List:
01. With My Face on the Floor
02. Somebody Made for Me
03. She's Such a Beauty
04. Long Time No See
05. Lullabye
06. Fresh as a Daisy
07. Live Till You Die
08. Promises I've Made
09. You Take the Dark Out of the Night
10. You Should Be Ashamed
11. Ever Find Yourself Running
12. You Must Have

Paul McCartney - Sold On Songs Radio (2005)

2010-08-07T12:48:00.000-07:00

Introducción

Linda Eastman falleció el 17 de abril de 1998, luego de luchar durante dos años contra un cáncer de mamas. George Harrison murió el 29 de noviembre de 2001, también víctima del cáncer. El 11 de junio de 2002 Paul McCartney se casó con Heather Mills con quien mantuvo una relación compleja, que finalizó de la peor manera en el 2006. En "Flaming Pie" (1997), "Driving Rain" (2001) y "Chaos and Creation in the Backyard" (2005), los discos que Paul publicó durante esos años -"Rushes" (1998) de su proyecto The Fireman es un álbum experimental, mientras que "Run Devil Run" (1999) es una revisión de los clásicos del primer rock'n'roll- podemos vislumbrar secuelas de los sinsabores vividos.

Primera parte: Caos

"La probabilidad de que el orden surja del desorden es infinitesimal de acuerdo con las leyes del azar. Sin embargo, la formación de sistemas disipativos ordenados demuestra que es posible crear orden a partir del desorden. La descripción de estas estructuras ha permitido descubrimientos fundamentales que se aplican en distintos campos como la biología, la ecología o la sociología."(1) Desconozco si Nigel Godrich -el productor de "Chaos and Creation in the Backyard"- conoce la obra de Ilya Prigogine, pero estoy seguro que una de sus premisas a la hora de trabajar con Paul McCartney fue la de crear belleza a partir del caos. Godrich es dueño de un extenso curriculum que incluye gran parte de la discografía de Radiohead, trabajos junto a Beck, Pavement, Travis y el fallido "Regeneration" (2001) de Divine Comedy. Fue propuesto como productor artístico por George Martin, quien declinó el ofrecimiento que McCartney le había hecho en primera instancia. Las sesiones de "Chaos and Creation" fueron estresantes. Godrich determinó que Paul debía abandonar su modus operandi habitual y, entre otras cosas, le pidió que se olvidara de su banda de apoyo y se hiciera cargo de todos los instrumentos. McCartney lo vivió así: "Me obligó a arriesgar. Cuando lo contacté, lo primero que me dijo fue "Ok, acepto. Pero mirá que voy a hacerte salir de tus zonas cómodas...". Y cumplió. Hubo momentos de tensión porque me hizo ir hasta más allá de mis propios límites, pero aprendí mucho trabajando con él."

Segunda parte: Creación

Un productor artístico con ideas innovadoras no alcanza para lograr un gran disco y "Chaos and Creation at the Backyard" lo es. Si el álbum se distingue, es por la excelencia compositiva de Paul, uno de los mejores songwriters de nuestro tiempo. McCartney, es sabido, tuvo una carrera solista con desniveles notorios, sobretodo en el tramo que va desde "London Town" (1978) hasta "Press to Play" (1986). Esto tiene que ver con cierta obligación de mantenerse dentro de los cánones del AOR, y con una autoindulgencia que lo llevó a completar discos interesantes con material de relleno, vicios que Paul ha ido corrigiendo con el paso del tiempo. "Chaos and Creation" está conformado por un repertorio de nivel superlativo y esa es su principal virtud. Desde la vitalidad de "Fine Line" a la triste ironía de “How Kind of You”, continuando con la delicada "Jenny Wren" -una preciosura en la que se destaca el solo de duduk a cargo de Pedro Eustache-, el clasicismo de "English Tea", "Too Much Rain" y su llamado a ser feliz a pesar del desasosiego; el bolero "A Certain Softness" o como cantar "And I Love Her" cuarenta años más tarde; "Riding to Vanity Fair" con su clima intrigante, forman parte de una colección a la altura de sus clásicos.

Epílogo: En el patio de casa

En Julio del 2005 Paul McCartney grabó un especial para presentar "Chaos and Creation at the Backyard" -probablemente su mejor álbum solista- en el Studio 2 de Abbey Road, el mismo sitio en donde The Beatles grabaron todos sus discos. Paul protagonizó un show hermoso, en donde presentó nuevas canciones al tiempo que recordó anécdotas sobre sus inicios, exhibiendo una voz intacta, y, lo más importante, una humildad inconmesurable. Esta actuación fue transmitida originalmente por la BBC Radio 2 el 17 de Septiembre de ese año, y, aunque nunca fue editada oficialmente, la podemos disfrutar gracias a bootlegs como este.

(1) Fragmento del comunicado que la academia Nóbel emitió para anunciar su premio de Química del año 1977, concedido al científico belga de origen ruso Ilya Prigogine.

Track List:

Disc 1
01. Mark Radcliffe Intro
02. Interview
03. Intro
04. Friends To Go
05. In Spite Of All The Danger
06. Twenty Flight Rock
07. Things We Said Today
08. Too Much Rain
09. How Kind Of You

Disc 2
01. Band On The Run
02. Fine Line/Audience Participation
03. Lady Madonna
04. English Tea
05. Heartbreak Hotel
06. Jenny Wren
07. Follow Me
08. Blackbird
09. Mellotron Demo/Strawberry Fields Forever
10. Anyway
11. That's All For Now

Echo & The Bunnymen - What Are You Going To Do With Your Life? (1999)

2010-07-25T09:43:00.001-07:00

Cuando Echo & The Bunnymen se separó en 1988 dejó como legado una discografía inmaculada y, teóricamente, definitiva. Si tenemos en cuenta la suma de desencuentros y errores que signaron los años posteriores a la ruptura, nada hacía pensar que un retorno digno era posible. Sin embargo, esto no fue así… pero mejor comencemos por el principio.

Independientemente de la valoración que pueda hacerse sobre sus méritos artísticos, es imposible negar que la aparición de los Sex Pistols provocó un cataclismo en la música inglesa. De los escombros surgieron decenas de grupos que, con menor o mayor capacidad de recursos, fueron sumándole experimentación, melodías y melancolía a la rabia original del punk. En 1978, poco tiempo después de pelearse con Julian Cope y abandonar The Crucial Three, Ian McCulloch formó Echo & The Bunnymen junto a Will Sergeant (guitarra), Les Pattinson (bajo) y Echo, la maquina de ritmos que ocupó el lugar de cuarto integrante del grupo hasta que en 1980 ingresó Pete de Freitas. La banda contaba con cualidades como para sobresalir rápidamente: la notable voz de McCulloch, la pericia de Sergeant, y una gran lucidez para entender que la oscuridad y el encierro solo tienen sentido cuando se los contrapone a la luz. "Crocodiles" (1980), "Heaven Up Here" (1981) y "Porcupine" (1983) evidencian su evolución constante. Podemos escuchar estos discos como clásicos de la era post-punk y disfrutarlos por su peso específico, pero también debemos pensarlos como borradores de "Ocean Rain", una obra extraordinaria.

"Ocean Rain" (1984) es el soundtrack de una travesía nocturna por aguas turbias. McCulloch, secundado por un Seargent brillante y una orquesta de 53 músicos, rememora tiempos pretéritos mientras descubre que el horizonte es inalcanzable y nuestro destino ya está escrito. "The Killing Moon", probablemente la mejor canción de todos los tiempos, es el momento culminante de este viaje. Al año siguiente Echo & The Bunnymen publicó "Songs to Learn & Sing" (1985) una recopilación de simples que incluyó la inédita "Bring On the Dancing Horses" y los hizo conocidos en todo el mundo. La primera etapa de su carrera se cerró con la edición de un disco homónimo. "Echo & The Bunnymen" (1987) ofreció una colección de canciones de indudable calidad en la que se destacan "Lips Like Sugar" y "The Game". Sin embargo, estuvo lejos de alcanzar su principal objetivo: la consagración en Estados Unidos. Por otra parte, más allá de poseer numerosas virtudes, el disco tampoco se acercó a la majestuosidad de "Ocean Rain". Estos motivos, sumados a las tensiones que había entre Ian y el resto de los músicos desembocaron en la separación del grupo, y es en este punto cuando volvemos al principio del post.

La edición de "Candleland" (1989) -el endeble debut como solista de Ian- la muerte de Pete de Freites y la edición de "Reverberation" (1990) -el psicodélico e insulso disco de unos Echo & The Bunnymen cuya formación estaba integrada por Sargeant, Pattinson y un ignoto vocalista llamado Noel Burke- acabaron con la esperanza que teníamos de que la separación fuera transitoria. "Mysterio" (1992), el segundo disco de Ian McCulloch, solo sumó una nueva decepción a pesar de "Lover, Lover, Lover"... Al año siguiente recibimos una noticia tan inesperada como excitante: McCulloch estaba trabajando en un nuevo disco junto a Johnny Marr, pero la expectativa rápidamente se vio frustrada, ya que al poco tiempo nos enteramos que el registro de esas sesiones se había extraviado. Si bien las grabaciones nunca aparecieron -se trata de uno de los discos perdidos más famosos de la historia del rock- este encuentro sirvió para que Ian recuperara la confianza en si mismo, como confesaría años más tarde. A sabiendas de que necesitaba un colaborador de peso, en 1994 McCulloch hizo las pases con Sergeant y juntos formaron una nueva banda que, por una cuestión de derechos de autor o por pudor, se llamó Electrafixion. "Burned" (1995), el único disco que editaron, presenta dos canciones - quizás tres- del inconcluso proyecto McCulloch-Marr. A pesar de eso, el resultado es decepcionante. Dark, ruidoso y totalmente inconexo con la música que se escuchaba por ese entonces, dejó un gusto amargo a propios y extraños. Después de tantos pasos en falso, nada hacía imaginar que en 1997 Les Pattison iba a unirse a Ian y Will para darle vida a unos renovados Echo & The Bunnymen; mucho menos que el fruto de ese retorno iba a ser un disco de la envergadura de "Evergreen". Lejos del esplendor y la psicodelia de la década pasada, la banda ofreció en su regreso un álbum austero, repleto de melodías redondas, que aborda la tradición pop inglesa desde un nivel superior al del britpop. “Nothing Last Forever” -con coros de Liam Gallagher- y "Empire State Halo" son mis canciones predilectas. El próximo paso de la banda fue más sorprendente todavía.

Una de las particularidades de Echo & The Bunnymen es que en todas sus portadas -excepto en la de su disco homónimo, que consistía en un primer plano de sus rostros- aparecen en medio de paisajes naturales. En "What Are You Going to Do with Your Life?" otra vez vemos un paisaje, un camino inhóspito en el medio del desierto, pero la imagen es desconcertante: solo Ian transita por ese camino. Les Pattison tenía que cuidar a su madre enferma y decidió no participar en la grabación del álbum. Will Sergeant si lo hizo, pero lo vivió como un suplicio. Tiempo más tarde declaró lo siguiente: "Hacer ese disco fue probablemente el peor momento de mi vida entera. Lo odiaba. Estoy en todos los tracks, aquí y allá, pero en general me quedé en la tienda… Fue una experiencia horrible". La portada, entonces, anticipaba el contenido: este es el tercer disco solista de Ian McCulloch, quien de esa manera salda cuentas por la edición de "Reverberation". A diferencia de sus débiles trabajos anteriores, esta vez Ian logra un resultado excelso. Con el acompañamiento de la London Metropolitan Orchestra, graba nueve canciones que tienen mucho más que ver con Burt Bacharach que con su propio pasado. "Ya no tengo miedo de la usura, del envejecimiento, porque sé que puedo encarar el futuro sobre estas nuevas bases. Tampoco tengo la necesidad de autocompadecerme; es como si estas canciones tan directas y personales hubieran tenido un efecto catártico. Olvídense de "The Bends" y de "Nevermind": acá tienen el mejor disco de la década. Al fin de cuentas, era bastante fácil de hacer: bastaba con ser yo mismo y decir la verdad". Las palabras de McCulloch encuentran su respaldo en una serie de canciones pletóricas de elegancia: la simpleza de "What Are You Going to Do With Your Life?", la belleza inconmensurable de "Rust", y la ternura de "Fools Like Us" son frutos de un songwriter maduro, que está atento a todas las miradas pero es fiel a su esencia; que pretende ser Sinatra, Bowie y Leonard Cohen al mismo tiempo y en el intento consigue despojarse de todos los clichés para, finalmente, ser el mismo.

La discografía de Echo & The Bunnymen tuvo su continuación con el psicodélico "Flowers" (2001) en donde Will Sergeant volvió a tener un papel protagónico; "Siberia" (2005) otro gran álbum que retomó elementos de "Evergreen" y "What Are You Going To Do..." para demostrar que la banda tenía una vigencia elogiable; y el rockero "The Fountain" (2009), que a pesar de su sonido poderoso, roza la vulgaridad, convirtiéndose de esa manera en su trabajo menos recomendable. "The Fountain" tiene algunos puntos de contacto con "Slideling" (2003) el tercer -¿o cuarto? disco de Ian McCulloch, que ofrece una serie de canciones correctas, de sonido claro y homogéneo, pero no mucho más que eso.

Track List:
01. What Are You Going to Do With Your Life?
02. Rust
03. Get in the Car
04. Baby Rain
05. History Chimes
06. Lost on You
07. Morning Sun
08. When It All Blows Over
09. Fools Like Us

Shack - Here's Tom With The Weather (2003)

2010-07-11T18:44:00.001-07:00

Además de ser uno de mis pasatiempos favoritos, investigar los hypes de la prensa musical inglesa es una actividad que me reporta numerosas utilidades. Leer que Kasabian, Maximo Park, Bloc Party, Kaiser Chiefs, The Courteneers, The Klaxons, These New Puritans o The Horrors son presentados como los nuevos Beatles/Smiths/Stone Roses y luego esperar a que desaparezcan rápidamente -o lo que es peor, a que publiquen un segundo disco espantoso- es un recordatorio permanente de que la mejor música de los últimos años se está gestando lejos del Reino Unido. Además, peer to peer mediante, me ha servido para distinguir lo accesorio de lo importante: comprar el primer simple de Hurts o The Drums antes que nadie ha pasado a ser una jactancia anticuada, y por lo tanto inútil... Si repasamos los hypes más insólitos de los últimos veinte años, hay dos que se destacan particularmente. El primero fue gestado por la extinta Melody Maker a mediados de los noventa y pretendió consagrar al RoMo (Romantic and Modernist). La supuesta resurrección del movimiento New Romantics estaba liderada por grupos como Orlando, Sexus, Dexdexter, Hollywood, Plastic Fantastic y Viva. Con mucho esfuerzo conseguí los simples de todos estos grupos: eran absolutamente inservibles. Como se imaginaran, el invento no funcionó y a las pocas semanas el RoMo pasó al olvido. El segundo hype, si bien fue exagerado, pretendió ser un acto de justicia y tuvo como protagonista a la banda que hoy nos ocupa: Shack.

El ejemplar del 23 de octubre de 1999 del NME tenía un titulo sorprendente: “Este hombre es nuestro songwriter más grande ¿Lo reconoce?” La portada era ocupada por una foto enorme de Michael Head, al que está claro, casi nadie conocía. Lo curioso es que Head no era ningún novato, más bien todo lo contrario: debutó en 1982, con la edición de "(There's Always) Something on My Mind", el simple debut de The Pale Fountains. El primer grupo de este campeón desparejo poseía un repertorio pletórico de canciones pop sencillas y delicadas, pero también hay que decirlo, carecía de la grandeza de, por ejemplo, The Smiths o de sus vecinos Echo and the Bunnymen. El sorprendente "Pacific Street" (1984) y su sucesor, “From Across the Kitchen Table” (1985) -que aportaba mayor volumen en las guitarras y la producción de Ian Broudie (The Lightning Seeds)- tuvieron una tibia recepción y The Pale Fountians se disolvió en 1986. Inmediatamente Michael convocó a su hermano John y juntos formaron Shack. Esta banda debutó en 1988 con "Zilch", un disco que nunca escuché pero que las reseñas coinciden en señalar como prescindible. En 1991, luego de un nuevo cambio de compañía discográfica y de numerosos contratiempos, grabaron “Waterpistol”. La noche en que terminaron de mezclarlo se incendió el estudio y con él, las cintas originales del álbum. Chris Allison, su productor tenía una copia en DAT, pero esa noche viajó a los Estados Unidos y se la olvidó en el auto que había alquilado. Cuando las cintas aparecieron en la casilla de correo del grupo, después de seis semanas de búsqueda desesperada, el sello que debía editar el disco ya no existía más… Shack se disolvió y los hermanos Head se sumaron a la formación de Love, el mítico grupo de los 60's que giraba por el mundo de la mano de su líder Arthur Lee. El trabajo duró poco, y nada se supo de Shack hasta 1995, cuando una pequeña discográfica alemana editó "Waterpistol". Como siempre, el álbum obtuvo buenas críticas pero sonaba demasiado fuera de tiempo como para llamar la atención de un público que estaba inmerso en las arrogantes tonadas del Brit Pop. En 1997 se produjo un nuevo retorno de los hermanos Head gracias a los oficios de un fan francés, quien financió el álbum de The Strands, la nueva encarnación de Shack. Su título fue “The Magical World of the Strands”, y a pesar de que se trataba del mejor disco que habían concebido los Head hasta ese momento, todo intento de trascendencia se vio frustrado por culpa de la adicción a la heroína que arrastraban Michael y John. Llegó 1999, un contrato con el sello London, el disco "HMS Fable" editado por unos reformados Shack, y la famosa tapa del NME. Pero, como contra el destino nadie la talla, ni el hype ni la calidad de las canciones lograron que el grupo finalmente se hiciera famoso. "HMS Fable" es uno de los grandes álbumes de brit pop editado cuando el brit pop ya era un chiste viejo, y la formula Beatles + Bacharach + The Who no le interesaba ni siquiera a los ingleses, que por entonces se conmovían con las lagrimas de cocodrilo de Thom Yorke o bailaban con un insoportable Moby. Por otra parte, más allá de su indudable calidad, "HMS Fable" tampoco merecía semejante hype. A pesar de ese nuevo fracaso y cuando nadie lo esperaba, Shack regresó por enésima vez en el 2003 con el fantástico “Here's Town with the Weather", un sorprendente álbum de canciones atemporales. "Soldier Man", "Byrds Turn to Stone", "Carousel" y "Chinatown" podrían haber sido escritas por Arthur Lee, Roger McGuinn, David Crosby o el Ian McCulloch de "Evergreen". Michael canta con una tranquilidad inédita, como si por fin hubiera asumido su destino y se conformara con ser solo un modesto trovador; confirmando, casi sin querer, que las valoraciones que se habían hecho en torno a su genio compositivo no estaban tan erradas después de todo.

El último trabajo de Shack se llama "On the Corner of Miles and Gil" (2006) y fue editado en Sour Mash Records, el sello de Noel Gallagher. "On the Corner of Miles and Gil" condensa la energía de "HMS Fable" con la armonía de “Here's Tom's with the Weather", redondeando un disco muy recomendable.

Track List:
01. As Long as I've Got You
02. Soldier Man
03. Byrds Turn to Stone
04. The Girl with the Long Brown Hair
05. On the Terrace
06. Miles Apart
07. Meant To Be
08. Carousel
09. On the Streets Tonight
10. Chinatown
11. Kilburn High Road
12. Happy Ever After

Lloyd Cole - Love Story (1995)

2010-07-04T09:12:00.001-07:00

Internet, este mundo ancho y ajeno, me ha permitido conocer gente realmente encantadora. Una de ellas es Paola Simeoni, quien nos relata la historia de Lloyd Cole y su "Love Story".

Hace unos días recibí una invitación para escribir sobre Lloyd Cole y, más precisamente, sobre su disco "Love Story". En estos momentos, aceptado el amable convite, me encuentro frente a mi pc y me doy cuenta de que me metí en un lío. Es que podría tirar unos cuantos datos biográficos (de hecho lo voy a hacer), decir que Cole nació hace casi 50 años en Inglaterra y que después se mudó a Escocia para estudiar y que, en lugar de agarrar los libros, armó una banda de rock, Lloyd Cole and the Commotions. Podría decirles que, como los mejores rockers ochentosos, Lloyd usaba jopo y se vestía de negro, pero no era sólo un moderno ejemplar, también tenía buen gusto para escribir buenas canciones. En esa época muchos hermanaron a su banda con The Smiths y esa filiación, creo, no era arbitraria. Cierta tristeza existencial (que se mantuvo después durante toda su carrera) y una voz personal e inconfundible (que tampoco se desgastó con el pasar de los años) lo enrolaban sin duda en un posible club en el que Morrissey sería insigne y autoproclamado presidente. Alguna parte de la crítica los acusó de tilingos, de pecar de exceso de citas a escritores y personajes cools, pero lo cierto que los tres discos de la banda ("Rattlesnakes", "Easy Pieces" y "Mainstream"), más o menos snobs, dejaron canciones que aún ahora, pasadas las décadas se sostienen como si recién hubieran sido escritas. Por favor chequeen "2CV", "Are You Ready To Be Heartbroken?", "Lost Weekend", "Jennifer She Said", entre otras) También podría hacer caso a lo peticionado y elaborar un análisis pormenorizado de "Love Story". Pero alcanza con decir que en los 90 Lloyd Cole se fue a los Estados Unidos donde intentó construir una carrera solista. Si revisamos sus declaraciones, él mismo reconoce que anduvo a tontas y alocas tratando encontrar el tono que le permitiera conquistar la gloria en el nuevo continente, pero como no lo logró (su música está condenada -o predestinada- a ser para unos pocos), se decidió a ser él mismo y en 1995 editó (en pleno furor grunge, ja!) el mentado "Love Story". Evidentemente, lo suyo son las canciones pop de amor y, sobre todo, de desamor. Las letras de "Love Story" describen al amor como una fatalidad, como algo que sabemos que nos va a doler, pero con el que insistimos meternos una y otra vez. Cole, en su primer disco ya nos preguntaba si estábamos listos para que nos rompan el corazón y acá, en "Love Story", nos cuenta las muchas causas posibles por las que te puede quedar el corazón con agujeritos. También podría contarles que Cole todavía anda de gira por el mundo, sólo con su guitarra y con los cds que él mismo vende a la salida de sus recitales. Evidentemente, lo suyo no es la música para las masas, pero sí una perseverancia malhumorada de la que hace militancia. Además, acaba de anunciar en su blog que va a sacar un nuevo disco, mitad financiado por una discográfica alemana y mitad solventado por sus fans que compraron en pre-venta una edición de lujo de un álbum que ni siquiera se empezó a grabar. Pero pasa que, escribí todo eso, se está acabando el post, y pienso que todavía no pude expresar bien por qué es bueno Lloyd Cole, por qué vale la pena visitar sus discos antiguos y actuales. Y ahora, cuando me queda poco para terminar, intento una respuesta: y es porque, pienso, le encontró el secreto a ese género tan peligroso que es la música pop. Porque dio con la formula para lograr aquello que las canciones pop hacen: tratar con música amable, espíritu liviano y las palabras justas los temas más profundos e importantes. Y los que necesitamos de esta música ligera para banda de sonido de nuestras vidas también necesitamos a espíritus sensibles como Lloyd Cole, para que nos acompañen y expresen lo que nosotros no sabemos o no podemos explicar, como le pasa a este post fallido.

Paola Simeoni

Pueden disfrutar de la pluma de Paola en los siguientes sitios: De Filias y Fobias y ¡Esto es un bingo!

Track List:
01. Trigger Happy
02. Sentimental Fool
03. I Didn't Know That You Cared
04. Love Ruins Everything
05. Baby Listen
06. Be There
07. Unhappy Song
08. Like Lovers Do
09. Happy For You
10. Traffic
11. Let's Get Lost
12. For Crying Out Loud

Crowded House - Together Alone (1993)

2010-06-17T18:56:00.001-07:00

Nunca me interesó la obra de Friedrich Nietzsche. Un filósofo fatuo, cuyas caóticas ideas son continuamente manipuladas por personajes antagónicos, lo que demuestra sus enormes contradicciones. A pesar de eso, le agradezco el haber concebido una máxima que sintetiza mi vida: “Lo que no te mata te fortalece”.

Desde que tengo memoria me gusta la música, pero recién pude comprar mi primer reproductor de casettes -un walkman, para ser exactos- a los doce años. El primer grabador con radio FM lo conseguí dos años después -muchas gracias Miguel-. Durante mi infancia sufrí muchas dificultades para poder escuchar los discos que me interesaban, pero a la larga terminaron beneficiándome, ya que me permitieron adquirir un background infrecuente para un niño. La pequeña radio que había en casa me ayudo a valorar el tango, la música melódica y a The Beatles. Veinticinco años más tarde, aún recuerdo la ansiedad con la que esperaba el programa de media hora que una emisora local le dedicaba exclusivamente a los Fab Four todos los domingos a la mañana. Eso no es todo, esos años de carencias también me sirvieron para desarrollar una extraña capacidad: la de imaginarme la música a través de las reseñas que leía en las viejas revistas Pelo, Rock & Pop y Cantarock. En el caso de Crowded House, esta singularidad me provocó una desilusión.

Si bien "Don't Dream It's Over", el hit de "Crowded House" (1986) es un himno, el resto del disco -que conocí un par de años más tarde- está muy lejos de presentarnos a "los nuevos Beatles", como eran promocionados por la prensa. Pude escuchar el segundo disco de la banda, "Temple Of Low Men"(1988), al poco tiempo de su edición. Este álbum llegó en un momento en donde los peinados con gel, el rimel y los sintetizadores habían pasado de moda, por lo tanto el periodismo ya no necesitaba recurrir a comparaciones odiosas para describir a un grupo de pop melódico y guitarrero. "Into Temptation" es una de las canciones más hermosas de todos los tiempos, y "Better Be Home Soon" un hit inolvidable. No obstante, "Temple Of Low Men" no alcanzó la grandeza prometida. Cuando se editó "Woodface" (1991) yo ya estaba en otra cosa y me lo salteé. Mis primeros sueldos me sirvieron para comenzar a armar las discografías completas -en CD, por supuesto- de mis músicos favoritos, al tiempo que estaba atento a las novedades con las que nos sorprendía la década. Compré "Together Alone" (1993) ni bien salió, pero tampoco le presté mucha atención. Todo cambió cuando se editó "Recurring Dream" (1996). Teóricamente, este es el disco ideal para escuchar a Crowded House: un grandes éxitos -que los tenían y de sobra- que eludía las canciones de relleno. Si bien esto es cierto, la perfección de sus hits me convenció de que debía buscar "Woodface" -que incluye las dos mejores canciones de la banda "Fall At Your Feet" y "Four Seasons In One Day"- y sobretodo, de que debía retomar la escucha de "Together Alone".

"Together Alone" planteó varias novedades con respecto a los trabajos anteriores de la banda. La más notoria fue que obviaron a su productor histórico, Mitchell Froom, y le cedieron esa labor a Youth, bajista de Killing Joke y productor artístico de músicos tan diversos como Verve, James, The Orb y Dido. Además, hace un par de años fue el coequiper de Paul McCartney en su proyecto The Fireman. "Together Alone" presentó al multiinstrumentista Mark Hart (Supertramp) como miembro fijo de la banda y fue grabado en una casa alquilada ubicada en una remota playa de Nueva Zelanda, el país natal de Neil Finn. Esos detalles definieron un trabajo sorprendente, repleto de particularidades -solos de acordeón, glam rock y coros maoríes- y contrastes que enriquecen sus características melodías "beatles". La belleza inaudita de “Private Universe” convive con el glam de "Locked Out", mientras que la ortodoxia de "Distant Sun" y "Nails in My Feet" se codea con el exotismo de "Kare Kare" y “Together Alone”. La conjunción de estilos determina un álbum fascinante.

Crowded House se disolvió oficialmente tres años más tarde y, luego de varios discos de Neil Finn como solista o en colaboración con su hermano Tim –líder de Split Enz y pieza clave en “Woodface” su única colaboración con los Crowdies- regresó en el 2007 con el regular “Time On Earth”. La banda acaba de editar “The Intriguer”, un disco que todavía no escucho, pero que, presiento, confirma la fina estampa de un grupo que nunca logró convertirse en los nuevos Beatles, pero en el intento nos regaló algunas de las melodías más hermosas de las que tengamos memoria.

Track List:
01. Kare Kare
02. In My Command
03. Nails In My Feet
04. Black And White Boy
05. Fingers Of Love
06. Pineapple Head
07. Locked Out
08. Private Universe
09. Walking On The Spot
10. Distant Sun
11. Catherine Wheels
12. Skin Feeling
13. Together Alone

Suzanne Vega – Nine Objects Of Desire (1996)

2010-06-05T12:29:00.000-07:00

El transcurrir de la década del noventa fue bastante inusual en el ámbito de la música pop. El estado de las cosas cambió drásticamente –los cánones establecidos se esfumaron cuando Nirvana destronó del primer puesto de los rankings a Michael Jackson en 1991- pero, a diferencia de lo que había sido una constante hasta entonces, buena parte de los músicos que habían brillado durante el decenio anterior prolongaron su vigencia artística. Básicamente porque el nuevo escenario también benefició a los viejos actores, quienes sintieron la liberación de muchos de los corsés -implícitos o explícitos- que contenían su creatividad. Dicho de otra manera, la música se fue para el lado de los tomates y quienes tenían algo que decir contaron con estructuras más flexibles para hacerlo. Para ilustrar esta situación elegí a "Nine Objects Of Desire" (1996), el álbum más ambicioso de una cantante paradigmática de los ochenta: Suzanne Vega. Carolina Giudici, autora del exquisito blog Morir en Venecia, nos cuenta su historia en el texto que engalana este post.

Hay algo muy maternal en Suzanne Vega. Tal vez sea su voz, ese timbre discreto e inconfundible, lo que siempre me llevó a pensarla como una mujer que canta bajito para arrullarnos junto al fuego, para arroparnos y prepararnos para la locura del mundo, sin negarla jamás. Incluso en los ’80, cuando por su juventud era difícil verla como una madre, sin dudas ella era esa hermana mayor que todos queríamos tener, la hermana que por la noche toma su guitarra e improvisa una poesía para hacernos sentir mejor.

Lo suyo es el folk susurrado, intimista, riguroso, acuñado en los barrios menos glamorosos de Manhattan. Vega no es de las que se dedican a desmenuzar frustraciones amorosas. Sus letras más memorables son las que narran historias, que pueden ir desde una leyenda medieval como "The Queen and the Soldier" de su álbum debut (1985), hasta los grises relatos de lo cotidiano, como el ya clásico “Luka”, que convirtió a su segundo disco, "Solitude Standing" (1987), en el más exitoso de su carrera (y que también incluía el tema a capella "Tom’s Dinner"). En su tercer álbum, “Days Of Open Hand” (1990), un trabajo complejo aunque subestimado en su momento, la autora sumó coloraciones pop sin abandonar la trama acústica y minimalista que define su estilo. El desconcierto llegó dos años después, cuando editó el álbum titulado “99.9º” junto al productor Mitchell Froom (futuro marido de Vega). Aún hoy cuesta reconocer que un tema electrónico y distante como "Blood Makes Noise" le pertenezca. “99.9º” es un disco un tanto anárquico, salpicado por sonidos de sintetizadores y cuerdas destempladas que conviven con las composiciones serenas y melancólicas de la Vega tradicional. Es evidente que la californiana necesitaba experimentar, desperezarse, ampliar su paleta de acordes, ejercicios que siempre son saludables para el arte, como quedaría demostrado en su siguiente CD, “Nine Objects Of Desire”, editado en 1996.

Quizás lo más raro de “99.9º” siga siendo escuchar cómo en la mezcla de sonido la voz de Vega fue distorsionada para imprimirle ecos metálicos. Ese mismo recurso aparece en el primer track del nuevo disco, "Birthday", ante lo cual uno anticipa que la artista seguirá en la misma línea estilística. Pero “Nine Objects Of Desire” resultó ser mucho más sofisticado y compacto que el anterior, incluyendo la canción más sensual de todo la discografía de Vega. Hablamos de "Caramel", hermosa balada de guiños latinos y suave erotismo, que sería parte de dos soundtracks de películas: The truth about cats and dogs (1996) y Closer (2005). Nunca habíamos escuchado esta clase de melodías en Suzanne, como tampoco el pop perlado de “Headshots”, la ambición jazzística de “Tombstone” o el certero cello de “My Favorite Plum”. Por supuesto, también están los arreglos del sello Froom, que se hacen sentir en “Casual Match”, “Thin Man” y “Lolita”, recordando los climas disonantes de "99.9º". En lo personal, me quedo con la ternura de “World Before Columbus” y el misterio de “Honeymoon Suite”, porque allí Vega recupera la cercanía de los ’80, esas canciones sutiles en las que vuelve a ser esa hermana amiga que nos abriga con su guitarra, mientras reconoce que la vida es muy extraña, sí, pero que bien vale la pena.

Carolina Giudici

Track List:
01. Birth-Day (Love Made Real)
02. Headshots
03. Caramel
04. Stockings
05. Casual Match
06. Thin Man
07. No Cheap Thrill
08. World Before Columbus
09. Lolita
10. Honeymoon Suite
11. Tombstone
12. My Favorite Plum

Keren Ann - La Disparition (2002)

2010-05-25T09:04:00.000-07:00

En el año 2000 un octogenario Henri Salvador publicó "Chambre Avec Vue". Este disco significó el retornó a la actividad de una vieja gloria de la música francesa, y, paradójicamente, también fue la carta de presentación de dos jóvenes representantes de la nouvelle chanson: Benjamin Biolay y Keren Ann. Benjamin, lo sabemos, se convirtió en una de las grandes figuras de la música pop de este siglo. Obstenta una discografía excepcional que el año pasado se vio consagrada con la edición de "La Superbe", su obra más compleja. Keren Ann Zeidel es mucho menos conocida, a pesar de ser una cantante exquisita. Nació el 10 de marzo de 1974 en Israel y pasó gran parte de su infancia en Holanda. A los once años su familia se trasladó a Francia, país en el que conoció a Biolay. Las colaboraciones entre ambos fueron muy intensas a principios de la década pasada. En el 2000 Benjamin co-escribió y produjo "La Biographie de Luka Philipsen", el debut de Keren. Al poco tiempo el veterano Henri Salvador solicitó la colaboración de la pareja para el referenciado "Chambre Avec Vue", uno de los momentos claves de su carrera. Jardin d’Hiver, tema que Ann ya había interpretado en su disco, se convirtió en un éxito en Francia en la voz de Salvador. "Rose Kennedy" (2001), el maravilloso debut de Biolay también contó con la participación de Keren. Para terminar, en el 2002 se publicó "La Disparition", el (pen)último trabajo conjunto de esta dupla. *

"La Disparition" trata sobre amores atrapados en arenas movedizas, sobre amores que deben ser olvidados y sobre amores inolvidables. Versa sobre pérdidas, desapariciones y la nostalgia que nos provoca el otoño. Su dulzura, sin embargo, nos arropa suavemente. La sobriedad de los arreglos enmascara una obra musicalmente compleja, pletórica de particularidades. Biolay creó un marco de ensueño para acompañar a la delicada voz de Karen Ann: guitarras acústicas, pianos, arpas (“Surannée”) arreglos de cuerda y viento (“Ailleurs”) vocoders (“La Corde Et Les Chaussons”) y suaves grooves de trip hop acompañan baladas que remiten tanto a Suzanne Vega y Joni Mitchell como a la chanson tradicional. Alguna vez Karen contó que no creía que soñemos en ningún idioma. "Es un mito. Sueño en emociones. A veces sueño en idiomas que ni siquiera conozco, ya ves”. Mientras escuchamos "La Disparition" nuestros sueños son puros, suaves y de color sepia.

Por las venas de Karen Ann corre sangre rusa, judía, holandesa e indonesa. Su destino quizás esté marcado y sea el de no permanecer quieta en ningún lugar. En el año 2003 se mudó a New York. Alternando entre estudios de esa ciudad y Paris grabó “Not Going Anywhere” (2003) –cantado en ingles- “Nolita” (2005) y “Keren Ann” (2007). Por otra parte, Karen formó el dúo Lady & Bird junto al islandés Bardi Johannson (vocalista de Bang Gang). “Lady & Bird” (2003) y “La Ballade Of Lady & Bird” (2009) conforman la excesivamente melancólica discografía de este proyecto paralelo. Las últimas noticias que tengo dan cuenta de que Keren ha vuelto a Israel, donde preparará un nuevo disco en el que no habrá canciones en hebreo, pese a que habla esa lengua.

* Se acaba de editar el soundtrack de "Thelma, Louise et Chantal", la nueva película de Jane Birkin, en donde, Benjamín y Karen vuelven a grabar juntos. Esta vez interpretan un cover de “L’idole des Jeunes” de Johnny Holliday.

Track List:
01. Au Coin Du Monde
02. Le Sable Mouvant
03. Les Rivières De Janvier
04. La Corde Et Les Chaussons
05. Surannée
06. Ailleurs
07. L'Illusionniste
08. La Tentation
09. Mes Pas Dans La Neige
10. Le Chien D'Avant Garde
11. La Disparition

Coralie Clément - Salle Des Pas Perdus (2001)

2010-05-12T20:07:00.001-07:00

Escribir una reseña sobre "Salle Des Pas Perdus" es una tarea que no ofrece mayores dificultades. El debut de Coralie Clément es un conjunto de canciones tersas -chansons, algo de samba y bossa- interpretadas por una voz delicada, lo que nos remite tanto a Françoise Hardy como a Astrud Gilberto. No presenta mayores innovaciones formales y tampoco posee ningún elemento que le confiera un carácter singular. Por otra parte, Coralie es poseedora de una belleza típicamente francesa: fría, algo lánguida, pero indudablemente sensual. A partir de esos datos concretos podemos elaborar un post standard, por decirlo de algún modo. Escribir mucho para no decir nada... Un poco más complejo es determinar el porqué de la excelencia de este disco: para esto deberemos recorrer caminos que trascienden lo estrictamente musical.

Cuando escuchamos cantar a Coralie Clément sentimos que -como si viviésemos en un film de Resnais- podemos viajar al pasado para modificarlo, o por lo menos para intentar comprenderlo. Si Coralie logró transformarse en Jane Birkin, Jeanne Moreau y Brigitte Bardot con solo diecinueve años, milagros de ese tipo quizás sean posibles también para nosotros. Benjamin Biolay, un frecuente hacedor de prodigios, escribió y produjo "Salle Des Pas Perdus". El hermano de Coralie utilizó en este álbum todos sus conocimientos sobre la tradición musical francesa, a la que sublimó discretamente. "La Contradiction", "Samba de Mon Coeur Qui Bat" y "Ça Valait la Peine" son los mejores ejemplos que se me ocurren para corroborarlo. La asociación entre estos hermanos tendrá dos nuevos capítulos -“Bye Bye Beauté” (2005) y “Toystore” (2008)- que no resultaron tan inspirados como el que hoy nos ocupa.

"Salle Des Pas Perdus” es un disco exquisito que aporta nuevas melodías para celebrar una vieja ceremonia, mientras resistimos este otoño que se niega a ser.

Track List:
01. Salle des Pas Perdu
02. Ombre et la Lumiére
03. Ça Valait la Peine
04. La Contradiction
05. Mer Opale
06. À l'Occasion Tu Souris
07. Samba de Mon Coeur Qui Bat
08. Ces Matins d'Été
09. Dernier Train
10. Lou
11. Jazz et le Gin
12. Bientôt
13. Mes Fenêtres Donnent Sur la Cour

Françoise Hardy - La Question (1971)

2010-04-18T19:24:00.001-07:00

Es posible que dentro de un par de años nadie se acuerde de este ni de ningún otro blog con enlaces a páginas de descarga. Probablemente, tampoco de Blogger. Mientras esperamos que el tiempo nos alcance, continuamos con esta labor de conferirle un formato físico a objetos cuya existencia real es subjetiva (¿o será al revés?). Una tarea poco relevante, pero que muchas veces conlleva un pequeño acto de justicia.

Luego de esta pequeña introducción los invito a conocer la historia de Françoise Hardy. Para ello deberemos viajar hasta el colegio de monjas La Bruyère donde comienza su vínculo con la música. En ese exclusivo instituto Françoise pasaba horas cantando sola en su habitación, y gracias a que se graduó con honores en 1959, su padre le regaló su primera guitarra. Para aprender a tocarla tomó clases en el Petit Conservatoire de la Chanson y, a pesar de su carácter introvertido, comenzó a actuar en clubes parisinos mientras visitaba sellos discográficos en busca de una audición. En noviembre de 1961 firmó un contrato con Vogue y en abril de 1962 editó su primer ep: "Tous les Garçons et les Filles". La canción homónima fue un gran éxito y trascendió las fronteras de Francia para batir récords de venta en toda Europa. A los diecinueve años Françoise Hardy se convirtió en la gran figura de la música yé-yé, una etiqueta utilizada para difundir música ligera destinada a los jóvenes. Sin embargo, esta escultural lolita era distinta al resto de sus congéneres: si bien tenía una apariencia física que se circunscribía a los cánones de las chicas yé-yé, Françoise era poseedora de una sensibilidad muy singular y eso la hacía sobresalir en una escena donde reinaba la levedad. A pesar de su timidez, incursionó en otras actividades y pronto se convirtió en un icono estético que protagonizó portadas de revista, desfiles de moda y películas de cine; que brilló en el swinging London y recorrió medio mundo. Hacía fines de los sesenta la fama se había vuelto una carga agotadora para ella. En 1968 abandonó los escenarios y rompió su contrato con Vogue. "Comment Te Dire Adieu" (1968) y "En Anglais" (1969) fueron sus últimos trabajos para el sello. Después de editar cuatro álbumes que no aportaron novedades sustanciales, en 1971 editó "La Question", el disco que marcó un quiebre en su carrera.

Si Wanda Sá fue una garota de Ipanema que lucía -y cantaba- como una chica yé-yé, Françoise Hardy era una chica yé-yé que parecía una cantante de bossa nova. En "La Question" se acentúo esa característica. Para esto fue determinante el aporte de Tuca (Valeniza Zagni Da Silva), una guitarrista que Françoise había conocido en una reunión de amigos y que terminó componiendo casi todas las canciones del álbum. Tuca había editado dos discos de bossa en su Brasil natal antes de exiliarse en Francia, en donde publicó su último álbum, el extraño "Dracula, I love you" (1974) Retornó a su país a mediados de los setenta y abandonó este mundo en 1978. Las letras escritas por Françoise Hardy y F. Gérald se ensamblaron perfectamente a las melodías de Tuca, dando como resultado canciones de la talla de "Viens", "Question" y "Mer", poseedoras de la suavidad de las brisas de otoño por la noche, representación de la melancolía más dulce.

"La Question" es un disco de extraña belleza donde el silencio es tan importante como las palabras. Su desnudez nos revela la verdadera naturaleza de una intérprete que nunca quiso esconder su esencia, pero que no había podido exponerla en todo su esplendor hasta entonces. Treinta y nueve años después de su edición - Blogger mediante- nos ayuda a comprender que siempre es hoy.

Track List:
01. Viens
02. Question
03. Meme Sous la Pluie
04. Chanson d'O
05. Martien
06. Mer
07. Oui Je Dis Adieu
08. Doigts
09. Maison
10. Si Mi Caballero
11. Bati Mon Nid
12. Reve

Wanda Sá - Vagamente (1964)

2010-03-30T19:25:00.001-07:00

Ruy Castro, uno de los más lúcidos cronistas de la bossa nova, escribió la siguiente sentencia en su libro Chega De Saudade - A História e as Histórias da Bossa-Nova: "Charlton Heston descendió del monte Sinaí con los diez mandamientos debajo del brazo; fue más o menos la sensación de los que escucharon por primera vez "Chega De Saudade" por João Gilberto. Ningún tema brasilero volvería a despertar en tantos jóvenes la voluntad de cantar y aprender a tocar la guitarra". Uno de esos jóvenes fue Roberto Menescal, quien pronto se convirtió en protagonista de la nueva movida. Junto a Carlos Lyra, Luís Eça, los hermanos Castro Neves, Chico Feitosa y el periodista Ronaldo Bóscoli -uno de los letristas mas importantes de la bossa nova, además de haber sido quien bautizó al movimiento- formó parte de las míticas reuniones que se realizaban en la casa de la cantante Nara Leão, en la avenida Atlántica. Al mismo tiempo Menescal -junto a Carlos Lyra- creó una academia de guitarra en su departamento de Copacabana. Wanda Maria Ferreira de Sá fue alumna de esa escuela desde que tenía trece años. A los diecinueve, y luego de participar en varios shows de televisión, publicó su álbum debut.

"Vagamente" (1964) es un disco maravilloso. Wanda Sá, una garota de Ipanema que lucía como una chica yé-yé, aportó su voz sugerente y una presencia atractiva para concretarlo. Si bien su estilo estaba claramente influenciado por Astrud Gilberto, tenía el suficiente encanto como para no verse perjudicada en la comparación y afrontar con gracia un repertorio excepcional. Como no podía ser de otra manera, Roberto Menescal fue el productor artístico y se encargó de convocar a un sinnúmero de colaboradores destacados, entre ellos Sergio Mendes (piano), Paul Desmond (saxo alto) y un jovencisimo Eumir Deodato (organo y arreglos). Creed Taylor, productor de "Getz/Gilberto" y principal impulsor de la bossa nova en Estados Unidos también figura en los créditos. Las canciones del disco fueron compuestas por el propio Menescal, Vinicius de Moraes, Edu Lobo, Marcos Valle, y Antonio Carlos Jobim, y van desde las poco conocidas "Só Me Fez Bem" (Edu Lobo & Vinicius de Moraes) y "E Vem O Sol" (Marcos Valle) hasta futuros clásicos como "Vivo Sonhando" (Jobim) y una despojada versión de "Inútil Paisagem"(Jobim & De Oliveria) cuya historia es muy particular. El día estipulado para grabarla Menescal pasó a buscar a Sérgio Barroso (bajo), al técnico del estudio y a Wanda. Llegaron al estudio y ante la ausencia de la orquesta y del resto de los músicos decidieron grabar un demo con la idea de completarlo más adelante. Poco tiempo después de salir entendieron porque la orquesta había faltado a la cita y las calles lucían extrañamente vacías: ese día -31 de Marzo de 1964- se estaba desarrollando el golpe de estado que derrocó al presidente João Goulart y se mantuvo en el poder hasta 1985. La versión de "Inútil Paisagem" nunca se retocó y ni falta que hizo, ya que es exquisita.

La carrera de esta muchacha continuó con una destacada perfomance como vocalista en el exitoso "Brasil'65" de Sérgio Mendes; un segundo álbum como solista, el recomendable "Softly" (1965); una participación en el "From The Hot Afternoon" (1969) de Paul Desmond e infinidad de giras por Estados Unidos y Brasil. En 1969 se casó con Edú Lobo y se retiró de la vida pública. Retornó a la actividad artística en 1982, nuevamente de la mano de Roberto Menescal.

Track List
01. Adriana
02. E Vem O Sol
03. Encontro
04. Só Me Fez Bem
05. Mar Azul
06. Também Quem Mandou
07. Tristeza de Nós Dois
08. Vivo Sonhando
09. Sem Mais Adeus
10. Inútil Paisagem
11. Tristeza de Amar
12. Vagamente
Bonus
13. So Nice (Samba de Verão)
14. Quiet Nights of Quiet Stars (Corcovado)
15. To Say Goodbye (Pra Dizer Adeus)

Elis Regina - Elis Especial (1968)

2010-03-16T18:59:00.000-07:00

Tal vez Elis Regina haya sido la antítesis de Astrud Gilberto. Su vida artística no estuvo signada por el azar y tampoco contó con encantos especialmente destacables a la hora de sustentar su popularidad. Elis solo tuvo un talento inmenso -don y látigo al mismo tiempo- que la encumbró como la cantante más importante de Brasil. "Elis Especial" (1968) es uno sus discos más representativos y Lorenzo Orriols de la web Jazz No End tuvo la gentileza de reseñarlo especialmente para este blog.

Era una artista de raza, poseedora de una voz de personalidad y carácter únicos que cautivó a varias generaciones de incondicionales seguidores. Fue uno de esos personajes carismáticos que parecen emanar como un apéndice del pueblo al que pertenecen en propiedad y al que están inseparablemente unidos por una conexión emocional empática. Se llamaba Elis Regina y en 1968 a sus 23 años, no era ya ninguna desconocida en su país. Su programa televisivo semanal O Fino da Bossa, la había convertido en un personaje popular y le había dado la oportunidad de alternar con toda una generación de nuevos talentos musicales que proliferaban en esa convulsa época, rebeldes, críticos y socialmente comprometidos, que conectaron de inmediato con una inquieta juventud que hastiada de la omnipresente bossa nova, miraba con desapego y desden sus canciones de amor, sol y mar.

Ahora en 1968, despegaba de verdad la carrera de Elis. Elis Especial es el tercero de los grandes álbumes que registró para Philips. Los mejores de su carrera. Y es toda una declaración de principios, la viva imagen del mestizaje musical del que surge su arte y también una instantánea del nacimiento de la MPB. En ese crisol encontramos algo de la entonces decadente bossa nova representada por el tema "Carta ao Mar de Menescal y Boscoli", una de esas canciones antiguas que ella tanto amaba: "Da Cor do Pecado de Bororó", una buena porción de modernidad con temas de los entonces jovencísimos Chico Buarque, Edu Lobo y Gilberto Gil, del que interpreta el exitoso "Viramundo". También está ese tema eterno de Caymmi, "De Onde Vens", un poco de samba y por supuesto música de Tom Jobim, el Maestro Soberano, elemento seminal de buena parte de la música popular brasileña desde hace más de medio siglo. Pero si el repertorio de Elis Especial es importante, no podemos olvidar lo esencial: la voz. Su timbre es cálido y expresivo, pasional y arrebatador. No es ya el etéreo susurro de las cantantes de la bossa nova. Esa brisa soplando sobre la arena de las playas de Copacabana. Es algo mucho más terrenal y tangible. Es una fuerza indómita que igual te enfrenta con singular crudeza al sufrimiento y dolor de la vida real, que te hace tocar el cielo con los dedos.

Elis Especial es la receta perfecta que consagró el éxito de Elis Regina más allá de toda expectativa, más allá de su país y de su propia época. Aún hoy su nombre se escribe en letras capitulares junto al de otros grandes genios de la música brasileña como Jobim, Caymmi, Vinicius, Gilberto o Buarque en la galería de los mitos, de los artistas de leyenda.

Lorenzo Orriols

Track List:
01. Samba do Perdão
02. Tributo a Tom Jobim: Vou Te Contar - Fotografia - Outra Vez - Vou Te Contar
03. De Onde Vens
04. Bom Tempo
05. Da Cor do Pecado
06. Corrida de Jangada
07. Carta ao Mar
08. Vira-mundo
09. Upa Neguinho
10. Tributo à Mangueira: Mangueira - Fala Mangueira

Astrud Gilberto - Astrud Gilberto with Turrentine (1971)

2010-02-28T18:50:00.000-08:00

Tengo una curiosidad enorme por descifrar los mecanismos de la atracción. Entre otras cosas, me intriga saber porque siento una descarga de 220 volts cuando veo pasar a la morocha que vive a la vuelta de la esquina, a pesar de que me gustan las mujeres altas, rubias y caucásicas... Algo por el estilo me sucede con las cantantes: me atraen las dueñas de voces potentes, perfectamente afinadas como Ella Fitzgerald, y soy muy exigente al respecto. Sin embargo de vez en cuando aparece una vocalista como Astrud Gilberto, que, a pesar de tener una voz terrenal, posee tal magnetismo que me transporta al paraíso.

La discografía de Astrud Gilberto -hagamos un paréntesis sobre su participación en el clásico "Getz/Gilberto", cuya relevancia es enorme- en Verve Records es tan encantadora como insustancial, pero a partir de "Astrud Gilberto with Turrentine" (1971), sus álbumes adquieren un carácter singular. En su debut para CTI Records, el sello de Creed Taylor -productor de este disco- Astrud tuvo a su disposición una selección de músicos notables: Ron Carter (bajo), Airto Moreira (batería) y Toots Thielemans (armónica) son algunos de ellos. Obviamente, la participación de Stanley Turrentine (saxo) es protagónica; sin embargo, la figura clave del álbum es el genial Eumir Deodato (piano, arreglos). El resultado final es de una distinción difícil de igualar. Todo está dispusto -me olvidaba: el repertorio incluye canciones de Burt Bacharach/Hal David, Jorge Ben, Edu Lobo y Milton Nascimento- de forma impecable para que Astrud pretenda convencernos de que el paraíso queda a la vuelta de la esquina. Y lo mejor de todo es que lo consigue...

Track List:
01. Wanting Things
02. Mulher Rendeira (Brazilian Tapestry)
03. To a Flame
04. Solo El Fin (For All We Know)
05. Zazueira
06. Ponteio
07. Traveling Light
08. Vera Cruz
09. História de Amor (Love Story)
10. Where There's a Heartache (There Must Be a Heart)
Bonus
11. Just Be You
12. The Puppy Song
13. Polytechnical High

V. A. - Sounds From The Verve Hi-Fi (2001)

2010-02-18T18:41:00.001-08:00

En el año 2001 el sello Verve Records convocó a Thievery Corporation para que realice una recopilación con sus canciones preferidas. El ofrecimiento no fue casual, recordemos que Thievery Corporation venía de editar "The Mirror Conspiracy"" su obra maestra, la cuál contiene innumerables citas -explícitas e implícitas- a la música de Verve. Jazz latino, lounge, bossa y samba son los géneros que el dúo incluye en "Sounds From The Verve Hi-Fi", un disco de canciones semidesconocidas que poco tiene que ver con las colecciones de clásicos que Verve editaría a partir del 2002 como complemento de la serie "Verve Remixed".

"Sounds From The Verve Hi-Fi" es un cofre colmado de revelaciones para los curiosos y también una excelente banda de sonido para todas las actividades placenteras imaginables. En esta pluralidad reside su encanto.

Track List:
01. Menina Flor - Stan Getz And Luiz Bonfa
02. Chove Chuva - Sergio Mendes & Brazil '66
03. Ogd (Road Song) - Jimmy Smith & Wes Montgomery
04. Hard Latin - Kenyon Hopkins
05. The Fakir - Cal Tjader with Lalo Schifrin
06. Something Else Again - Richie Havens
07. Light My Fire - Astrud Gilberto
08. Bala Com Bala - Elis Regina
09. Batacuda - Walter Wanderley
10. Samba Triste - Jackie And Roy
11. Cuchy Frito Man - Cal Tjader
12. Lisa - Willie Bobo
13. For Mods Only - Chico Hamilton
14. Escapade - The Wynton Kelly Trio
15. Do It The Heart Way - The Jazz Renegades

Nina Simone - I Put A Spell On You (1965)

2010-02-07T16:11:00.001-08:00

Uno de los sucesos más importantes del año pasado fue el protagonizado por Susan Boyle, quien -Youtube mediante- le demostró al mundo que, a pesar de ser fea y desaliñada, podía cantar muy bien. Boyle prolongó su fama con la edición de "I Dreamed A Dream”, un álbum que va desde lo insustancial hasta lo insufrible y que lleva vendidas seis millones de copias. La apariencia de Boyle -humana, demasiado humana- se convirtió en el paradigma para un público al que solo lo atrae lo vulgar o lo extravagante y que aspira a alcanzar sus quince minutos de fama como sea, sin plantearse que, a diferencia de la oronda escocesa, ni siquiera puede cantar... Está claro que es muy poco lo que Susan Boyle y Nina Simone tienen en común. Si recurro a esta extraña asociación fue porque escuché "I Put A Spell On You" y me pregunté "¿cuantas personas comprarían un disco como este si fuera editado en el 2010?". Lo cierto es que Nina nunca fue una artista muy vendedora y, si bien llegó a publicar más de cuarenta álbumes, sus canciones rara vez ingresaron en un Top 40.

La biografía de Nina Simone -cuyo verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon- es bastante conocida. Comenzó cantando en la iglesia local y a los diecisiete años se mudo de su Tryon natal a Philadelphia para probar suerte como pianista y cantante de jazz. Dueña de un fraseo tan particular como versátil, poco a poco fue enriqueciendo su repertorio con folk, blues, gospel y soul. Todos los discos que editó durante la década del sesenta están repletos de clásicos y "I Put A Spell On You" no es la excepción. Además de la estupenda versión del tema homónimo, se destacan la increíble "Feeling Good" y una extraña "Ne Me Quitte Pas" -gracias Alejandro por la sugerencia- que me sirve de nexo entre Brel y lo que vendrá.

Más allá de sus virtudes artísticas, hay que destacar que Nina Simone fue una mujer con un compromiso social muy importante. Luchó incansablemente en contra del racismo y militó en el Movimiento por los Derechos Civiles. Ese activismo lo puso de manifiesto en el escenario, en sus actividades públicas, pero también en su vida privada. En estos tiempos en que los valores se han banalizado de tal manera que cualquier mamarracho puede vaciarlos de contenido para procurar su beneficio personal, es indispensable rescatar la entereza de una mujer como Nina Simone. Sobre su hondura emocional poco es lo que queda por agregar: su voz la manifiesta en cada canción.

Track List:
01. I Put A Spell On You
02. Tomorrow Is My Turn
03. Ne Me Quitte Pas
04. Marriage Is For Old Folks
05. July Tree
06. Gimme Some
07. Feeling Good
08. One September Day
09. Blues On Purpose
10. Beautiful Land
11. You’ve Got To Learn
12. Take Care Of Business

Jacques Brel - Olympia 64 (1964)

2010-01-17T07:32:00.001-08:00

Como les comenté en el post anterior, Jacques Brel fue una influencia clave para Scott Walker, quien, aunque parezca inverosímil, lo conoció gracias ¡a una conejita de Playboy! Brel también prefiguró el perfil del cantante que, casi como un deber, entrega su alma sobre el escenario. Como bien dice Sol Garcia, muchos podrán vestirse mejor que él, pero ninguno podrá igualar su pasión. He convocado a la encantadora Mish Laura para que escriba sobre "Olimpia 64", el mítico disco que rescata una de sus mejores perfomances.

“Nadie puede ser el mismo después de escuchar a Jacques Brel”, afirma Luis García Gil en la portada de su biografía Jacques Brel, una canción desesperada. Tanto ha conmovido este genial artista francófono que sus compatriotas han llegado a nombrarlo el belga más importante de todos los tiempos.

Nacido en el seno de una familia católica flamenca, se instala en París en 1953 para consagrarse a la música, algo que le permita escapar de la cartonería familiar. Para subsistir, le da clases de guitarra a un artista de varieté italiano, Francesco “Cocky” Frediani; gracias a él, logrará su primer paso por el Olympia, la centenaria sala de espectáculos. En ese entonces, debía tocar mientras el público ingresaba a la sala y se instalaba en sus lugares, más colaborar tras la barra del music hall más antiguo de París. Pocos años después, el Olympia lo recibirá nuevamente pero esta vez ingresará “por la puerta grande.” Tres veces se presentará allí. Sobre su primer concierto en 1961, el historiador del género Marc Robine afirmará en su biografía Gran Jacques, la novela de Jacques Brel: “va hasta el límite de sus fuerzas; cada frase te llega a la cara y te deja como groggy”. Lo haría por última vez en 1966; al año siguiente, abandonaría la música para dedicarse al cine. Su segunda presentación, aquella que tuvo lugar el 16 de octubre de 1964, cuyo grabación realizada por Europe 1 permitió que luego se convirtiera en Olympia 64. Este concierto se inicia con “Amsterdam”. Esta versión de la canción tradicional “Greensleeves” (pero con otras palabras) que refiere a los sueños de amor efímeros de los marineros no está incluida en ningún disco de estudio y esta grabación en vivo es el único registro que se tiene de ella. Si bien se convirtió inmediatamente en un éxito (en 1970, David Bowie la versionaría en inglés), nunca fue del agrado de su autor, que refiere a ella en “Vieillir” (“Envejecer”), canción perteneciente a Brel, su último disco: “escupir el último diente cantando ‘Amsterdam’”.

Pero también incluye “Les bourgeois” (ácida crítica a esa clase a la que no podía dejar de pertenecer), “Le plat pays” (que evoca el paisaje de su país natal y que también grabará Nana Mouskouri), “Les vieux”, “Madelaine”, más su “Tango funebre”. Sobre la gran ausente, “Ne me quitte pas”, su composición más popular, diría Edith Piaf: “hombre, no debería cantar cosas así.”
García Gil lo llamó “eterno Quijote de canciones tan desesperadas como eternas”. Artífice destacado de la chanson française de su época, innovador pintor de la vida, creativo espejo del mundo en toda su diversidad, a través de un lenguaje claro, sencillo mas no por ello menos emotivo, muchos han continuado tras sus huellas en busca de la canción perfecta.

Laura Valeria Cozzo

Track List:
01. Amsterdam
02. Les Timides (The Timid People)
03. Le Dernier Repas (The Last Supper)
04. Les Jardins De Casino (The Casino Gardens)
05. Les Vieux (The Old People)
06. Les Toros (The Bulls)
07. Le Tango Funebre (The Funeral Tango)
08. Le Plat Pays (The Flat Lands)
09. Les Bonbons (Candies)
10. Mathilde
11. Les Bigotes (The Bigoted Church Ladies)
12. Les Bourgeois (Middle Class People)
13. Jef
14. Au Suivant (Next)
15. Madeleine

Scott Walker - Scott 2 (1968)

2010-01-10T07:00:00.001-08:00

Angela Morley escribió los arreglos de cuerdas para los primeros discos solistas de Scott Walker. Cuatro décadas más tarde, Angela, una adorable anciana de ochenta y dos años, recordó frente a las cámaras de Stephen Kijak el asombro que sintió cuando vio por primera vez a Walker. Al abrir la puerta de la oficina de John Franz, el manager de Philips Records, se encontró con un joven sentado en el piso, rodeado de papeles desparramados, que rasgueaba su guitarra mientras tarareaba. De vez en cuando este se detenía y decía: "Aquí oigo a Sibelius", o "aquí oigo a Delius". Angela, por supuesto, no salía de su asombro... Esta anécdota –recordemos que en 1967 Scott era algo así como un popstar de solo veinticuatro años- ilustra la singularidad del protagonista de este post, y se encuentra en "Scott Walker: 30 Century Man", un documental que no deben dejar de ver.

En su momento les hablé de “Scott”, ahora es el turno de “Scott 2”(1968), su lógica continuación. Los covers de Jacques Brel (“Jackie”, “Next”, "The Girls and the Dogs") son una vez más la piedra fundamental del disco. Como el mismo Walker admite, la importancia de Brel en su carrera fue determinante. A cambio, hay que reconocer que Scott resignificó las composiciones del cantante belga con sus interpretaciones perfectas. Gavin Friday coincidió con este punto durante la filmación de "30 Century Man". Aunque, me temo, fue mucho más terminante que yo. Friday dijo lo siguiente: "Mucha gente cita a Brel entre sus influencias pero creo que subliminalmente se refieren a Scott. Brel era flamenco, digamos que babeaba al cantar, sudaba mientras que Scott tomó sus canciones y las cantó como un dios griego". "Scott 2" también incluye canciones de Henry Mancini ("Wait Until Dark") , David-Bacharach (“Windows of the World"), London-Black ("Best of Both Worlds") y composiciones propias (por ejemplo, la hermosa "Plastic Palace People") Todo el repertorio se ve unificado por una voz increíble y por una producción exquisita.

Con sus primeros cuatro discos, Scott Walker rubricó un manual de estilo que fue cumplido minuciosamente por crooners como Marc Almond, Jarvis Cocker y Neil Hannon. Su apostura y su aliento trágico fueron hitos que lo transformaron en un moderno Dorian Gray. En cambio sus últimos trabajos -"Climate of the Hunter" (1984), "Tilt" (1995) y "The Drift" (2006)- son retratos pérfidos que finalmente exhiben cada uno de sus pecados.

Track List:
01. Jackie
02. Best Of Both Worlds
03. Black Sheep Boy
04. The Amorous Humphrey Plugg
05. Next
06. The Girls From The Streets
07. Plastic Palace People
08. Wait Until Dark
09. The Girls And The Dogs
10. Windows Of The World
11. The Bridge
12. Come Next Spring

The Divine Comedy - A Short Album About Love (1997)

2009-12-27T06:58:00.001-08:00

Entiendo que un álbum compuesto solo por siete canciones puede despertar pocas expectativas, pero la fastuosidad de "A Short Album About Love" excede su breve formato. Esta muestra de romanticismo exacerbado, de grandeza al mejor estilo Broadway, es mucho más que el capricho de un personaje extravagante: es una toma de posición frente a la vulgaridad cotidiana.

Debe haber sido complejo para The Divine Comedy continuar después de "Casanova". Quizás por eso decidieron hacerlo de la forma más espectacular posible y emprendieron una fuga hacia adelante rodeados por una orquesta de treinta integrantes. Lo que en manos de cualquier otro músico sería insoportable, adquiere ribetes gloriosos bajo la batuta de Neil Hannon, y nos maravilla, a pesar de que vislumbramos su impostura. Aquí el amor es el Alfa y el Omega, el principio y el fin; y el amor requiere majestuosidad, sin importar que esta sea fingida.

"A Short Album About Love" fue grabado en tan sólo dos días junto a la Brunel Ensemble y fue publicado el 10 de febrero de 1997, brindándole a sus fans la posibilidad de hacer un estupendo regalo para al Día de San Valentín. La edición que hoy les ofrezco incluye cuatro bonus tracks, entre los cuales se destaca la versión en vivo de “Make It Easy On Yourself” (Bacharach-David).

Track List:
01. In Pursuit Of Happiness
02. Everybody Knows (Except You)
03. Someone
04. If...
05. If I Were You (I'd Be Through With Me)
06. Timewatching
07. I'm All You Need
08. Motorway to Damascus*
09. Love Is Lighter Than Air*
10. Birds of Paradise Farm*
11. Make It Easy On Yourself*
* bonus tracks

Abraham Boba - La Educación (2009)

2009-12-16T18:25:00.001-08:00

Hace un par de domingos les hice la pregunta correcta a las personas indicadas y gracias a eso conocí a David Cobas Pereiro, alias Abraham Boba. Cobas Pereiro es un cantante vigués cuyo curriculum incluye participaciones en Tedium, con quienes editó "Full-length portrait" (1997) y Belmonte, un dúo de música instrumental cuya discografía consta de dos actos: “Primer Acto (2001) y “Viajeométrico” (2003). Debutó como solista con “Abraham Baba” (2007), álbum en el que presentó su faceta de crooner. En esta nueva encarnación, Cobas Pereiro se muestra como un hacedor de canciones tan equidistante del rock clásico como de la experimentación vacua, demostrando que posee muchas numerosas condiciones para sobresalir: una voz grave cuya dicción elude los manierismos que tanto afectan a sus compatriotas, textos en los que invariablemente se hace presente la ironía y melodías que registran en sus formas ecos de cabaret, de la chanson francesa y de gente como Leonard Cohen o Nick Cave. "La Educación", editado en Abril de este año, es la culminación de los bosquejos que Cobas Pereiro había presentado en su debut. No solo ha madurado como compositor, también lo ha hecho como arreglista. Su incorporación a la backing band de Nacho Vega -en donde se desempeña como pianista- probablemente haya contribuido a este crecimiento. Como sea, su evolución es encomiable. El álbum posee una coherencia notable, a pesar de que sus canciones poseen una gran cantidad de matices: "La Educacíon", tan épica como certera; "Frío" y su doloroso intimismo y "Hay Estatuas Aquí", un country que se aparta de la melancolía, son mis preferidas.

Músico de culto en España y completo desconocido en Argentina, Abraham Boba reivindica un arquetipo -el de estilista de la canción- olvidado en ambos países. Solo por ese motivo merece vuestra atención.

Track List:
01. Capital
02. La Educación
03. Hagamos Algo Antes De Morir
04. Frío
05. Hay Estatuas Aquí
06. Juan y La Defensa
07. Caballo y Rey
08. Rita y La Guerra
09. La Vigilia
10. Siete Veces
11. Boletín De La Montaña

Benjamin Biolay - La Superbe (2009)

2009-11-29T19:03:00.001-08:00

En lo que va del año se han publicado grandes álbumes, "La Superbe" quizás sea el más sorprendente de todos ellos. Mi amigo Carlos Gesualdo escribió una reseña para celebrarlo, y de esa manera confirmó que la línea de tiempo es flexible y está sujeta al cambio.

Uno de los personajes de Oscar Wilde decía que no cambiaría nada de Inglaterra excepto el clima, eso sería porque nunca estuvo en Sevilla en pleno mes de agosto. Yo dirá que no cambiaría nada de "La Superbe" excepto la portada. Benjamin Biolay, cantante, compositor, productor y actor (bien podría rodar la vida de Benicio del Toro), es considerado por la prensa francófona como el sucesor de Serge Gainsbourg y de la Chanson francesa. En lo particular, Gainsbourg no me ha llamado nunca la atención como lo ha hecho Biolay. Este "nouvelle enfant terrible" editó su primer álbum solista en 2001. Recibido con elogios y honores, ya había demostrado sus habilidades en "Jardin D´Hiver", canción que compuso junto a Karen Ann para el álbum de Henri Salvador en el 2000. Sin grandes dotes vocales, ha resuelto con inteligencia esta limitación agregando una manera personal de cantar. En un contexto menos interesante, se gloriaba de tener por suegro a Marcello Mastroianni y por suegra a la "toujours belle", Catherine Denueve.

Escuchar "La Superbe" en como descorchar un "Grand Vin de Château-Latour" y descubrir toda esa magnífica variedad de aromas conocidos y disfrutados en otros tiempos. En el transcurrir de la canciones, nos vamos encontrando con esos tintes de grandes músicos de intelectos privilegiados que hemos admirado a lo largo de nuestra vida, ahora procesados y decantados en las vasijas de la elegante y suntuosa bodega de monsieur Biolay. Una creación digna de las mejores cavas musicales y sin duda, uno de los mejores "varietales" cosecha 2009. Superbe!

Escrito por Carlo Gesualdo.

Track List:

Disc 1
01. La Superbe
02. 15 Aout
03. Padam
04. Miss Catastrophe
05. Ton Heritage
06. Si Tu Suis Mon Regard
07. Night Shop
08. Tu Es Mon Amour
09. Sans Viser Personne
10. La Toxicomanie
11. Brandt Rhapsodie

Disc 2
01. L'Espoir Fait Vivre
02. Prenons Le Large
03. Tout Ca Me Tourmente
04. Assez Parle De Moi
05. Buenos Aires
06. Rate
07. Lyon Presqu'Ile
08. Melancolique
09. Reviens Mon Amour
10. Jaloux De Tout
11. 15 Septembre

Frank Sinatra - Watertown (1970)

2009-11-22T10:45:00.000-08:00

Algunos discos son tan excepcionales que debemos conocer hasta el último de sus detalles, investigar todo lo relacionado con su creación, su proceso de grabación y su edición para poder disfrutarlos plenamente. La singularidad de “Watertown” nos demanda ese tipo de análisis, pero a cambio, nuestro afán se ve recompensado con creces.

“Watertown” (1970) es el último de una serie de grandes álbumes que Frank Sinatra editó a partir de “Strangers In The Night” (1966). Repasemos: “Francis A. & Edward K” -junto a Duke Ellington- (1968), “Cycles” (1968), “My Way” (1968) y “A Man Alone” (1969). Para su realización Sinatra convocó a Bob Gaudio y Jake Holmes, dos músicos que han sido olvidados con el paso del tiempo. Tal vez algún memorioso recuerde que Gaudio fue el compositor de "Can't Take My Eyes Off You" (Frankie Valli) y "The Sun Ain't Gonna Shine Anymore" (The Walker Brothers) o que Holmes escribió "Dazed and Confused" (Led Zeppelin). Otros relacionaran estos nombres con The Four Seasons, una banda que vendió millones de discos durante la década del sesenta y que tuvo una discreta relevancia en el plano artístico, por lo menos hasta la edición de “Genuine Imitation Life Gazette” (1968), un sorprendente disco conceptual creado a partir de estructuras oblicuas y arreglos inesperados. Como imaginarán, fue un fracasó rotundo... sin embargo Sinatra lo escuchó y pensó que sería una buena idea ofrecerle a Gaudio que se haga cargo -junto a Holmes- de la composición y producción de su próximo álbum. Una curiosa anécdota relativa a este encuentro es rescatada por el blog Blogin' in the wind. Al igual que “Genuine Imitation Life Gazette”, "Watertown" es un álbum conceptual. Frank había visitado ese terreno en numerosas oportunidades -como para empezar a hablar con “In The Wee Small Hours” (1955) el primer disco de música pop concebido como una unidad sonora y no como una mera colección de singles- aunque esta vez fue más lejos que nunca. Una de las particularidades de "Watertown" es su sonido, tan equidistante de la obra anterior de Sinatra como de lo que se escuchaba en esos años en donde las orquestas solo se utilizaban en una psicodelia que poco a poco se convertía en sinfonismo. Carlos Callello -otro colaborador de los Four Seasons- y Joe Scott estuvieron a cargo de unos arreglos que, gracias a su gran bagaje de texturas, consiguen hacernos olvidar de la perfección formal con la que Nelson Riddle arropaba a Frank en sus trabajos anteriores. Otra de las características inusuales de este álbum, la más importante quizás, es la historia que narra: un hombre ha sido abandonado por su esposa y queda solo a cargo de sus dos pequeños hijos. Canción tras canción, el protagonista relata la crónica de su desamparo. En el lado A nos habla sobre Watertown, un pequeño pueblo en donde nada sucede excepto la lluvia (“Old Watertown/Everyone knows the perfect crime/killing time/and no one's going anywhere/livin's much too easy there). Cuenta como su mujer se fue y después de su adiós no hubo explosiones en el cielo ni se escucharon arreglos de cuerda. Detalla sus intentos por salir adelante a pesar de todo, las cartas que escribe para contarle como crecen sus hijos y termina confirmándonos que, a pesar de todo, volvería a enamorarse de ella (“If I live the past over/saw today from yesterday/I would be in love anyway/If I knew that you'd leave me/if I knew you wouldn't stay/I would be in love anyway”). En el lado B nos describe a Elizabeth, su esposa (“Dressed in dreams for me/you were what I wished to see”). Asegura que sabe lo que pasó y que va a olvidarlo para que todo vuelva a comenzar. Recibe –o imagina recibir- una carta en la que ella le anuncia su regreso, y concluye con “The Train”, en donde relata que va a la estación para recibirla, pero Elizabeth nunca baja del tren ("The passengers for Allentown are gone/the train is slowly moving on/But I can't see you any place/And I know for sure I'd recognize your face/And I know for sure I'd recognize your face"). El protagonista de "Watertown" se confunde con un Sinatra que se muestra vencido como nunca antes. Abandonado, perdido, desesperado. La maravillosa Sol García cree que esta historia es la representación del punto de débil de Frank: el trauma por el abandono de Ava Gardner. En cambio el blogger Francis @ tiene la inquietante teoría de que Elizabeth no abandonó a su marido, sino que en realidad falleció. “Lady Day”, una hermosa canción que pertenece a las sesiones de este disco pero recién vio la luz en "Sinatra & Company” -y fue añadida a "Watertown" a partir de su edición en CD- nos deja una frase que despierta sospechas: “...and died before the afternoon”. Si “Lady Day” fue un homenaje a Billie Holliday, o si fue el verdadero cierre para “Watertown” es algo que no tengo claro, aunque John Holmes, el letrista del álbum, jamás alentó la hipótesis de que Elizabeth haya muerto.

El disco fue un fracaso de ventas y Frank desistió de presentarlo en un especial de televisión, como había planeado originalmente. Un año más tarde, luego de la edición de “Sinatra & Company” -mitad refrito de su mágica unión con Jobim, mitad colección de descartes- un apesadumbrado Sinatra decidió retirarse del mundo de la música. Esta decisión fue provisoria, ya que retornó a los escenarios en 1973 con el exitoso “Ol’ Blue Eyes Is Back”. “Watertown” fue el cierre del periodo más personal de su carrera, en donde las heridas quedaron expuestas a la vista de todos, algo que nunca volvería a ocurrir.

Track List:
01. Watertown
02. Goodbye (She Quietly Says)
03. For A While
04. Michael & Peter
05. I Would Be In Love (Anyway)
06. Elizabeth
07. What A Funny Girl (You Used to Be)
08. What's Now Is Now
09. She Says
10. The Train
11. Lady Day (CD bonus track)

Chris Isaak - Heart Shaped World (1989)

2009-11-08T07:28:00.001-08:00

Hace diez años la revista Inrockuptibles publicó un jugoso reportaje a Ian McCulloch. Entre otras cosas, este dijo que a partir del fallecimiento de Frank Sinatra podía pensar seriamente en entrar en la competencia por el título del mejor cantante del mundo. Agregó luego: "Sinatra y Elvis fueron los maestros absolutos. Más allá de ellos, no le temo a nadie. Los tipos como yo han vivido durante la mayor parte de sus vidas con el peso de esos padres sobre sus hombros, lo que no es demasiado agradable cuando uno tiene el mismo oficio. Así que, en lugar de sentirme huérfano, me sentí aliviado, finalmente libre. Las cosas serias pueden empezar." Me imagino que Chris Isaak sintió un alivio similar cuando falleció Roy Orbison a finales de 1988. Casualidad o no, al año siguiente editó "Heart Shaped World", su primer gran disco.

Chris Isaak nació en California el 26 de junio de 1956. Formó su primer grupo en 1980 y lo llamó Silvertone. Debutó discográficamente recién en 1985, con un álbum titulado "Silvertone" aunque a esta altura ya era solista. De la formación inicial de la banda solo permanecían James Calvin Wilsey (guitarra) y el productor Erik Jacobsen, quien colaboraría con Isaak hasta "Baja Sessions" (1996). "Silvertone" vendió solo doce mil placas pero David Lynch lo escuchó e incluyó dos de sus canciones en el soundtrack de "Blue Velvet". Aunque este parezca un dato menor, será un antecedente para un hecho que sería determinante en la carrera de Isaak. "Chris Isaak" (1986) pasó desapercibido como su antecesor a pesar de ser un trabajo mucho más logrado que aquel. Canciones como la orbinsoniana "Blue Hotel" y "Fade Away" fueron las semillas de un sonido que florecería en su próximo álbum. Con "Heart Shaped World" (1989) comenzaron las cosas serias. Isaak abandonó el papel de mero reciclador para, por fin, ponerse a la altura de sus padres: Elvis y Roy Orbison. ¿Suena exagerado? No lo es en absoluto. Potenció sus virtudes innatas -una voz profunda, realmente dotada y un carisma envidiable- con un songwriting perfecto, en donde conjugó baladas nocturnas, algo de rockabilly y mucho rock, redondeando un resultado notable. Chris Isaak es un "beautiful loser", un cronista de la melancolía que canta sobre amores perversos, romances fallidos y abandonos, y lo hace con conocimiento de causa. Sus lagrimas en "Blue Spanish Sky" son las mismas que pudo haber derramado Roy Orbison cuando cantó "Only The Lonely" y son las que hemos derramado nosotros al rememorar esa sensación perdida de que el tiempo nunca iba a poder alcanzarnos. Como señalé, la calidad del repertorio es magnífica. Mientras que "I'm Not Waiting" y "Forever Young" nos movilizan a partir de su frescura; "Kings Of The Highway", "Wicked Game", "Blue Spanish Sky" y "Nothing's Changed" nos cautivan por la profundidad de su evocación. En el otro extremo podemos ubicar a la extraña "In The Heat Of The Jungle", la única pieza que desentona en un disco que roza la perfección. Es imposible escribir sobre "Heart Shapped World" sin hacer algún comentario puntual sobre "Wicked Game". La canción fue lanzada como primer corte del álbum, y al igual que este, no obtuvo ningún tipo de suceso. Esto cambió cuando David Lynch la incluyó -junto a "Blue Spanish Sky"- en el soundtrack de "Wild At Heart" (1990). A partir de ese momento se convirtió en un hit mundial.

Después de un rutinario "San Francisco Days" (1993), Chris Isaak editó otro disco maravilloso: "Forever Blue" (1995) el que repasaré próximamente.

Track List:
01. Heart Shaped World
02. I'm Not Waiting
03. Don't Make Me Dream About You
04. Kings Of The Highway
05. Wicked Game
06. Blue Spanish Sky
07. Wrong To Love You
08. Forever Young
09. Nothing's Changed
10. In The Heat Of The Jungle
11. Diddley Daddy

Elvis Presley - Love Me Tender (1956)

2009-11-03T19:36:00.000-08:00

V. A. - Best Of Rock 'n' Roll Love Songs (1994)

2009-10-25T19:04:00.001-07:00

Mis compromisos laborales y algunos infortunios familiares me han mantenido lo suficientemente ocupado como para postergar los de por si esporádicos posteos de este blog, pero estimo que la espera -en el caso de que la haya habido- esta vez se verá plenamente recompensada. Hoy les traigo uno de mis discos preferidos: "Best Of Rock 'n' Roll Love Songs", una colección de hits que, además de rock & roll, también incluye doo wop, pop y soul. Su recorrido comienza a finales de los cincuenta y llega hasta mediados de los sesenta, una época que hemos idealizado por culpa de sus films y, sobretodo, por canciones tan hermosas como las que incluye esta recopilación.

"Best Of Rock 'n' Roll Love Songs" es un álbum imprescindible, a pesar de que su edición no contó con el aval de ningún lanzamiento mediático y que no está regido por un concepto muy rígido. Sin embargo, la belleza de su contenido le confiere una importancia similar -por lo menos en mi discoteca- a la de "Hitsville USA", "Back to Mono", "The Look of Love" y "The Brill Building Sound". Al igual que esos discos, "Best Of Rock 'n' Roll Love Songs" existe para confirmarnos que la buena música no tiene tiempo ni edad.

Track List:

Disc 1
01. Oh, Pretty Woman - Roy Orbison
02. True Love Ways - Buddy Holly
03. Breaking Up Is Hard To Do - Neil Sedaka
04. Lipstick On Yur Collar - Connie Francis
05. All I Have To Do Is Dream - Everly Brothers
06. Young Ones - Cliff Richard
07. 3 Steps To Heaven - Eddie Cochran
08. Will You Still Love Me Tomorrow - The Shirelles
09. Why Do Fools Fall In Love - Frankie Lymon
10. Crazy - Patsy Cline
11. Blue Velvet - Bobby Vinton
12. Diana - Paul Anka
13. Blue Moon - The Marcels
14. Blueberry Hill - Fats Domino
15. Then I Kissed Her - The Beach Boys
16. Tears On My Pillow - Little Anthony
17. Take Good Care Of My Baby - Bobby Vee
18. Love Letters - Ketty Lester
19. Sea of Love - Phill Phillips and the Twilights
20. Unchained Melody - Righteous Brothers

Disc 2
01. The Wanderer - Dion
02. Sealed With A Kiss - Brian Hyland
03. It's In His Kiss - Betty Everett
04. Smoke Gets In Your Eyes - The Platters
05. Poetry In Motion - Johnny Tillotson
06. Runaway - Del Shannon
07. Only The Lonely - Roy Orbison
08. Be Bop A Lula - Gene Vincent
09. Sweet Talking Guy - The Chiffons
10. Under The Moon Of Love - Curtis Lee
11. Something Gotta Hold Of My Heart - Gene Pitney
12. Venus - Frankie Avalon
13. Raining In My Heart - Buddy Holly
14. When Will I Be Loved - Everly Brothers
15. Stay - Maurice Williams & The Zodiacs
16. It's My Party - Lesley Gore
17. Rhythm Of The Train - The Cascades
18. It's Only Make Believe - Conway Twitty
19. I Only Have Eyes For You - Flamingoes
20. Halfway To Paradise - Billy Fury

Richard Hawley – Truelove's Gutter (2009)

2009-10-18T19:16:00.001-07:00

Si algo le faltaba a Richard Hawley para confirmar que es uno de los músicos más importantes de la actualidad era editar un álbum como "Truelove's Gutter". Cuando muchos de sus colegas se replantean la conveniencia de seguir publicando discos y apuestan por vender canciones sueltas en iTunes, Hawley nos ofrece una obra compleja, llena de detalles, que requiere de muchas escuchas para poder apreciarla cabalmente. Todo un reto para nuestra raquítica capacidad de atención.

A pesar de que este es el disco más personal de Richard Hawley, al escucharlo aparecen claras referencias a Angelo Badalamenti y al omnipresente Roy Orbison, lo que nos remite a las canciones que David Lynch suele utilizar en los soundtracks de sus films. A diferencia del desasosiego que propone el cineasta, "Truelove's Gutter" nos transmite serenidad y la esperanza de que un futuro venturoso es posible. Porque, más allá de la melancolía, de la oscuridad presente desde la portada misma, una luz guía cada una de sus melodías.

Quizás "Truelove's Gutter" no alcance la perfección formal de "Coles Croner", aún así debe ser visto como un paso adelante en la evolución de Richard Hawley.

Track List:
01. As the Dawn Breaks
02. Open Up the Door
03. Ashes on the Fire
04. Remorse Code
05. Don’t Get Hung Up in Your Soul
06. Soldier On
07. For Your Lover Give Some Time
08. Don’t You Cry

Prefab Sprout - Let's Change The World With Music (2009)

2009-09-26T06:14:00.001-07:00

A partir de la aparición de este Aleph llamado Internet tenemos un acceso ilimitado a decenas de discos que en tiempos pretéritos pasaron inadvertidos, y que suelen brindarnos muchas más novedades que cualquiera de los últimos lanzamientos que gozan del hype de NME o de Pitchfork. Como es comprensible, esto no se ve reflejado en ningún sitio. Ese es uno de los motivos que tengo para desestimar las listas de "los mejores discos del año", que un tiempo atrás me apasionaban. El caso de "Let's Change the World with Music" es muy particular, ya que acaba de ser publicado y seguramente va a contar con un lugar dentro de esas listas. Aunque parezca contradictorio, va a ser chocante que esto suceda ya que fue grabado hace diecisiete años. Que recién haya sido publicado durante el 2009 pone al descubierto una de las tantas iniquidades que comete la industria discográfica: el menosprecio permanente para con la mayoría de los músicos que la integran. Porque "Let's Change the World with Music", a pesar de su evidente grandeza, fue completamente ignorado por los directivos de Sony. La historia de este desprecio se conocía desde hace tiempo, ya que Paddy McAllon -a pesar de su habitual discreción- había mencionado el tema en algunas entrevistas, lo que recién descubrimos ahora es lo injusto que fue este maltrato.

Las canciones que componen "Let's Change the World with Music" fueron grabadas durante 1992 con la idea de que formen parte del sucesor de "Jordan, The Comeback" (1990). El demo presentado -el mismo material que escuchamos ahora, y que solo recibió un pequeño pulimento sonoro- no convenció a los directivos de Sony quienes decidieron archivarlo. Por lo tanto, la discografía de Prefab Sprout recién tuvo continuidad con “Andromeda Heights” (1997). Ocho años después de la edición de "The Gunman and Other Stories", el último trabajo de Prefab Sprout, y viendo los graves problemas de salud que sufre Paddy -tiene serios problemas en la vista y aparentemente está sordo de uno de sus oídos- Columbia-Sony finalmente se decidió a publicar el disco. "Let's Change the World with Music" fue escrito, interpretado y producido por Paddy McAloon en su propio estudio y fue mezclado por Calum Malcolm. Como es lógico, tiene muchos puntos de contacto con "Jordan" y con "Andromeda Heights". De hecho, hubiese sido un puente perfecto entre ambos discos. A pesar de eso, tiene una vigencia absoluta. Su actualidad está determinada por su belleza, una belleza deslumbrante que lo coloca a la altura de los grandes clásicos de la banda. Es injusto destacar alguna canción por sobre otra, ya que se trata de un conjunto óptimo, pero tengo la tentación de recomendar especialmente a "God Watch Over You", "Music is a Princess", "Falling in Love" y "Angel of Love", algunas de las gemas más exuberantes de ese genial hacedor de melodías que es Paddy McAloon, uno de los más grandes de la historia de la música pop.

Las paradojas del destino quieren que uno de los álbumes más hermosos de los últimos años haya sido concebido en 1992. Deberemos tomar este dato como una prueba más de la ceguera de una industria decadente que -afortunadamente- está viviendo sus últimos días.

Nota: En estos días Xavier Valiño le hizo una maravillosa entrevista a Paddy McAloon. Pueden leerla acá.

Track List:
01. Let There Be Music
02. Ride
03. I Love Music
04. God Watch Over You
05. Music Is A Princess
06. Earth, The Story So Far
07. The Last of the Great Romantics
08. Falling In Love
09. Sweet Gospel Music
10. Meet The New Mozart
11. Angel Of Love

Sondre Lerche - Heartbeat Radio (2009)

2009-09-17T19:41:00.001-07:00

Tenía pensado continuar con los posts dedicados al soul psicodélico, pero cambié de opinión. Como hace unos días les recomendé a unos amigos el último disco de Sondre Lerche y solo recibí indiferencia a cambio, decidí insistir con mi invitación, esta vez desde esta bitácora.

Sondre Lerche nació en Noruega el 5 de Septiembre de 1982. Debutó con "Faces Down" (2001), un álbum que lo ubicó en las mismas coordenadas que Rufus Wainwright, Ron Sexsmith y Ed Harcourt. "Two Way Monologue" (2004), su segunda placa, lo confirmó como un cantautor de excepción. Ambos discos son delicadas piezas de pop orquestado en donde las melodías son las protagonistas excluyentes. "Duper Sessions" (2006) quizás sea un disco prescindible, aún así sorprende por su versatilidad. En ese álbum Sondre representa el papel de crooner para interpretar un repertorio que incluye covers de "Nightingales" (Prefab Sprout), "Night And Day" (Cole Porter) y "Human Hands" (Elvis Costello). El resto de las composiciones son propias, aunque parecen standards gracias a los arreglos de su backing band, The Faces Down Quartet, que hace las veces de un cuarteto de jazz. El resultado final es agradable, solamente eso. "Phantom Punch" (2007) es la contracara de "Duper Sessions". Es un disco de canciones urgentes, una vuelta de tuerca a la new wave más prístina y al pop de guitarras de principios de los ochenta. Mantiene los giros melódicos clásicos de su autor pero le aporta una garra inédita a su música. No puedo decir nada de la banda sonora de "Dan In Real Life" (2007), ya que nunca la he escuchado. Finalmente llegamos a "Heartbeat Radio" (2009). Lerche, a pesar de que acaba de cumplir veintisiete años, alcanza en este disco una madurez sorprendente. El pop exquisito que visitó en "Faces Down" y "Two Way Monologue" es el paradigma, y su talento para encontrar canciones perfectas deslumbra como nunca antes. "Good Luck" -que tiene un glorioso arreglo de cuerdas a cargo de Sean O'Hagan-, "Heartbeat Radio", "I Cannot Let You Go" y "Easy To Persuade" son los mejores ejemplos.

Sondre Lerche es -junto a Kings of Convenience, Jens Lekman, Dylan Mondegreen y Joel Alme- uno de los grandes músicos que el pop nórdico nos ha presentado en la última década. Quizás sea el mejor. Además, para confirmar que hace todo bien, Xavier me cuenta que es un chico encantador...

Track List:
01 Good Luck
02 Heartbeat Radio
03 I Cannot Let You Go
04 Like Lazenby
05 If Only
06 Pioneer
07 Easy To Persuade
08 Words And Music
09 I Guess it's Gonna Rain Today
10 Almighty Moon
11 Don't Look Now
12 Goodnight

Sa-Ra Creative Partners – Nuclear Evolution: The Age of Love (2009)

2009-09-03T18:56:00.000-07:00

Ivan Conte escribió un estupendo artículo sobre "Nuclear Evolution: The Age of Love", probablemente el mejor disco de música negra que se ha editado durante este año. Gracias a su amabilidad, hoy lo utilizo para engalanar este post.

"New Amerikah Part One (4th World War)" de Erykah Badu fue una de las sorpresas más agradables del año pasado. No solo porque en los anteriores años la cantante no se había dejado ver demasiado, sino porque reanimaba un soul que ella misma se encargó de renovar en los inicios de su carrera. Detrás de siete de las canciones de ese disco estaban Sa-Ra Creative Partners, privilegiados productores que han trabajado también con Common, Dr Dre o Herbie Hancock entre muchos otros y que ahora por fin presentan su primer disco propiamente dicho.

En "Nuclear Evolution: The Age of Love" -por cierto, tremendo título, como el del disco de Erykah Badu- ofrecen una vuelta de tuerca más al soul mediante una psicodelia que tiene efectos esponjosos sobre buena parte de los sonidos con los que están construidos las canciones. Los sintes suenan reblandecidos, resbaladizos tal y como corresponde a un disco de la era post-J-Dilla. La conexión con el fallecido productor de hip hop también permite establecer lazos con productores de wonky e incluso con Joker, pues todos ellos están explorando similares territorios estilísticos a ambos lados del atlántico, estableciendo un interesantísimo diálogo y abriendo fascinantes territorios sonoros de la mano de innovaciones tecnológicas.

Uno de los elementos más representativos de este disco son las líneas de bajo, que dan (musculado) cuerpo a casi todas las canciones, como si fuese una sólida espina dorsal alrededor de la cual resbalan los sintes y tropiezan los ritmos, creando por el camino novedosas y fluidas alianzas sintéticas y orgánicas, analógicas y digitales. Sirva como ejemplo de este último punto la relación de algunos de los instrumentos empleados en la grabación del disco (lo que sigue es un corta-y-pega de las notas del disco según aparecen en Discogs):

Akai MPC 3000, EMU SP 1200, Maestro Rhythm King, JoMox, Percussion, Electric Guitar, Fender Rhodes, Hohner Clavinet C, Wurlitzer Electric Piano, Yamaha Grand Piano, Gretch Drums, Zildgian Cymbals, Roland Juno 106, Juno-6, Jupiter-8 & SH-101, MOOG (THE SOURCE, VOYAGER, & MICROMOOG), Sequential Circuits Prophet 5, Yamaha SK-30, & Arp String Ensemble & Omni…

Con muchos de estos sintes consiguen un sonido espacial, que también permite relacionarlos con la tradición de afrofuturismo, que en su caso es una reivindicación de la ambición de mirar siempre hacia adelante e innovar en cuanto a sonidos y técnicas de producción tomando elementos de la tradición o prolongando propuestas de productores afines. Esta capacidad omnívora, imprevisible porque no sabes con qué estilo te van a sorprender en el siguiente corte, sitúa su disco en paralelo a otros ambiciosos e históricos álbumes de música negra caracterizados por un generoso minutaje, conciencia social y amplios horizontes estilísticos como pueden ser el "Sign O The Times" de Prince o el "Stankonia" de Outkast. De hecho, el álbum de Sa-Ra tiene en común con "Stankonia" el servir de equivalente en esta década al "There’s A Riot Going On" de Sly & The Family Stone, a quienes, reveladoramente, versionan en este disco. Es muy llamativo, en este sentido, que esta década que está a punto de terminar parece enmarcada entre la publicación de los discos de Outkast y Sa-Ra, porque ambos son discos conceptualmente muy parecidos y que funcionan como espejos de una sociedad estadounidense en estado de crisis.

Con 23 canciones, algo más de hora y media de duración, y renunciando a recurrir a ganchos melódicos demasiado obvios, es un disco que requiere paciencia para ir reconociendo los distintos componentes y puntos de referencia. Su carácter oblicuo probablemente le aleje de un mainstream que en la presente década ha sido un hervidero de buenas ideas, empezando por la declaración de intenciones que fue el "Get Ur Freak On" del mágico combo formado por Missy Elliot y Timbaland. Una de las tácticas habituales en las canciones que conforman "Nuclear Evolution: The Age of Love" tiene que ver con cómo las letras son interpretadas por uno, dos, tres e incluso más vocalistas, cuyas voces aparecen superpuestas en capas o interactuando, pero prácticamente siempre con un carácter relajado e incluso un poco narcótico que es característico del tono del disco, algo que contribuye a crear esa desconcertante sensación esponjosa de la que hablaba antes al caracterizar el tipo de psicodelia que practican Sa-Ra.

Resulta inevitable pensar en las incertidumbres y dudas razonables provocadas por el escenario de crisis económica total en el que se sitúa el arranque de la era Obama al escuchar este disco. Esta idea es, precisamente, el punto de partida de la crítica que sobre este disco ha escrito Mark Fisher y que aparece en el número de julio de la Wire. Si entendemos el disco de Erykah Badu como un precedente directo del álbum de Sa-Ra, la preocupación por la realidad social es evidente. Además, el disco se ha publicado de manera oportuna en un momento en el que la desorientación psicodélica permite canalizar de manera muy adecuada esa mezcla de cauto optimismo, franco escepticismo, desencanto e incluso miedo con la que estamos claramente inaugurando una nueva etapa en la historia de occidente.

El disco, a pesar de los múltiples enfoques desde los que se puede contemplar –tantos como canciones- tiene una inaudita unidad y coherencia de tono. No importa que la canción tome elementos del funk, del soul, del jazz, del hip hop o de mil y una cosas más, pues cada una de estas canciones suena a Sa-Ra y solamente a Sa-Ra, lo cual es muy revelador respecto de la solidez de su propuesta y sobre todo de que el trío angelino se ha tomado muy en serio su primer álbum en condiciones (el anterior, titulado "The Hollywood Recordings", era una mezcla de temas nuevos y ya conocidos, que se editó para contestar a sus fans mientras ellos lidiaban con problemas en sus contratos con multinacionales).

Otro de los aspectos que hacen de este un disco tan interesante en el presente momento de derrumbe del capitalismo es que se distancia de la hipermasculinidad y glorificación del capitalismo que han sido las señas de identidad más visibles y estereotipadas del hip hop durante muchos años, al menos en su faceta mainstream. Precisamente, Sa-Ra tienen puntos de conexión con dos de las figuras que más han hecho por reconstruir la masculinidad y la relación con la industria y el mainstream en los pasados años, y es que el trío estuvo durante un tiempo bajo la protección de Kanye West, quien con sus canciones de corazones rotos en "Heartbreak & 808's" proyectó una masculinidad muy diferente de la habitual. No es casualidad, claro, que en la infame parodia de Kanye West en South Park apareciesen también Sa-Ra. En cuanto al capitalismo, la producción de Sa-Ra es heredera, al igual que la de Flying Lotus, de J-Dilla, quien dio la espalda a la industria –o la industria se la dio a él en un momento dado, que parece que fue un poco de todo- y se decidió a publicar su música en pequeños sellos independientes. En definitiva, "Nuclear Evolution: The Age of Love" es uno de los discos más excitantes que he escuchado en lo que llevamos de año.

Escrito por Ivan Conte

Track List:

Disc 1
01. Spacefruit
02. Dirty Beauty
03. I Swear
04. Melodee N’mynor
05. He Say She Say
06. Traffika
07. Souls Brother
08. Bitch Baby
09. Love Czars
10. Gemini’s Rising
11. The Bone Song
12. White Cloud
13. Move Your Ass
14. Love Today
15. Can I Get You Hi
16. My Star
17. Cosmic Ball

Disc 2
01. Spaceways Theme
02. Just Like A Baby
03. Double Dutch (Co Co Pops)
04. Death Of A Star (Supernova)
05. Powder Bump
06. Hangin By A String

Maxwell - BLACKsummers'night (2009)

2009-08-24T20:38:00.001-07:00

Sin haberlo planeado de antemano, estoy redondeando un repaso por cinco décadas de música negra con mi última recorrida cronológica. Desprolijo, absolutamente arbitrario, y con David Bowie como infiltrado, pero entretenido -por lo menos eso espero- a pesar de todo. Para cerrarlo, nada mejor que el último álbum de Maxwell, un músico que posee muchos de los atributos que he destacado en mis posts anteriores.

Hace un tiempo hice una referencia sobre la fatídica herencia que nos legó Marvin Gaye, pletórica de cantantes insufribles. Maxwell es la excepción que confirma la regla. Si bien está claramente influenciado por Marvin -y por Leon Ware, otro de mis ídolos- su voz es tan deslumbrante que lo encumbra en el papel de alumno aventajado de sus maestros. Su primer disco, "Maxwell's Urban Hang Suite" (1996) fue brillante: no solo revitalizó la escena del R&B -junto a D'Angelo, Rashaan Peterson, Lauren Hill y Erykah Badu-, además reivindicó una forma de hacer soul en donde la elegancia tenía un papel preponderante, algo que a mediados de los noventa parecía olvidado. Su discografía continuó con "Unplugged" (1997), "Embrya" (1998) y "Now" (2001), trabajos fallidos en donde la ambición se confundía con la autoindulgencia y la serenidad con el letargo. Ocho años después de la edición de su último disco, y cuando prácticamente nos habíamos olvidado de él, Maxwell regresa para presentarnos un nuevo trabajo, en donde las formas cambian sutilmente para conseguir un resultado sustancialmente distinto. En "BLACKsummers'night" están presentes todos los elementos que consagraron a su autor: un repertorio compuesto por midtempos de inmaculada delicadeza, una voz excepcional y un sonido aterciopelado que emana sensualidad en cada acorde. Sin embargo, hay un elemento nuevo que enriquece este álbum, una vitalidad inédita que rompe con la monotonía que había sofocado su música. Esta innovación se debe fundamentalmente a la asistencia de una banda notable, que proporciona substancia -y también fantasía- a las frágiles melodías de Maxwell. El concepto lírico de este disco es claro: nos presenta a un hombre herido que admite sus equivocaciones y que está dispuesto a reconquistar al amor perdido. "Bad Habits", "Cold" y "Pretty Wings" resplandecen dentro de un conjunto de canciones homogéneo, e inmediatamente se anotan en la lista de lo mejor que nos brindó el R&B en los últimos años. "BLACKsummers'night" es la primera parte de una trilogía dedicada, como no podía ser de otra manera, al amor. La edición de "blackSUMMERS'night", su continuación, está programada para el 2010. El capítulo final, "blacksummers'NIGHT", se publicará en el 2011.

Track List:
01. Bad Habits
02. Cold
03. Pretty Wings
04. Help Somebody
05. Stop The World
06. Love You
07. Fistful Of Tears
08. Playing Possum
09. Phoenix Rise

Amp Fiddler - Afro Strut (2006)

2009-08-18T17:59:00.000-07:00

Lo fantástico del soul es que siempre unió la tradición con el riesgo, por lo menos en sus exponentes más inspirados. En estos días solo encuentro esa característica en el alt-country, género del que me siento alejado estéticamente aunque reconozco que nos ha ofrecido algunos de los discos más importantes de los últimos tiempos. La música electrónica, en cambio, dejó de ser "la gran esperanza blanca" para convertirse en una suma de reiteración e insipidez que en esta década solo se ha visto alterada por la oscuridad del dubstep. Volvamos al soul: Amp Fiddler es uno de los que músicos actuales que mejor recrea su sonido clásico. Cuando escuchamos sus discos recibimos el influjo de la historia, aún así entendemos inmediatamente que son contemporáneos. La consistencia con la que Fiddler se hace cargo de su herencia probablemente se explica por la gran cantidad de temporadas que lleva en la ruta. Fue tecladista de George Clinton (desde 1985 hasta 1996), Prince (en "Graffiti Bridge"), The Brand New Heavies, Maxwell y Primal Scream, entre otros. Debutó como solista con “Waltz of a Ghetto Fly” (2004), un logrado álbum que estableció las bases de su sonido característico: soul elegante matizado con la sensualidad del R&B y la fuerza del funk. En "Afro Strut" (2006), su segunda placa, Fiddler repite la alquimia y perfecciona la formula. "Faith", la jazzera "If I Don't" (junto a Corinne Bailey Rae) y la balada "Heaven" (esta vez a dúo con Stephanie McKay) son algunas de las canciones destacadas, pero mi preferida es la monumental "Hustle", deudora de la exuberancia de Love Unlimited Orchestra.

En el 2008 Amp Fiddler publicó dos discos: "Rare & Unreleased", una colección de rarezas muy aprovechable e "Inspiration Information", otro recomendable trabajo en el que comparte protagonismo con Sly and Robbie, la célebre base rítmica de innumerables discos de reggae.

Track List:
01. Faith
02. If I Don't
03. Right Where You Are
04. Find My Way
05. Empower/Afro Strut
06. I Need You
07. You Could Be Mine
08. Heaven

09. Seven Mile
10. Funky Monday
11. Ridin'
12. Hustle

Spacek - Curvatia (2001)

2009-08-09T17:23:00.000-07:00

Con el paso del tiempo he abandonado muchos de mis vicios. Por ejemplo, he dejado de ser un coleccionista puntilloso, lo que me había llevado a adquirir tres autos cero kilómetro que mantengo en mi habitación bajo la apariencia de discos y cds. Las obligaciones familiares y un tardío despertar del sentido común me han convertido en un individuo mucho más sencillo... En cambio, aún mantengo cierto snobismo que me impulsa a comprar revistas -las que leo selectivamente, ya que también he aprendido a saltear los artículos que no me interesan- y a visitar periódicamente sitios de actualidad. No lo hago con el objetivo de estar informado, ya que esa es una vanidad inútil; lo que moviliza a continuar con ese ritual es la esperanza de "descubrir" algún disco diferente, de intuir para que lado va a ir la música pop en los próximos años. Porque, a pesar de que la vacuidad y la repetición predominen en los medios, todavía aparecen artistas singulares. El regocijo que uno siente al encontrar discos como "Curvatia" es invarolable, y de alguna manera, justifica todo el tiempo invertido.

"Curvatia" (2001) es el debut de Spacek, un trío londinense integrado por Steve White (vocalista) Edmund Cavill (guitarra) y Morgan Zarate (batería). Estos músicos formaron el grupo a mediados de la década del noventa y firmaron su primer contrato discográfico en 1998. Que la edición de este álbum se haya concretado recién tres años después evidencia el trabajo que les tomó plasmar un sonido tan particular. Las melodías de "Curvatia", cercanas al R&B aunque de una llamativa fragilidad, están recubiertas con grooves de música electrónica, nu soul, broken beats y trip hop. Quizás enumerar tantas etiquetas pueda parecer fatuo, pero entiendo que esta vez resulta necesario para describir -o intentar hacerlo- la riqueza de colores que ornamenta la música de Spacek. Lo importante, como siempre, son las canciones: la triphopera "Eve", la voluptuosa "Sexy Curvatia", "Languaje" con toda su delicadeza, y la acústica "I Have A Daughter That Sings", son los puntos altos de un álbum que trasciende los encasillamientos para crear un universo propio de extraña belleza.

"Vintage Hi-Tech" (2003) significó un paso adelante en la evolución del grupo. En este álbum todos los géneros antes citados fueron llevados a su mínima expresión, dando como resultado algo así como un R&B&clicks&cuts. A pesar de todas sus virtudes, el nivel de las composiciones no alcanzan la excelencia de "Curvatia". "Space Shift" (2005), el debut como solista de Steve White -editado bajo el alias de Steve Spacek-, es otro disco destacable aunque bastante más predecible que los registrados junto a su banda.

Track List:
01. Inside
02. Eve
03. Getaway
04. Sexy Curvatia
05. How Do I Move
06. Smiles And Roses
07. Language
08. When The Band Begins To Play
09. How
10. Act For You
11. I Have A Daughter That Sings + Hidden Track

Nicole Willis - "Soul Makeover" (2000)

2009-08-02T08:44:00.000-07:00

Esta semana hice un rápido repaso por mis discos favoritos de los noventa y volví a escuchar "Headz" (1994), la fundacional recopilación del sello Mo' Wax encargada de confirmar que el fulgor del Trip Hop trascendía las brumas de Bristol. Me puse a buscar información sobre el sello de James Lavelle y descubrí que la primera referencia que había editado fue "Promise" (1992), el simple debut de Repercussions. ¿Quienes son los Repercussions? Un grupo ingles de acid jazz, cuyo hit "Promise Me Nothing" está incluido en la recopilación que posteé hace unos días, y que en 1994 participó en "Tribute To Curtis Mayfield" interpretando junto a él una versión de "Let's Do It Again". ¿Que tiene que ver Nicole Willis con Repercussions? Bueno, era la vocalista del grupo... Ya ven, el mundo es un pañuelo. De todas maneras, y más allá de los juegos, Nicole Willis es una favorita de la casa. Copio de la Wiki algunos datos: nació en Brooklyn en 1963, se mudó a Londres a mediados de los ochenta y -este no deja de ser un dato curioso- salió de gira con The The, el seudónimo detrás el cual se esconde Matt Johnson. Su primer papel protagónico lo encontró junto a Repercussions, con quienes grabó dos discos. En 1999 se casó con Jimi Tenor, y de su mano editó "Soul Makeover", su primer trabajo solista.

"Soul Makeover" (2000) es la antítesis de "Keep Reachin' Up". Aquí podemos encontrar ecos del acid jazz de los Repercussions o del neo soul que estaba en boga por esos días, pero termina prevaleciendo la electrónica. La palabra clave para definir este disco es elegancia ya que "Soul Makeover" fue concebido para seducir con sus delicadas formas. Está repleto de matices y detalles, como todas las creaciones que involucran a Jimi Tenor, quien produjo el álbum junto a Maurice Fulton. Las citas a la obra de Tenor son abundantes, aunque el resultado final se diferencia de esta gracias a la suntuosidad vocal de Nicole. Más adelante vendría el acercamiento al soul tradicional que significó "Be It" (2004) y su consolidación en "Keep Reachin' Up" (2005). "Soul Makeover" es la representación del vacio más exquisito.

Track List:
01. I'm Not Going
02. All The Time
03. Bliss Of Life
04. Heed The Sign
05. Soul Makeover
06. Siesta
07. Curiosity
08. Gonna Get Yours
09. Xibeca
10. Dinosaur!
11. Curiosity (Candy Apple Remix)
12. All The Time (Roberto Rodrigues Remix)
13. Heed the Sign (Maurice Fulton Remix)

Guru - Jazzmatazz Vol.1 (1993)

2009-07-21T19:55:00.001-07:00

En el post anterior hice una mención a la revista Revolver, guia indispensable de mis busquedas musicales durante la década del noventa. Hoy recupero un artículo de esa irrepetible publicación -como cantaba Federico Moura en su homenaje al fanzine Speed: esa mágica adolescente sin edad- para compartirlo con vosotros.

Guru es el Superamigo del hip-hop jazz. No sólo es un excelente rapper y letrista, sino que además es el teórico absoluto de la movida. Es quién comprende al jazz, al rap, y su relación: "La música puede ser dura, limpia, jazzy o cualquier cosa, pero debe tener el sonido urbano brotando de la tierra. A la gente le gusta catalogar la música, y eso está mal. El rap incorpora todas las formas musicales precedentes, y el jazz es sólo uno más de sus componentes". "La música comenzó en el corazón de las percusiones de otras tierras, tocada por todos los hijos de la madre tierra, mandando un mensaje de paz a todo el mundo y cruzando el océano bajo cadenas y vergüenza, aliviando el dolor, y eso no tenía nombre" rappea Guru en "Jazz Music", uno de los pocos temas con toques jazzies que toca como integrante de Gang Starr, uno de los grupos rappers más sofisticados de la escena actual. Su verdadera personalidad jazz la desenvuelve en su proyecto Jazzmatazz, que tiene una sola placa, cuya introducción explica que Jazzmatazz es "una fusión experimental entre jazz y hip-hop. Soy Guru. El hip hop y la música rock son reales. Son la expresión musical de la cultura basada en la realidad, y al mismo tiempo, el jazz es real y basado en la realidad. Disfruten" Guru es capaz de ocupar esa posición privilegiada de "líder de movida" porqué nació burgués y se hizo en la calle. Criado a lo "estudiás o estudiás" en Boston, y crecido en los barrios neoyorquinos de negros con grabadores al hombro, Guru se siente portavoz de una idea: "El concepto de Jazzmatazz estuvo fundado sobre la unidad, la reconstrucción de la familia. Reunir las generaciones, hacerles descubrir a los jóvenes el jazz, y tratar de que a los más viejos les interese el rap. En USA las familias negras sufrieron largos años de esclavismo insidioso y eterno, y fue como un estigma que nos sembraron. Teniendo la chance de vivir en una familia unida, yo me siento el más apto para rehabilitar un cierto respeto inter-generacional". La utopía de Guru es llevar el jazz a su lugar de origen, la rebeldía callejera. Poco a poco la industria musical, lo fue transformando en música elitista, sofisticada y burguesa; con el hip-hop jazz, "el jazz volverá a las calles". Toda esa verborragia y esa sabiduría terminó por convertir a Guru en el niño mimado de todos: prensa, músicos y público en general. Es por eso que en "Jazzmatazz Vol. 1", Guru puede contar con las más destacadas contribuciones: los jazzeros Branford Marsalis, Zachary Breaux, Donald Byrd, Roy Ayers y Courtney Pine, los acid-jazzeros N'Dea Davenport (Brand New Heavies), Ronny Jordan y Carleen Anderson y los rappers D.C. Lee y MC Solaar. El resultado es un refinadísimo hip-hop cool o un jazz callejero y calentito de un nivel envidiable, que actúa como declaración de principios de uno de los productos más interesantes de la música actual.

Artículo extraído de la revista Revolver Nº3 de diciembre y cedido gentilmente por su autor, Pablo Schteingart.

Track List:
01. Introduction
02. Loungin'
03. When You're Near
04. Transit Ride
05. No Time To Play
06. Down The Backstreets
07. Respectful Dedications
08. Take A Look (At Yourself)
09. Trust Me Guru
10. Slicker Than Most
11. Le Bien, Le Mal
12. Sights In The City

V.A. - The Best of Acid Jazz (1996)

2009-07-12T10:14:00.001-07:00

Siempre intenté evitar que este blog se convierta en un ejercicio de nostalgia; no hay nada más ridículo que evocar un tiempo que, la mayoría de las veces, no fue como elegimos recordarlo. Espero que en este post vez pueda seguir eludiendo esa trampa.

A principios de los noventa, vivir en el interior de Argentina equivalía a depender del azar para acceder a las novedades musicales que no contaban con el aval de los medios de comunicación masivos. Esta situación se modificó con el "1 a 1" (un peso = un dólar) propuesto por el nefasto ex-presidente Carlos Menem en 1992. A partir de ese momento, las disquerías amigas dejaron de ofrecer reparos a la hora de traer los cds que les encargaba, por más extraños que estos fueran. Por ese motivo pude adquirir, por ejemplo, el debut de Spearhead a las pocas semanas de su edición. Por supuesto, para conocer que pasaba en el mundo era fundamental tener algún tipo de guía y entre los años 93-96 habían muy pocas: el programa Lado B de MTV y la revista Revolver, la que, también hay que decirlo, llegaba a mi provincia entre tres y seis meses después de su publicación... Como sea, durante esos años disfrute el auge del acid jazz y del trip hop con un inédito sentido de contemporaneidad. "The Best of Acid Jazz" invariablemente me retrotrae a esos años, quizás porque la mayoría de los artistas incluidos en esta recopilación han ido desapareciendo con el paso del tiempo; aunque, después de todo, su música no ha envejecido tan mal.

Este disco retrata de manera notable el género en cuestión, esa imprecisa fusión entre jazz, soul y funk con hip-hop, electrónica y ritmos latinos. Está repleto de canciones maravillosas: "Cantaloop" de Us3, "Turn On Tune In Cop Out" de Freak Power, "People in the Middle" de Spearhead, "Feel the Music" de Guru, "Boundaris" de Leena Conquest y "The Creator Has a Master Plan" de Brooklyn Funk Essentials son las más destacables. Las canciones que desentonan, en cambio, son solo cuatro: "Feel So High" de Des'ree y "Let It Last" de Carleen Anderson son clásicos del soul de noventa y su inclusión en un trabajo de este tipo, es, por lo menos, inconveniente. "Venceremos" de Working Week (1985) sirve como anécdota del proto Acid Jazz de los ochenta, pero queda fuera de contexto; mientras que el asesinato de "Whole Lotta Love" (Led Zeppelin) perpetrado por Goldbug solo merece palabras de desprecio. Cual fue el motivo para entreverarlo en este disco –y en otras compilaciones similares- solo Dios lo sabe.

En estos tiempos de sobre-información, en los que Internet pone a nuestra disposición todo, o casi todo lo imaginable en lo que a música se refiere, no puedo evitar recordar el pasado con un dejo de melancolía. No porque haya sido mejor que el presente -pensar eso es la trampa a evitar- sino por lo difícil que se me hace sentir alguna empatía con las escenas actuales. Porqué no decirlo, también por el vacío que dejaron las ausencias de Lado B -¿alguien mira MTV todavía?- y Revolver, una revista/fanzine que fue demasiado original como para superar la parquedad de nuestro país; añorable a pesar de sus defectos e inigualable por su sentido del humor. No hubo ¿ni habrá? ninguna igual. En fin, los dejo con un disco cuya valoración fluctuará de acuerdo a vuestras vivencias, pero que seguramente les ofrecera innumerables momentos de deleite.

Track List:

Disc 1
01. Cantaloop (Flip Fantasia) - Us3 & Rashaan
02. Space Cowboy - Jamiroquai
03. Midnight At The Oasis - Brand New Heavies
04. Everyday - Incognito
05. Turn On Tune In Cop Out - Freak Power
06. People In The Middle - Spearhead
07. Feel So High - Des'ree
08. Rebirth Of Slick - Digable Planets
09. Feel The Music - Guru
10. Been Thinking About You - Martine Girault
11. So What - Ronny Jordan
12. Real Love - Driza Bone
13. Never Stop - Brand New Heavies
14. Spiritual Love - Urban Species
15. Green Screen - New Jersey Kings
16. Mission Impossible - James Taylor Quartet
17. Keep Steppin' - Omar
18. Heavy Vibes - Vibraphonic
19. Boundaris - Leena Conquest
20. Take The L Train - Brooklyn Funk Essentials

Disc 2
01. Whole Lotta Love - Goldbug
02. Apparently Nothin' - Young Disciples
03. Masterplan - Sharpe, Barrie K. & Diana Brown
04. Something In My Eye - Corduroy
05. Venceremos - Working Week
06. Whirl Keeps Turning - Jhelisa
07. Dream Come True - Brand New Heavies
08. Good Lover - D'Influence
09. Promise Me Nothing - Repercussions
10. The Creator Has A Master Plan - Brooklyn Funk Essentials
11. Now Is The Time - D-Note
12. Find Our Love - City Lix
13. 24 For Betty Page - Snowboy
14. Follow That Arab - Corduroy
15. Turn It All Around - This I dig
16. Whatcha Gonna Do - Xan
17. Watchugot - Groove Collective
18. Funky Guitar - TC 1992
19. Jesse - Mother Earth
20. Let It Last - Carleen Anderson

Brooklyn Funk Essentials - "Cool And Steady And Easy" (1994)

2009-06-29T17:32:00.000-07:00

Santiago Tadeo Cervera de la Web Acid Jazz Hispano, escribió un valioso artículo sobre el debut de Brooklyn Funk Essentials, uno de los grandes discos de los noventa. Pueden leerlo a continuación:

"Cool, Steady & Easy" (1994) es el álbum debut del grupo neoyorquino Brooklyn Funk Essentials, el mejor de su discografía, y uno de los trabajos de escucha imprescindible para los amantes del acid jazz en particular y los interesados por la música negra en general. Este es uno de esos discos tan logrados que todo encaja y funciona, de modo que cada tema es una razón para adorarlo. Por tanto, dado que son doce las razones para adorar el álbum, voy a enumerarlas todas. La primera es, por supuesto, el poderoso groove que transmite, capaz de poner a prueba a los oyentes más resistentes, porque está presente en todos los cortes. La segunda es la calidad de las interpretaciones, otro de los puntos fuertes de Brooklyn Funk Essentials, que basa en la impecable técnica de sus integrantes buena parte de su interés. Y esto nos lleva a la tercera, que es la presencia, como invitado de lujo, del infalibre Maceo Parker (al que corean la ya famosa frase “Blow your horn, Maceo”, acuñada por James Brown), que ilumina la habitación con sus solos en "Blow Your Brains". Ahora bien, "Cool, Steady & Easy" muestra a una banda asombrosamente conjuntada a pesar de su heterogeneidad (esta es la cuarta razón), por lo que, aunque brillen las interpretaciones y cuenten con colaboraciones de estrellas, es la sensación de estar ante grupo bien uniformado la que predomina. Esto último, en parte, viene dado por unos arreglos del todo convincentes (quinta).

Sexta, la lograda fusión de jazz, funk, soul, rap y, en menor medida, reggae (y raga). Quizá se puede simplicar describiendo la música de los neoyorquinos como acid jazz (un estilo que implica fusión), pero es evidente que la variedad es una de sus principales características, y llegamos al séptimo motivo, que es la sorprende cohesión de "Cool, Steady & Easy", algo que consigue gracias a su personalidad, de modo que, independientemente del estilo de cada tema, se impone el del grupo. Llegamos al octavo, que es el tema "The Creator Has A Master Plan", una estupenda versión del clásico de Pharoah Sanders, un éxito que propició que el disco tuviera una buena acogida comercial. El noveno es la voz de la cantante Joe Cardwell, que comprensiblemente decidió iniciar una carrera en solitario tras esta colaboración. Décima razón: las letras, inteligentes, originales y, en ciertos casos, divertidas. El ejemplo más claro es "The Revolution Was Postponed Because Of Rain", cuya letra es tan interesante que gustaría incluso sin la música. La undécima es la producción de Arthur Baker, impecable, y responsable de que la fusión de intrumentación real, samples y scratches parezca tan natural. Por último, la decimosegunda razón es que "Cool, Steady & Easy" es un disco maravilloso, un clásico imperecedero.

Santiago Tadeo Cervera

Track List:
01. Take The L Train
02. The Creator Has A Master Plan
03. The Revolution Was Postponed Because Of Rain
04. Bop Hop
05. Brooklyn Recycles
06. Mizz Bed-Stuy
07. A Headnaddas Journey To The Planet Adidi-Skizm
08. Big Apple Boogaloo
09. Blow Your Brains Out
10. Stickman Crossing The Brooklyn Bridge
11. Dilly Dally
12. Take The L Train (To 8 Ave.)

David Bowie - Black Tie White Noise (1993)

2009-06-25T20:55:00.001-07:00

Escribir sobre los discos que David Bowie editó durante los noventa es una tarea ardua. En esa década -que quizás haya comenzado en 1989 con "The Stone Roses", "Paul's Boutique" y "Doolittle"; o que tal vez lo haya hecho en 1991 con "Blue Lines", "Screamadelica", "Loveless" y "Nevermind"- comenzaron a caerse muchos de los paradigmas que sostenían las estructuras de la música mainstream. De pronto, los valores con los que se evaluaba a los artistas se convirtieron en obsoletos, y Bowie -a pesar de ser revalorizado por Morrissey, Suede, e inclusive por Nirvana- sufrió las consecuencias. Si bien se le reconocía haber impuesto tendencias en los setenta y saber capitalizarlas en los ochenta, pasó a estar un paso atrás de una generación de músicos que vivía en las raves y le daba una nueva dimensión al noise. Para Bowie los noventas comenzaron en 1989, cuando editó el debut de Tin Machine junto a tres músicos tan poco conocidos (Reeves Gabrels, Tony Sales y Hunt Sales) como contundentes. Con ese álbum logró hacernos olvidar de "Never Let Me Down" (1987), seguramente, su peor trabajo. "Tin Machine" es un gran disco, mucho más interesante de lo que se supone y de lo que se dijo en su momento. La influencia de los Pixies es palpable en muchas de sus canciones, pero el songwriting tiene una gran calidad. Lo curioso es que el siguiente paso de David -desilusionado por las malas críticas y las magras ventas de Tin Machine- fue volver al pasado, para, por primera vez, hacer una concesión a sus fans y emprender una gira solista que lo llevaría a recorrer todo el mundo para cantar sus viejos hits. Prácticamente nadie se entero de la existencia de los siguientes discos de Tin Machine, "Tin Machine 2" (1991) y "Oy Vey, Baby! (1992), y está bien que así haya sido. Son trabajos intrascendentes de los cuales solo de pueden destacar un par de canciones -"You Belong In Rock & Roll" del primero, el cover de "If There Is Something" (Roxy Music) del segundo- y donde se reemplaza la furia por un rancio profesionalismo. En su próximo álbum, David volvió a desconcertar -nos- una vez más. Para "Black Tie White Noise" (1993) Bowie convocó a Nile Rodgers, el productor de "Let's Dance" (1983), su disco más exitoso. ¿Lo hizo para repetir la vieja formula? No, lo hizo para crear uno de sus álbumes más elegantes -y uno de los más irregulares, también hay que decirlo- de toda su carrera.

"Black Tie White Noise" comienza con "The Wedding", un instrumental irrelevante. Continua con "You've Been Around", un outtake de Tin Machine que se ve beneficiado por la lujosa producción de Rodgers y los desconcertantes arreglos de contrabajo y de trompeta -a cargo de Lester Bowie- que se contraponen con la distorsión, esta vez controlada, de la guitarra de Reeves Gabrels. "I Feel Free" es una canción de Cream y Bowie ya la había interpretado en la época de Ziggy Stardust. Como homenaje a esos años invitó al guitarrista de The Spiders From Mars, Mick Ronson -quién falleció en abril del 93- a participar de la versión. Al B. Sure! canta en "Black Tie White Noise", un R&B inspirado en el caso Rodney King. "Jump They Say" fue dedicada a Terry, el medio hermano de Bowie quién sufría problemas de esquizofrenia y se suicidó en 1985. La canción es irreprochable, pero tiene un arreglo de saxo -como casi todos los tracks del disco- de lo más molesto. "Nite Flights" es mi canción favorita de Scott Walker, uno de los grandes ídolos de David. Esta versión es magnifica, respetuosa del original aunque mucho más sofisticada. A partir de aquí el álbum baja mucho su nivel, pero es destacable la dulzura de "Miracle Goodnight" y "The Wedding Song", ambas dedicadas a Iman, su reciente esposa. Para la anécdota queda el cover de "I Know It's Gonna Happen Someday" o -Bowie dixit- la imitación que hace Bowie de Morrissey imitando a... ¡Bowie! Lo concreto es que ambas versiones son idénticas.

"Black Tie White Noise" es un álbum lleno de dance y grooves de acid jazz, territorios a los que David Bowie no retornaría. Es extraño y suntuoso, sin embargo, es demasiado irregular como para ponerlo a la altura de lo mejor de discografía. Aún así merece un espacio en todas las repisas -o en los discos duros- de los oyentes que saben que sepan combinar las corbatas negras con el ruido blanco.

Track List:
01. The Wedding
02. You've Been Around
03. I Feel Free
04. Black Tie White Noise
05. Jump They Say
06. Nite Flights
07. Pallas Athena
08. Miracle Goodnight
09. Don't Let Me Down & Down
10. Looking for Lester
11. I Know It's Gonna Happen Someday
12. The Wedding Song
Bonus:
13. Jump They Say (Alternate Mix)

David Bowie - Wild Is The Wind (orig. 1976)

2009-06-17T18:05:00.000-07:00

Por un momento pensé en postear "Station to Station" (1976) pero desistí de hacerlo. La verdad es que nunca terminé de digerir al tema homónimo, donde David Bowie presentó a un nuevo alter-ego: "The Thin White Duke". Ese fallido experimento de diez minutos de duración solo sirvió para prefigurar el modelo que -con la ayuda de Brian Eno- encontraría un cauce mucho más atractivo en "Low" (1977). "TVC15", popera e intrascendente, marca el otro punto flojo del disco. Si obviamos estos dos desaciertos, "Station to Station" es maravilloso: "Golden Years", "Stay" y "Word on a Wing" no desentonarían en "Young Americans" (1975), ese sorprendente álbum de soul plástico que sirvió para inspirar a una generación de inglesitos, quienes pensaron que, después de todo, no era tan difícil hacer música negra. Fracasaron, por supuesto, ya que el talento de Bowie para mimetizarse con los demás siempre fue, paradójicamente, inimitable...

La canción que cierra "Station to Station" es la que engalana este post. "Wild is the Wind" (Dimitri Tiompkin-Ned Washington) fue compuesta especialmente para el film homónimo (1956) e interpretada por Johnny Mathis. Diez años después fue recuperada por Nina Simone, quién consiguió uno de sus mayores éxitos con su adaptación. En 1976 David Bowie publicó su versión definitiva. Sin disfraces ni poses, David optó por interpretarla con las vestiduras de un crooner clásico para ofrecer una clase de buen gusto y conmover con su voz monumental, consumando así una de las mejores interpretaciones de toda su carrera.

El video promocional fue filmado en 1981 por David Mallet, un asiduo colaborador de Bowie.

David Bowie - Young Americans (live 1974)

2009-06-09T19:32:00.000-07:00

Estupenda versión de "Young Americans", interpretada por un -muy- desmejorado David Bowie en "The Dick Cavett Show". Lo llamativo es que la actuación se produjo el 04 de diciembre de 1.974, tres meses antes de la edición del disco homónimo.

The Staple Singers - "Let's Do It Again" (1975)

2009-06-04T21:10:00.000-07:00

Una buena forma de cerrar esta serie de posteos en los que he intercalado discos de Gospel y Chicago Soul es dedicándole una reseña a "Let's Do It Again", el álbum que reunió a dos de los nombres fundamentales de esas escenas.

Curtis Mayfield admiraba a The Staple Singers desde la época en que compartían escenarios junto a The Impressions. Cuando Stax quebró en 1975 les ofreció firmar un contrato con Curtom Records, la compañía discográfica que él había fundado cinco años antes. El debut -y la despedida- de The Staple Singers en el sello fue "Let’s Do It Again", el soundtrack de la blaxploitation protagonizada por Sidney Poitier y Bill Cosby. "Let's Do It Again" nos ofrece algunas curiosidades y, lo más importante, momentos de gran deleite. En ambos rubros se inscribe la posibilidad de escuchar a Mavis Staples cantando letras tan mundanas como esta: "Sweet love in the midnight/Good sleep, come mornin' light/No worries 'bout nothin'/Just gettin' good, just gettin' good/Just gettin' good love". Es que salvo "I Want to Thank You", la única canción que contiene referencias religiosas, poco queda aquí del gospel con el que The Staple Singers sobresalió durante décadas y ahí radica el encanto del disco. Curtis Mayfield compone, arregla y produce ocho canciones en las que prevalece el funk según el arquetipo por él patentado -es decir, de tonos suaves y ritmos templados- mientras que las letras acompañan la sensualidad que emana de la música. La gran virtud de The Staples Singers fue la de adaptarse a ese sonido con total naturalidad, consiguiendo una cohesión que nos permite disfrutar de "Let’s Do It Again" sin tener necesidad de apelar a la nostalgia por los meritos que estos músicos detentaron en tiempos pretéritos. El álbum fue todo un éxito, alcanzó el Top 20 de Bilboard y permaneció dieciocho semanas en los rankings. Sus hits fueron "New Orleans" y "Let's Do It Again". Esta última canción le dio al grupo su segundo Nº 1 -el primero fue "I'll Take You There"- a nivel nacional.

Luego de este trabajo The Staple Singers fueron contratados por Warner, aunque Mavis Staples volvió a trabajar en Curtom y bajo la producción de Curtis. Fue en 1977 cuando editó el soundtrack de la blaxploitation "A Piece of the Action".

Track List:
01. Let's Do It Again
02. Funky Love
03. Whole Lot of Love
04. New Orleans
05. I Want to Thank You
06. Big Mac
07. After Sex
08. Chase

Curtis Mayfield - Roots (1971)

2009-05-24T09:14:00.001-07:00

Cuando Jerry Butler dejó a The Impressions en 1960, Curtis Mayfield se hizo cargo del liderazgo del grupo. Como comenté en su momento, la relevancia The Impressions trascendió sus méritos artísticos -que los tuvieron, y de sobra- ya que no solo demostraron que se podía conseguir un sonido contemporáneo sin alejarse del gospel y eludiendo los cánones que proponían Motown y Stax; también fueron precursores a la hora de cantar sobre la marginación que sufría la gente de raza negra en los Estados Unidos. En 1970, después de una década al frente de la banda, Mayfield decidió comenzar su carrera como solista. Es muy poco lo que se puede agregar a esta altura sobre "Curtis", su álbum debut, pero voy a correr el riesgo de ser redundante para afirmar que es un clásico inapelable, tan grande como "What's Goin' On" o "Let's Stay Together". Mayfield -que empezaba el disco con una canción llamada "No te preocupes, si hay un infierno allá abajo, todos vamos a ir para allá"- enriqueció su música de forma sorprendente, y al gospel de The Impressions le sumó psicodelia, pop y mucho funk, obteniendo un sonido único. Su segundo álbum, "Roots" (1971) quizás sea subestimado por no poseer la exuberancia de su debut o de "Superfly" (1972), pero tiene suficientes logros como para ser destacado.

"Roots" profundizó el quiebre estilistico que Mayfield había iniciado en "Curtis" y aportó siete canciones que lo ratificaron como un compositor de excepción. La temática de sus letras lo diferenciaron de la mayoría de sus coetáneos, ya que sus críticas ante las injusticias de la sociedad norteamericana no solo eran necesarias, también eran certeras. Esas letras, entonadas por una voz dueña del falsete más dulce y sumadas a un funk atiborrado de percusiones, cuerdas y vientos, producían un efecto fascinante. “Keep on Keeping On”, “Underground" y "Beautiful Brother Of Mine" son algunas de las canciones que se destacan en este álbum.

Sobre "Superfly" y el resto de su discografía, les hablaré en próximos posts, ya que la envergadura de Curtis Mayfield merece un espacio destacado en este blog.

Track List:
01. Get Down
02. Keep on Keeping On
03. Underground
04. We Got To Have Peace
05. Beautiful Brother Of Mine
06. Now Your're Gone
07. Love To Keep You In My Mind
08. Underground (Demo Version)
09. Get Down (Single Version)
10. We Got To Have Peace (Single Version)
11. Beautiful Brother Of Mine (Single Version)

Tyrone Davis - "Turn Back The Hands Of Time" (1970)

2009-05-13T20:07:00.000-07:00

Tyrone Davis nació el 4 de Mayo de 1938, en Greenville, Mississippi; un sitio en el que las oportunidades de vivir dignamente dependían del color de piel con el que nacías. Davis se mudó a Michigan, y a los diecinueve años se instaló en Chicago. Consiguió trabajo en una fábrica de metal, y de noche comenzó a frecuentar los clubs del centro. Chicago estaba pasando por un momento muy excitante por esos años: gente como Muddy Waters y John Lee Hooker estaba incendiando las estructuras clásicas del Blues en el Sur del estado, mientras tanto, en la ciudad comenzaba a tomar forma una de las escenas fundamentales del primer R&B. En 1959 Tyrone Davis conoció a Freddie King quien lo contrató para que sea su chofer y valet personal. Un par de años más tarde ya era parte del staff de colaboradores que acompañaba al guitarrista durante sus actuaciones. En una de esas noches, Bobby "Blue" Bland lo hizo subir al escenario y le dio su micrófono. Luego de que Tyrone hiciera una perfecta imitación de Bland, recibió la admonición de este: "Be you, don't be me". La frase serviría para que el joven Davis se desvele en desarrollar un estilo propio, algo que conseguiría con el paso del tiempo. En 1965 logro editar su primer simple: "Suffer", una canción de Harold Burrage, su productor y representante, quien moriría al año siguiente de un paro cardíaco. Tyrone continuó editando su material sin mayor suceso, hasta que en 1968 firmó un contrato con Dakar Records, un nuevo sello discográfico que tenía un convenio de distribución con Atlantic. Su primer lanzamiento por Dakar fue el simple “A Woman Needs To Be Loved”, que no tuvo mayor trascendencia hasta que un Dj comenzó a difundir su lado B, “Can I Change My Mind?". Sorpresivamente, esta canción se transformó en un gran éxito, alcanzando el Top 5 del Billboard's R&B Charts y vendiendo más de un millón de copias. Al año siguiente Tyrone Davis editó su álbum debut, también titulado, -no podía ser de otra manera- "Can I Change My Mind?". Si bien en este disco ya estaban presentes todos los elementos que lo consolidarían como uno de los artistas más interesantes de la escena de Chicago, no tuvo una buena recepción por parte del público. En cambio "Turn Back The Hands Of Time" (1970), su segunda placa, logró un suceso extraordinario.

"Turn Back the Hands of Time" es una obra maestra. Su repertorio -en donde sobresalen la canción que lo titula, “Undying Love” "Just Because Of You", y “I Keep Coming Back”- es impecable. La perfección de la voz de Davis, la delicadeza de las orquestaciones, la solidez instrumental: todo se conjuga para concretar un disco fundamental, uno de los puntos culmines del soul como expresión de la elegancia más sensual. A partir de la edición de este álbum, Tyrone se estableció como uno de los cantantes paradigmáticos del Chicago Soul. Continuó editando discos –muy recomendables, por lo menos hasta “Turning Point” (1975)- de los cuales vendió más de veinticinco millones de placas. Detrás de este dato estadístico aparentemente intrascendente se esconde la evidencia de lo poco que conocemos de soul y de sus héroes en los países de habla hispana. Tyrone Davis falleció el 9 de Febrero del 2005.

Track List:
01. Turn Back the Hands of Time
02. All the Waiting Is Not in Vain
03. Let Me Back In
04. Love Bones
05. I'll Be Right Here
06. Is It Something You've Got
07. Undying Love
08. Just Because of You
09. If It's Love You're After
10. I Keep Coming Back

Jerry Butler - The Best of Jerry Butler (1987)

2009-05-02T19:10:00.001-07:00

Recientemente, Manuel nos contó en uno de sus posts los reparos que tenía a la hora de escribir sobre sus músicos favoritos. A mi me sucede algo similar, con el agravante de que, además, a este inconveniente tengo que sumarle mis serios problemas de redacción... Lo cierto es que desde hace tiempo tenía ganas de postear este disco de Jerry "The Ice Man" Butler, uno de mis ídolos, y recién ahora me animo a hacerlo.

La carrera de Jerry Butler comenzó en 1957, cuando decidió formar un grupo de doo-wop junto a Curtis Mayfield, su gran amigo y compañero del coro de la iglesia. Lo bautizaron The Rooters, aunque al año siguiente decidieron cambiar su nombre por el de The Impressions. Al momento de editar su primer single, "For Your Precious Love", el sello discográfico decidió lanzarlo a la venta como Jerry Butler and The Impressions. El resto de los músicos no estuvo de acuerdo con esta determinación, y los problemas de cartel finalmente provocaron la salida de Butler de la banda. Su lanzamiento como solista no se hizo esperar: debutó en 1960 con la edición de "He Will Break Your Heart", una canción compuesta por Curtis Mayfield. Luego de un par de simples en los que mantuvo su colaboración con Mayfield, Jerry publicó en 1961 una hermosa versión de "Moon River". En 1962 agregaría otro hito a su discografía con la interpretación de "Make It Easy On Yourself", especialmente cedida por la dupla de compositores Burt Bacharach - Hal David. Su versión de "Let It Be Me", incluida en "Delicious Together" (1964), el álbum que grabó a dúo junto a Betty Everett, también es prodigiosa. Hago hincapié en estas tres canciones (más allá de que la selección del disco sea impecable) no solo porque son las más representativas de este artista, sino porque rankean en lo más alto entre mis preferidas de todos los tiempos. Jerry Butler logró consolidarse como un baladista infalible gracias a su inmensa voz, que combinaba consistencia, belleza y color. Además, era poseedor de una distinción enorme, que le valdría el apodo de “The Ice Man”, lo que es bastante descriptivo de quien era capaz de conmover a sus oyentes sin perder un ápice de elegancia.

Vee Jay Records, su sello editor, quebró en 1966, y Butler decidió mudarse de Chicago a Philadelphia, en donde comenzó una nueva etapa. Junto a Kenny Gamble y Leon Huff publicó simples como "Never Give You Up", "Hey Western Union Man" y "Only The Strong Survive", además de un par de álbumes muy destacables: "The Ice Man Cometh" (1968) y "Ice on Ice" (1970). En los setenta, Jerry Butler coqueteó con varios estilos, pero sus álbumes más destacados fueron los que tuvieron el marco del "Philly Sound". De todas maneras, estuvo lejos de igualar la perfección alcanzada en su época de oro. Lentamente se fue retirando del canto, primero para dedicarle tiempo a su empresa "Songwriters Workshop", y a partir de los ochenta, para dedicarse a la política de su Chicago natal.

Espero que disfruten de esta recopilación que abarca lo mejor del repertorio de un artista excepcional, a quien le debo un agradecimiento eterno por haberme obsequiado incontables momentos de felicidad.

Track List:
01. For Your Precious Love (The Impressions)
02. He Will Break Your Heart
03. Find Another Girl
04. I'm a Telling You
05. Moon River
06. Make It Easy on Yourself
07. You Can Run (But You Can't Hide)
08. I'm the One Who Loves You
09. The Wishing Star (Theme from Taras Bulba)
10. Whatever You Want
11. Need to Belong
12. Giving up on Love
13. I Don't Want to Hear It Anymore
14. I Stand Accused
15. Let It Be Me (with Betty Everett)
16. Never Give You Up
17. Hey, Western Union Man
18. Only the Strong Survive

Aretha Franklin - Amazing Grace (1972)

2009-04-22T21:23:00.000-07:00

En su número de abril la revista Rolling Stone Argentina publicó los resultados de la encuesta "Los cien mejores cantantes de todos los tiempos", en la que consagró a Aretha Franklin con el primer puesto. Que este post coincida con la edición de esa revista es una casualidad. De hecho, la encuesta fue publicada originalmente en noviembre del año pasado. Ahora, que la revista Rolling Stone Argentina elija a ¡John Lennon! (nº 5 del ranking) como portada de este ejemplar, no es ninguna casualidad. Es solo uno de los tantos desatinos de una publicación que suele confundir la verdad con la conveniencia.

No quiero extenderme demasiado en la biografía de Aretha, ya que próximamente voy a postear otros discos suyos, aunque si quiero puntualizar algunos datos importantes. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee. Comenzó a cantar junto a sus hermanas Carolyn y Erma en la iglesia de Detroit donde oficiaba su padre, C. L. Franklin, líder del Movimiento por los Derechos Civiles y amigo íntimo de Martin Luther King. Mahalia Jackson, Clara Ward, The Soul Stirrers, y el reverendo James Cleveland eran algunas de las personalidades que frecuentaban el hogar de los Franklin y que ayudaron a moldear su personalidad como cantante. "Songs Of Faith - The Gospel Soul Of Aretha Franklin", su álbum debut, fue publicado en 1956. El segundo disco que le dedicó a la música gospel fue publicado dieciséis años más tarde y es el que hoy comparto con ustedes.

"Amazing Grace" fue grabado en vivo en el New Temple Missionary Baptist Church de Los Ángeles. Contó con la participación del reverendo James Cleveland, su Southern California Community Choir, una backing band liderada por el guitarrista Cornell Dupree, y fue producido por Jerry Wexler junto a Arif Mardin. El repertorio de este disco incluye negro spirituals ("Precious Lord, Take My Hand”, “Amazing Grace” y “Never Grow Old”) pero también standards como “You’ll Never Walk Alone”, canciones pop (“You’ve Got A Friend” de Carole King) y soul (“Wholy Holy" de Marvin Gaye). Críticos como Luis Lapuente, de quien tomo muchos de los datos de este post, eligen a "Amazing Grace" como el momento cúlmine de la discografía de Aretha Franklin. Yo me quedo con "I Never Loved A Man The Way I Love You", "Lady Soul" y "Aretha Now", aunque es indudable que la belleza de su maravillosa voz alcanza en esta ocasión un esplendor inigualable.

En 1978, Aretha Franklin editó "One Lord, One Faith, One Baptism", su último álbum de música gospel al día de la fecha.

Track List:

Disc 1
01. Mary Don't You Weep
02. Precious Lord (Take My Hand)/You've Got a Friend [Medley]
03. Old Landmark (Spoken Introduction)
04. Give Yourself to Jesus
05. How I Got Over
06. What a Friend We Have in Jesus
07. Amazing Grace

Disc 2
01. Precious Memories
02. Climbing Higher Mountains
03. Remarks by Reverend C.L. Franklin - Rev. C.L. Franklin
04. God Will Take Care of You
05. Wholy Holy
06. You'll Never Walk Alone
07. Never Grow Old

The Staple Singers - Be Altitude: Respect Yourself (1972)

2009-04-12T20:03:00.001-07:00

Finalmente llegamos al post número cien. Lo que comenzó como una excusa para mostrarles algunos discos a mis amigos españoles y a una periodista chilena, se transformó en un blog que recibe visitas desde países (noventa y nueve al día de la fecha) de todos los continentes. La chilena me rompió el corazón cuando descubrí que había escrito una barbaridad tal como que "Ok Computer" de Radiohead era "el último gran disco de la música pop", y con el paso del tiempo decidí no escribirle más. Sin embargo, sigo en contacto con mis viejos amigos, a los que se le fueron sumando otros, tan inesperados como distinguidos... Pasemos ahora a la música, ya que es tiempo de pagar las deudas pendientes. Una de ellas es postear discos del sello Stax, algo que hasta ahora he hecho con cuentagotas. Otra, más puntual, es escribir algo sobre The Staple Singers.

Roebuck "Pop" Staples formó la banda en 1948, junto a sus hijas Cleotha, Mavis, y a Pervis, su único hijo varón, el que luego sería reemplazado por su hermana Ivonne. En 1950 editaron su primer simple, "Sit Down Servent", en 1956 vendieron más de un millón de placas de "Uncloudy Day", y a finales de la década ya eran el grupo gospel más importante de Estados Unidos. En 1967 coincidieron con Martin Luther King en un acto y este encuentro sería clave para el futuro de The Staples Singers. Luego de escuchar la oratoria de King, Papá Staples se dijo: "Si él puede predicar este mensaje, nosotros podemos cantarlo". Ese año editaron su primer canción pop ("For What It's Worth" de Stephen Stills) para Epic, y en 1968 firmaron para Stax comenzando una nueva etapa en la historia del grupo, en la que transformaron su gospel en soul, y los cantos de alabanza en reclamos por los derechos civiles. "Be Altitude: Respect Yourself" es el cuarto disco que The Staple Singers publicaron por Stax. Se grabó en los estudios Muscle Shoals Sound de Alabama y fue producido por Al Bell. A esta altura, la amalgama entre gospel, southern soul y funk que había conseguido la banda se encontraba en estado de gracia. Si bien “Respect Yourself” y “I’ll Take You There”, se han convertido en clásicos indestructibles, las ocho canciones restantes son igual de sobresalientes, lo que me exime de realizar mayores comentarios sobre la grandeza de este álbum.

En síntesis, estamos ante un disco paradigmático del mejor soul de los setenta con todo lo que esto conlleva, y su escucha es especialmente recomendable a los incrédulos, ya que la voz de Mavis Staples nos da buenos motivos para creer en la existencia de Dios.

Track List:
01. This World
02. Respect Yourself
03. Name The Missing Word
04. I'll Take You There
05. This Old Town (People In This Town)
06. We The People
07. Are You Sure
08. Who Do You Think You Are (Jesus Christ Superstar)?
09. I'm Just Another Soldier
10. Who

Femi Kuti - Day By Day (2008)

2009-04-03T17:04:00.000-07:00

Armar los posteos respetando un orden cronológico me permite licencias como esta: pasar del pop luminoso de Dylan Mondegreen al hipnótico afrobeat de Femi Kuti en tan solo una semana. Espero que mis visitantes habituales comprendan esta disgregación que aspira a ilustrar mi creencia de que la música, para salvarnos, debe llenar nuestras vidas de color.

A diferencia de Julian, de Sean, de Ziggy, de Jacob, y de los argentinos Migue y Dante, estamos ante la obra de un heredero que honra su apellido paterno. Esta tarea no es nada fácil ya que Fela Kuti, el padre de Femi, fue el artista africano más importante del siglo XX. No solo inventó el afrobeat (un estilo tan original como exuberante), además su figura trascendió la música para consagrarse como un paradigma de la libertad, un ícono de la resistencia ante la corrupción política que arrasa con su Nigeria natal y con toda África. Volvamos a Femi: nació en 1962 y desde los dieciocho años fue miembro de Egipto 80, la banda de Fela. En 1987 formó The Positive Force y en 1989 editó junto a ellos su primer disco, "No Cause For Alarm?". El reconocimiento internacional le llegó en el 2001 gracias a "Fight To Win", álbum que tuvo su continuación recién en el 2008 con "Day By Day".

Las canciones de este disco respetan el ABC del afrobeat. La música yoruba, el highlife y los ritmos funks; los beats repetitivos, las secciones de vientos voluptuosas y las percusiones envolventes, todos los elementos se conjugan para continuar de manera intachable con el legado de su padre. La novedad que nos presenta "Day By Day" es la adición de estructuras de jazz a su música. "Do You Know" y "They Will Run" son buenos ejemplos de esta alquimia y nos ilusionan con lo que vendrá en el futuro. Sin embargo, "Demo Crazy" con su rotunda vitalidad, es la canción más destacada del álbum.

Las letras, como siempre, denuncian las injusticias que sufre África, ese continente olvidado por Dios. "La democracia no existe, es sólo otra excusa más del capitalismo opresor. Demócratas y republicanos se alternan en Estados Unidos, igual que liberales y conservadores en el Reino Unido. Son sistemas bipartidistas financiados por los propios Gobiernos, así que se perpetuarán hasta el infinito. Ustedes lo llaman democracia, pero a mí me parece hipocresía", señaló Femi en una entrevista que el año pasado le realizó el diario El País de España. Y los que vivimos en América Latina nos sentimos dolorosamente identificados...

Track List:
01. Oyimbo
02. Eh Oh
03. Day by Day
04. Demo Crazy
05. Do You Know
06. You Better Ask Yourself
07. One Two
08. Tell Me
09. They Will Run
10. Tension Grip Africa
11. Dem Funny
12. Lets Make History
13. Inside Religion

Dylan Mondegreen - While I Walk You Home (2007)

2009-03-27T17:51:00.001-07:00

Cuenta la promoción de este álbum que Dylan Mondegreen, nombre artístico bajo el que se esconde Borge Sildnes, se refugió durante el año que duró la creación de “While I Walk You Home” en una casa situada en una isla al Oeste de Noruega, su país natal. Fue allí, rodeado e influenciado por la naturaleza del lugar, donde se hizo posible el alumbramiento de su prístino estilo de afrontar la música. Promoción al margen, podemos afirmar que la música contenida en las diez canciones de este debut contagian una placidez rara vez contemplada que fácilmente nos transportará no sólo a un bonito paraje nórdico, si no a todo aquel rincón que a cada uno le pueda hacer sentir en paz. Porque ese es el efecto que todo aquel creador de Pop, en el más clásico sentido del término, logra cuando emplea todo su talento en la consecución de la melodía perfecta, el arreglo más delicado, la contención en los tiempos… Así Dylan Mondegreen fijará su punto de mira en un clásico actual de la talla de Josh Rouse, puesto que quién si no está tras el estilo de ese inicio de disco que es “Wishing Well”, pieza atemporal que recuerda poderosamente al norteamericano y que perfectamente se convertirá en uno de las canciones del 2007 para el aficionado al Pop de raíz melancólica. Pero no quedan ahí los parentescos, en realidad son decenas los nombres que vienen a nuestra mente al pensar en la música de “While I Wlak You Home”, el más evidente es el del gran Burt Bacharach, referencia indiscutible en un disco de esta naturaleza, pero también vemos trazos del mejor (capaz también de lo peor, pero esa es otra historia) Nick Heyward, con el que comparte ese gusto por la elegancia y la calma. Influencias aparte, queda claro que Dylan Mondegreen a dado en este disco con la fórmula correcta para alumbrar diez canciones que brillan por sí solas. A continuación de “Wishing Well”, sale a nuestro encuentro una veraniega y feliz “Girl In Grass”, más propia de climas cálidos que de la gélida Noruega, o “Something To Dream On”, la pieza más emotiva del disco, de tanta belleza que hace recordar con su escucha esa genial frase del tema “Knee Trembler” de Close Lobster que decía algo así como “soy tan feliz que me cortaría las venas”. Algo radical, sí, pero una frase que define a la perfección la sensación que nos invade escuchando la mejor canción del disco. “That Mortal Kiss”, “Broken French”, “While I Walk You Home”… uno no sabe por dónde continuar, y ante tan sucesión de cortes gloriosos no queda más remedio que rendirse ante la evidencia de que estamos ante un debut atípico en cuanto a su madurez y perfección en un artista joven que ha puesto su mirada alto, muy alto. “While I Walk You Home” fue publicado en el mes de Septiembre del 2007, y goza de una muy reducida distribución, por lo que mucho nos tememos que en breve pasará a ser considerado como disco de culto para todos aquellos que hayan tenido la fortuna de tropezar con alguna de sus canciones. Ni por un segundo dejes pasar la oportunidad de escuchar semejante colección de aciertos, un clásico desde este preciso instante.

Escrito por Manuel Soleado

Track List:
01. Wishing Well
02. Girl In Grass
03. Say It Isn't So
04. Something To Dream On
05. My Favourite Songs
06. That Mortal Kiss
07. Faint Sound Of Surf
08. Broken French
09. Where You Are Is Where It's At
10. While I Walk You Home

Candi Staton - His Hands (2006)

2009-03-22T07:41:00.001-07:00

La resurrección soul del 2006, después de las protagonizadas en temporadas anteriores por Solomon Burke, Al Green o Bettye Lavette, nos devuelve a la actualidad a Candi Staton, curiosamente en el sello de Damon Albarn de Blur, que está demostrando un gusto ecléctico e inmaculado en sus ediciones. Aquí, junto a canciones de Merle Haggard ("You Don’t Have Far To Go"), Charlie Rich ("You Never Really Wanted Me"), Bobby ‘Blue’ Bland ("When Hearts Grow Cold") o Solomon Burke ("Cry To Me"), todas ellas arropadas con la producción espartana de Mark Nevers de Lambchop. Lo que verdaderamente pone la piel de gallina es "His Hands", escrita por Will Oldham, y en la que Candi Staton vive, más que canta, una historia de amor, abuso y redención.

Escrito por Xavier Valiño

Track List:
01. You Don't Have Far To Go
02. When Hearts Grow Cold
03. It's Not Easy Letting Go
04. His Hands
05. How Do I Get Over You?
06. You Never Really Wanted Me
07. I'll Sing A Love Song To You
08. In Name Only
09. Running Out Of Love
10. Cry To Me
11. When Will I?

Richard Hawley - Coles Corner (2005)

2009-03-16T21:16:00.000-07:00

Jorge Luis Borges ya nos había señalado que Oscar Wilde siempre -o casi siempre- tenía razón. Las circunstancias que marcaron el destino de Richard Hawley no hacen mas que confirmar una sentencia del escritor irlandés: "La vida imita al arte", porque, ¿quien puede negar que la biografía de Hawley parece calcada de algún film de Franz Capra?

Su curriculum dice que fue guitarrista de Longpigs, una intrascendente banda de brit pop que editó dos discos entre 1996 y 1999. También que participó como invitado en discos de Robbie Williams, Beth Orton y All Saints, entre otros. En el año 2000 fue invitado por Jarvis Cocker y Steve Mackey, amigos de la infancia, para que sea el guitarrista invitado de Pulp. De esa manera comenzó a recuperarse de sus adicciones al alcohol y a las drogas, que, según sus propias palabras, lo estaban llevando a la muerte. Hasta este punto del relato nos encontramos ante un personaje gris, un segundón que, de no ser por unos viejos camaradas, hubiese pasado al olvido fácilmente... pero la fortuna, por una vez, estuvo de su lado. Al final de una sesión de grabación de la que participaba, sobró tiempo de estudio que nadie quería. Hawley lo aprovechó y grabó un demo de siete canciones con la idea de que alguien las interprete con su voz. Un amigo le envió una copia de esa cinta a varios sellos discográficos sin que Richard lo supiera, e inesperadamente, hubo muchos que se mostraron interesadas por la grabación. Finalmente fichó para Setanta, que editó las canciones del demo con el formato de un EP. De esa manera comenzó la carrera solista de quien, hasta entonces, nunca había pensado en cantar. Al EP "Richard Hawley"(2001) le sucedieron "Late Night Final" (2002) y "Lowedges" (2003), dos álbumes sumamente atractivos, que instalaron a este músico como un personaje de culto. Sin embargo, solo fueron el preludio para "Coles Corner" (2005), uno de los mejores discos de los últimos años.

La música de Richard Hawley, y este álbum en particular, nos remiten inmediatamente a la década del cincuenta. A esa época en que las esquinas eran el punto de encuentro para los amantes, y los arreglos de cuerdas abrigaban el dolor de los crooners que le cantaban al amor no correspondido. La enumeración de influencias (Elvis Presley, Roy Orbison, Johnny Cash, Scott Walker) no tiene que confundir al lector: no estamos hablando de un imitador, ni de un mero reciclador. Richard Hawley es el autor de un repertorio atemporal, clásico en sus estructuras y sobresaliente por su esplendor melódico. “Just Like The Rain”, “Born Under A Bad Sign” y "Coles Corner" son canciones perfectas, a la altura de las que Richard aprendió siendo un niño gracias a la colección de discos de su padre. Sin embargo, la majestuosa "The Ocean" es la referencia ineludible de este trabajo. No solo es mi canción preferida del 2005, además es una de las más emocionantes que he escuchado en mi vida.

Su siguiente álbum, “Lady’s Bridge”(2007), es la continuación lógica de “Coles Corner” y la confirmación de que Richard Hawley es uno de los músicos más talentosos que podemos encontrar por estos días.

Track List:
01. Coles Corner
02. Just Like The Rain
03. Hotel Room
04. Wait For Me
05. The Ocean
06. Born Under A Bad Sign
07. I Sleep Alone
08. Tonight
09. Wading Through The Water
10. Who's Going To Shoe Your Pretty Little Feet
11. Last Orders

Al Green - I Can't Stop (2003)

2009-03-08T09:34:00.001-07:00

Al igual que el "Don't Give Up On Me" de Solomon Burke, "I Can't Stop" representó el regreso de un músico que había renunciado a su vida laica para dedicarse a la religión; pero la historia de Al Green es diferente a todas las demás, ya que su retiro se produjo después de haber tenido el mundo a sus pies.

A principios de los setenta, y de la mano de Willie Mitchell, creador del distintivo sonido del sello Hi Records, Al Green publicó una serie de álbumes excepcionales. "Let’s Stay Together" (1972), "I’m Still in Love With You" (1972), "Call Me" (1973) y "Explores Your Mind" (1974) son algunos de los títulos que se inscribieron con letras mayúsculas en la historia del soul. Discos perfectos, llenos de sensualidad y clase. Conmovedores por su espiritualidad y trascendentes por su esplendor formal. En 1974, cuando su carrera se encontraba en pleno apogeo, un hecho desgraciado marcó su vida para siempre. Mary Woodson, una ex novia, ingresó a su casa mientras Al se estaba bañando e intentó desfigurarlo arrojándole puré de maíz hirviendo. Luego se suicidó frente a él con una de sus armas. Green, que recibió quemaduras de segundo grado en el pecho, la espalda y los brazos, comenzó ha alejarse de la música secular a partir de ese momento. En 1976 se consagró reverendo de la iglesia Pentecostal y compró su propia iglesia, aún así continuó editando discos de soul. Mitchell, que no estaba de acuerdo con el nuevo rumbo que tomaba su carrera, decidió interrumpir su sociedad artística y los siguientes discos de Green fueron producidos por él mismo: "The Belle Album" (1977) está a la altura de sus clásicos, no así el fallido "Truth n' Time" (1978). Un nuevo incidente ocurrido en 1979 desencadenaría su retiro definitivo (o casi) de la vida mundana. Durante una actuación en vivo en Cincinnati, se cayó del escenario y sufrió graves heridas. Otra señal de que debía consagrar su vida exclusivamente a Dios, o por lo menos eso fue lo que interpretó el protagonista de nuestra semblanza. Durante las décadas del ochenta y del noventa su contacto con la música se circunscribió a editar álbumes de gospel, aunque en 1994 intentó un regreso con el interesante "Don't Look Back", producido por Arthur Baker junto a Andy Cox y David Steele de los Fine Young Cannibals. Este disco que originalmente fuera lanzado exclusivamente para el mercado europeo se publicó en Estados Unidos al año siguiente con un par de modificaciones y bajo el nombre de "Your Heart’s in Good Hands" pero no obtuvo repercusión con ninguna de sus ediciones.

En el 2003, tal vez inspirado en el glorioso retorno de Solomon Burke, Green volvió a intentarlo y esta vez la historia tuvo un final feliz. En una entrevista con la revista Les Inrockuptibles contó los motivos de su vuelta: "Willie (Mitchell) me insistió durante más de veinte años para que volviéramos a hacer un disco juntos. Acepté por dos razones: primero, hace unos meses un hombre me reconoció en la calle y me dijo: "Al, ¿porqué no volves al soul? Lo conoces mejor que nadie..." ¡Me contó que cuando estaba en la panza de su madre ya escuchaba mis canciones! Eso me emocionó. La segunda razón es que Willie ha pasado momentos muy difíciles últimamente. Perdió a su hermano y a su esposa y estuvo un tiempo internado por culpa de la diabetes. Sabía que necesitaba un cambio de aire, así que terminé accediendo. En un momento me dijo: "Sos mi artista, hace mucho tiempo comenzaste una obra que jamás terminaste. Este álbum que haremos juntos será tu obra definitiva". "I Can't Stop" quizás no sea su obra definitiva, pero indudablemente está a la altura de las circunstancias. La virtuosa voz de Green es la misma de siempre, y la producción de Mitchell reproduce a la perfección un estilo único. La magia de la sociedad interrumpida veintisiete años atrás estaba de vuelta. "I Can’t Stop", “Raining in My Heart” y "Million to One" son algunas de las joyas atemporales que engalanan este disco y que se inscriben sin ningún tipo de dificultad entre lo mejor de su repertorio. Además de Willie Mitchell, aquí participaron varios de sus músicos históricos: el guitarrista Mabon “Teenie” Hodges, el bajista Leroy Hodges, el grupo vocal Rhodes-Chalmers-Rhodes y la sección de vientos The Royal Horns. Al Green volvió a grabar en el mítico estudio Royal de Memphis y a cantar en el Number Nine, un microfono que permaneció veinticinco años guardado en un cajón esperando reencontrarse con su único dueño.

Para terminar, el reverendo Green nos aclara una duda que, seguramente, más de un escéptico como yo debe tener: ¿por qué cree que buena parte de los cantantes de soul de los sesenta y setenta que no murieron de jóvenes han acabado refugiándose en la Iglesia?

"Porque una vez has alcanzado cierta posición en la vida, sea lo alta que sea, ya solo te queda un lugar al que ir. No tienes otra elección. Todos hemos subido por esa escalera. Ahora yo soy su embajador y mi trabajo es transmitir amor y felicidad. Él me dijo: "Al, quiero que lleves amor y felicidad alrededor del mundo. Nunca lo olvides. Cada noche tienes que hablarles un poco de Jesús. Y luego ya les cantas todas tus canciones".

Track List:
01. I Can't Stop
02. Play To Win
03. Rainin' In My Heart
04. I've Been Waitin' On You
05. You
06. Not Tonight
07. Million To One
08. My Problem Is You
09. I'd Still Choose You
10. I've Been Thinkin' Bout You
11. I'd Write A Letter
12. Too Many

Solomon Burke - "Don't Give Up On Me" (2002)

2009-02-10T18:29:00.000-08:00

Se hace cada vez más difícil encontrar discos conmovedores dentro del panorama actual. Sobran los álbumes prolijos, llenos de ejercicios de estilo, que intentan hacernos rememorar sensaciones olvidadas. También los que apuestan a los golpes bajos para, desde un riesgo planeado hasta el último detalle, pretender sorprendernos. Lo cierto es que en los últimos años, la edición de discos genuinamente intensos puede contarse con los dedos de una mano. A esto hay que sumarle que, a medida que pasa el tiempo, nuestros corazones se van endureciendo, dejando muchos menos resquicios disponibles para la emoción. Así, poco a poco, nos hemos ido transformando en jueces implacables y no toleramos ningún tipo de soborno emotivo... Sin embargo, de vez en cuando sucede un milagro. En este caso, el responsable es un soldado de mil batallas, una leyenda olvidada, a tal punto que en el 2002 eran pocos los que recordaban que aún estaba vivo. Uno de ellos fue Joe Henry, un productor y músico de Alt-Country que viajó hasta Philadelphia para llevarle al reverendo Solomon Burke, el protagonista de esta historia, la propuesta de volver a grabar un nuevo disco después de años de retiro de la música secular. La idea de Joe Henry fue arriesgada: convocó a fans de Solomon de indudable prestigio, y les solicitó que escriban una canción especialmente para su retorno. Bob Dylan, Brian Wilson, Tom Waits, Elvis Costello, Van Morrison (autor de dos canciones), Nick Lowe, Barry Mann/Cynthia Weil (Elvis Presley, The Crystals, The Ronettes) y Dan Penn (compositor de, por ejemplo, "The Dark End of the Street") fueron los elegidos. Todos respondieron afirmativamente. Finalmente Henry aportó una canción propia y la lista de temas se completó con una composición del ignoto Pick Purnell. ¿El seudónimo tras el cuál se esconde otra celebridad tal vez? Seguramente, aunque no encuentro ninguna información al respecto.

Con la confirmación del repertorio a interpretar, solo restaba comenzar a grabarlo y el lugar elegido para hacerlo fue el estudio del Fat Possum Records. La banda de apoyo incluyó, entre otros, a Rudy Copeland, el genial organista ciego de la iglesia de Burke, a Daniel Lanois (U2- Peter Gabriel) y al grupo de gospel The Blind Boys Of Alabama. Aunque parezca asombroso, las sesiones de grabación se completaron en tan sólo cuatro días. Mientras tanto, Solomon Burke hacía suyas canciones que escuchaba por primera vez en su vida... Otra prueba más del carácter excepcional de este disco. El resultado final es sublime, ni más ni menos. Un álbum de Soul tradicional, que, sustentado por una serie de composiciones extraordinarias y por la imponente voz de Solomon, tuvo destino de clásico desde el momento de su gestación. Mi preferida es la estremecedora "Flesh and Blood", aunque igual de sobresalientes son "Don't Give Up On Me", "Fast Train", "Soul Searchin'" y "The Judgment".

A partir de su regreso, Solomon Burke -sesenta y ocho años, más de doscientos kilos, padre de veintiún hijos. Solomon dixit: “Era joven y las chicas venían de todas las esquinas. No pude amar a todas, pero lo intenté”- editó tres álbumes más: "Make Do With What You Got" (2005), "Nashville" (2006) y "Like a Fire" (2008), todos sumamente recomendables.

Track List:
01. Don't Give Up on Me
02. Fast Train
03. Diamond in Your Mind
04. Flesh and Blood
05. Soul Searchin'
06. Only a Dream
07. The Judgment
08. Stepchild
09. The Other Side of the Coin
10. None of Us Are Free
11. Sit This One Out

Kelis - Kaleidoscope (1999)

2009-02-01T18:10:00.000-08:00

Apabullante. No se me ocurre otra palabra para definir a Kelis, una deidad (mitad mujer, mitad pantera), que debería tener el mundo a sus pies.
Su biografía dice que nació en Harlem en 1979. A los dieciséis años sus padres la echaron de su casa, y a los veinte editó "Kaleidoscope", su disco debut. Un tiempo antes había conocido a The Neptunes, quienes compusieron gran parte de las canciones del álbum y se encargaron de la producción del mismo. Aunque siempre pensé que las virtudes de The Neptunes son demasiado sobrevaloradas por la prensa, la labor que realizaron en este Lp es irrebatible. Su mezcla de Hip Hop, R&B y Soul es tan innovadora como contundente, allanando el camino para que una sensual Kelis despierte los más bajos instintos con su magnífica voz. "Good Stuff" y "Caught Out There" fueron los hits y "Suspended" la infaltable balada lasciva de un disco al que quizás se le deba objetar su excesivo minutaje. "Kaleidoscope" consiguió el beneplácito de la crítica y algún suceso en Europa, mientras que en su país natal pasó desapercibido.

"Wanderland" (2001) es el siguiente eslabón dentro de la discografía de Kelis. Nuevamente producido por The Neptunes, este disco no alcanzó la magnitud de su predecesor pero sirvió para confirmar que estábamos ante la presencia de una personalidad hechizante. Eso si, Estados Unidos continuó ignorándola, a tal punto que "Wanderland" solamente fue editado en Europa. "Tasty" (2003) es un gran álbum. Raphael Saadiq, Dallas Austin y André 3000 fueron algunos de los colaboradores con los que contó para concebir su trabajo más ecléctico, en donde se destacan "Trick Me", "In Public", y el hit "Milkshake". "Kelis Was Here" (2006), en cambio, es un disco demasiado convencional para mi gusto, y nunca le preste mucha atención. De aquí solo rescato la hermosa "Lil Star" a dúo con Cee-Lo Green, el vocalista de Gnarls Barkley.

El año pasado Madonna recurrió a The Neptunes (junto a Timbaland) para "modernizar" su sonido, pero fracasó en el intento: "Hard Candy" sabe a cena recalentada. Por más que intente disimularlo a toda costa, Madonna está vieja y los trucos de The Neptunes ya no sorprenden a nadie. Mientras tanto, "Kaleidoscope" aún suena a futuro.

Track List:
01. Intro
02. Good Stuff
03. Caught Out There
04. Get Along with You
05. Mafia
06. Game Show
07. Suspended
08. Mars
09. Ghetto Children
10. I Want Your Love
11. No Turning Back
12. Roller Rink
13. In the Morning
14. Wouldn't You Agree

Suba - São Paolo Confessions (1999)

2009-01-25T07:16:00.000-08:00

"São Paolo Confessions" es uno de los mejores discos brasileños de los últimos años. Santiago Tadeo Cervera, de la Web Acid Jazz Hispano nos lo cuenta en este texto.

El primer tema de "São Paolo Confessions" es Tantos desejos (So many desires), el más convencional del álbum y, sin embargo, escuchadlo, veréis qué maravilla, que hipnótica atmósfera downtempo crea. La voz de la joven Cibelle (que por entonces tenía sólo 21 años, y que había descubierto el propio Suba) se complementa con la parte instrumental creando un todo de innegable magnetismo, uno de esos cortes que uno escucha atentamente hasta el final. Pues bien, si un tema como Tantos desejos (So many desires) es el peor del debut de Suba, aún siendo una preciosidad, imaginad lo bueno que tiene que ser el resto. Y es que "São Paolo Confessions" no es sólo de lo mejor que ha dado la música brasileña electrónica, sino que es uno de esos clásicos imprescindibles de la historia de la electrónica, uno de los que más decididamente han contribuido a la evolución de un estilo en constante peligro de estancamiento creativo. Ahora que escucho este álbum con la nueva perspectiva que da el paso del tiempo, no dejan de sorprenderme sus continuos aciertos, su osada concepción de la fusión de música tradicional brasileña y electrónica, de instrumentación real y modernos ritmos dance. Pocos son los grupos y artistas que desde entonces han tratado de fusionar una tradición musical con la electrónica que no sean deudores, en mayor o menor medida, más o menos directamente, de la obra de este visionario que fue Mitar Subotic aka Suba. Su influencia no hace sino acrecentarse con el paso de los años, así como su impacto en el oyente.

Para este álbum, Suba contó con la colaboración de la mencionada Cibelle (que ya ha emprendido su carrera en solitario), del maestro percusionista João Parahyba, de los vocalistas Katia B., Taciana, Joana Jones y Arnaldo Antunes, así como de los guitarristas Roberto Frejat, Edgar Scandurra y Andre Geraissatti, una pequeña formación que, bajo la batuta del yugoslavo (que interpreta el piano), crean unas melodías y acompañamientos con la gracia y frescura de la mejor música brasileña, aunque buena parte de esta frescura resida ya en sus inspiradas composiciones. A esto él añade (aunque esta palabra no es muy acertada porque eso es justamente lo que no es, un añadido, contrariamente a lo que sucede con muchas propuestas electrónicas) un uso magistral de las máquinas, de los samples, los loops y la programación. Gracias a Suba la acústica y la electrónica no son dos elementos separados a los que se obliga a unirse en el estudio, sino que van de la mano con la naturalidad y armonía de una pareja de enamorados.

Todos los temas de "São Paolo Confessions" son brillantes, no hay ni uno sólo que debiera haberse quedado en el estudio, todas son piezas de impecable factura de parecen querer gritarle al mundo cuan talentoso era quién las creó. Claro que eso no es impedimento para que dos de los cortes del álbum destaquen, porque ya pueden considerarse dos cumbres de la electrónica, dos producciones inmortales que nunca se dejarán de escuchar (al menos no mientras algunos humanos sigan naciendo con sensibilidad musical). El primero es A felicidade (Happiness), una reinterpretación en clave electrónica del clásico de Vinicius de Moraes y Tom Jobim, aunque prácticamente puede hablarse de una nueva composición, porque el tratamiento de Suba es lo opuesto a un remix, no es producción adicional, sino una reconstrucción (o, más precisamente, deconstrucción), desde cero, obteniendo así un nuevo tema que conserva el espíritu y la emotividad del original, pero a través de recursos y sonoridades bien distintas. El segundo es Samba do gringo paulista (Paulista gringo’s samba), composición de Suba, probablemente el más atrevido tema de samba que ha dado la historia reciente. Un instrumental predominantemente percusivo perfecto para cualquier situación, desde la agitación de un masificado club de baile a la tranquilidad de una puesta de sol mediterránea, tinto de verano en mano. Suba creó en São Paolo Confessions la banda sonora perfecta para la imagen de São Paolo que vemos en la carátula y, extrapolando, para la São Paolo menos turística, la que no tiene cabida en las postales. Imprescindible.

Santiago Tadeo Cervera

Track List:
01. Tantos desejos (So many desires)
02. Você gosta (I know what you like)
03. Na neblina (In the fog)
04. Segredo (Secret)
05. Antropofagos (Cannibals)
06. A felicidade (Happiness)
07. Um dia comun (A normal day)
08. Sereia (Mermaid)
09. Samba do gringo paulista (Paulista Gringo's Samba)
10. Abraço (Embrace)
11. Pecados de madrugada (Sins bifore dawn)
12. A noite sem fim (The endless night)

Alpha - Pepper (1998)

2009-01-21T15:54:00.001-08:00

A pesar de que posee virtudes innegables, "Come from Heaven"(1997), el aclamado debut de Alpha, nunca me sedujo demasiado. En ese disco, el dúo compuesto por Andy Jernks y Corin Dingley demuestra un gusto exquisito que se evidencia en los samples elegidos (de Michael Legrand, Herb Alpert y Burt Bacharach, entre otros) para ornamentar sus canciones, y en su talento para crear atmósferas evocativas. El problema es que, en lugar de melancolía, el exceso de climas abúlicos termina provocando aburrimiento... Con "Pepper", en cambio, sucede todo lo contrario.

"Pepper" no es un disco convencional, sino un EP que contiene remixes y rarezas. Las remezclas de las canciones aparecidas en "Come from Heaven" transfiguran su monotonía original pero no alteran su esencia, aún cuando adquieren ropajes tan disímiles como los del Jungle y el Hip Hop. El resultado de esta metamorfosis es fascinante, una demostración de que las miradas desprejuiciadas (en este caso, la de los remezcladores) son necesarias a la hora de enriquecer cualquier punto de vista. Los outtakes que completan el E.P son "Honey", una discreta aproximación al Drum & Bass, "Pepper" y "Over", canciones que reiteran el sonido característico de Alpha, aunque desde una perspectiva mucho más modesta que la empleada en su primer placa.

La discografía de Alpha continua con el flojo "The Impossible Thrill" (2001), con el que quizás sea el mejor disco de la banda, "Stargazing" (2003), y con el redundante "The Sky is Blue" (2007) en donde repiten todos sus tics.

Track List:
01. With (Underdog remix)
02. Hazeldub (More Rockers Peace And Love mix)
03. Honey
04. Sometime Later (Tim Simenon mix)
05. Slim (Underdog remix)
06. Firefly (Receiver mix)
07. Pepper (1995)
08. Over

Dimitri From Paris - Sacrebleu (1996)

2009-01-11T07:42:00.000-08:00

Si bien la mayoría de las etiquetas ideadas por la prensa inglesa suelen ser bastante arbitrarias, la de "French Touch" es incuestionable. Esta denominación fue concebida para englobar a una serie de músicos y DJs que, además de compartir su nacionalidad, tenían un claro denominador común: la adoración que profesaban por la música disco. Laurent Garnier, Bob Sinclar, Cassius, Daft Punk, Etienne de Crécy y Alex Gopher fueron algunos de los artistas que a mediados de los noventa comenzaron a publicar álbumes de house divertido e innovador, repleto de referencias a Cerrone y poseedor de un innegable toque francés. Dimitri From Paris fue otra de las figuras claves del French Touch, pero en su debut prefirió eludir las citas a la música disco -de la que es un avezado investigador- para combinar Lounge, Easy Listening, Exótica y una pizca de Jazz, géneros historicamente subestimados que durante esos años pasaban por un periodo de revalorización. "Nothing to Lose" -la única canción en la que hay una vocalista y no una voz sampleada- "Dirty Larry", "Free Ton Style" y "Une Very Stylish Fille" son algunos momentos destacados de un álbum dueño de una jovialidad tan superflua como sofisticada.

El suceso que Dimitri Yerasimos -nacido en Turquía, de padres griegos y radicado desde su infancia en París- obtuvo con "Sacrebleu" fue capitalizado en su faceta de DJ. Cumpliendo ese rol, dio muestras de su erudición en "A Night at the Playboy Mansion", "Disco Forever" y "Cocktail Disco", entre otras antologías. Dimitri retomo su actividad de músico en el 2003, cuando editó su segundo álbum, el ambicioso, aunque no tan entretenido, "Cruising Attitude".

Track List:
01. Prologue
02. Sacré français
03. Monsieur Dimitri joue du stylophone.
04. Nothing to lose
05. Un termède
06. Rêveries (edit)
07. Attente musicale
08. Dirty larry (edit)
09. Free tom style (edit)
10. Un terlude
11. Une very stylish fille
12. Un woman’s paradis
13. La rhythm et le cadence
14. Le moogy reggae
15. Encore un terlude
16. Un world mystériouse
17. Par un chemin différent
18. Nothing to lose (lounge instrumentale)
19. Épiloque/ Souvenirs de Paris

Sweetback - Sweetback (1996)

2008-12-29T18:12:00.001-08:00

Más allá de que mis últimas publicaciones responden a un estricto orden cronológico, nunca tuve la intención de postear "los mejores discos del 2008" ni nada por el estilo. De hecho, a este paso recién voy a publicar algo editado durante el 2008 en febrero... del 2010. Me temo que las listas de fin de año, que en algún momento me resultaban fascinantes, han perdido gran parte de su encanto. Hay demasiadas y son insoportablemente predecibles, y las que no lo son, terminan incluyendo álbumes intrascendentes en su afán por diferenciarse de las demás. Por supuesto, siempre hay excepciones y como todos los años, espero ansioso la publicación de las listas de Xavier y de Manuel, pero son solo eso, singularidades que hay que saludar.

Para continuar con mi recorrido por la década del noventa he elegido el debut de Sweetback.

Una vez finalizada la gira mundial en la que presentaron "Love Deluxe", y mientras Helen Folasade Adu optaba por desaparecer de la vida pública, los músicos de Sade decidieron darle vida a un nuevo proyecto. Stewart Matthewman (guitarra, saxo y programaciones), Andrew Hale (teclados) y Paul Denman (bajo) eran conscientes de que las comparaciones iban a ser lapidarias si intentaban reemplazar a su cantante, por ese motivo tomaron el ejemplo de Massive Attack e invitaron a distintos vocalistas para participar en su disco: Amel Larrieux de Groove Theory; Bahamadia que ese mismo año publicó "Kollage", producido por Guru y DJ Premier; Leroy Osbourne, habitual segunda voz de Sade que interpretó "Hope She'll Be Happier" de Bill Withers; y Maxwell, un músico cuyo debut había sido producido por Matthewman y que tuvo a su cargo "Softly Softly", la que no solo es mi preferida del álbum, sino también una de las grandes canciones de la década. "Sweetback" fue editado durante 1996 y sorprendió a los que esperaban encontrarse con un "Love Deluxe Parte 2". Lejos del esplendor de los trabajos de Sade, este es un disco desprovisto de simetría. Aún así, resulta sumamente atractivo desde su diversidad, y su elaborada combinación de Soul, Dub y Trip Hop proporciona un somnoliento bienestar.

A diferencia de lo que indica el lugar común, estoy convencido que hay muchos discos de Trip Hop que han envejecido de forma estupenda, y ese es el caso de "Sweetback", que, aunque sea tangencialmente, está ligado a dicho género.

Track List
01. Gaze
02. Softly Softly
03. Sensations
04. Au Natural
05. Arabesque
06. You Will Rise
07. Chord
08. Walk Of Ju
09. Hope She'll Be Happier
10. Come Dubbing
11. Cloud People
12. Powder

Sade - Love Deluxe (1992)

2008-12-17T16:49:00.000-08:00

Aunque parezca extraño, tiempo atrás era impensado que un artista mainstream no edite material nuevo durante el transcurso de cuatro años, ya que los directivos de los sellos discográficos pensaban que el que corría ese riesgo podía ser olvidado por un público siempre deseoso de novedades. Sade editó "Love Deluxe" cuatro años después que "Stronger Than Pride"(1988) y fue como si el tiempo no hubiese pasado. No solo obtuvo un suceso comercial similar al de sus anteriores producciones, sino que además demostró que su éxito trascendía el revival del smooth-jazz que había protagonizado a mediados de los ochenta. Toda una demostración de que el grupo tenía una carrera sustentable.

En lo estrictamente musical, "Love Deluxe" presenta una necesaria vuelta de tuerca al clásico sonido de la banda que en su trabajo anterior ya mostraba algunos signos de agotamiento. "No Ordinary Love" y "Cherish The Day" son las canciones que mejor definen este cambio, y, seguramente, son de las mejores de la década. Envolventes e hipnóticas, crean un clima de ensueño sostenido solamente por arreglos instrumentales mínimos y por la exquisita voz de Helen Folasade Adu. Por supuesto, también hubo cosas que continuaron igual en la banda liderada por la nigeriana: la elegancia, la delicadeza y la sensualidad eran las de siempre.

“Lovers Rock” (2000) y la grabación de la gira en donde presentaron ese trabajo, “Lovers Live” (2002) son, por ahora, sus últimos discos.

Track List:
01. No Ordinary Love
02. Feel No Pain
03. I Couldn’t Love You More
04. Like A Tatoo
05. Kiss Of Life
06. Cherish The Day
07. Pearls
08. Bullet Proof Soul
09. Mermaid

Pd: La discografía completa de Sade está disponible en el blog de Jossy

Terence Trent d'Arby - Introducing the Hardline According to Terence Trent d'Arby (1987)

2008-12-08T10:03:00.000-08:00

Es una constante leer la palabra fracaso asociada a la figura de Terence Trent D'Arby. Son habituales las reseñas que señalan el escaso suceso que alcanzó con su discografía posterior a "Introducing the Hardline According to...", ya que, según el canon, D'Arby tenía todo para convertirse en "el nuevo Michael Jackson" o en "el nuevo Prince". El problema comenzó con la edición de "Neither Fish or Flesh", su pretencioso segundo álbum, del que "solo" vendió dos millones de copias y con el que echó por la borda un futuro promisorio. Además, a partir del año 2001 pasó a llamarse Sananda Maitreya y, aparentemente, en el negocio de la música no hay peor fracaso que cambiarse de nombre...
Pocos son los que comprenden que, después de editar un disco de la excelencia de "Introducing the Hardline According to...", Terence Trent D'Arby no tuvo más nada por demostrar y prefirió desarrollar una personalidad propia, con sus luces y sombras, antes que tener una carrera "exitosa".

Ahora, ¿se justifica tanto alboroto por el debut de D'Arby?

Si, porque se trata de, nada más y nada menos, que el mejor disco Soul de los ochenta, una síntesis de veinticinco años de música negra en los que Terence encarna lo mejor de Sam Cooke, de Otis Redding, de Smokey Robinson (del que incluye una versión de "Who's Lovin' You"), de Bill Withers y de James Brown, tomando elementos de cada uno de ellos y resignificándolos bajo el influjo de su magnífica voz. El resultado, dicho está, es descollante. "If You Let Me Stay", "Wishing Well", "Dance Little Sister" y "Sign Your Name" fueron los hits, pero las once canciones del álbum son sobresalientes. Cabe agregar que los productores del disco fueron Martyn Ware (miembro fundador de Human League, líder de Heaven 17 y productor de la versión de "Let's Stay Togheter" que Tina Turner incluyó en "Private Dancer"), Howard Grey de quien se me complica aportar datos, y el propio D'Arby.

En 1989 publicó el polémico "Neither Fish or Flesh", un disco que nadie entendió, aunque incluye grandes momentos. A este le siguieron el genial "Symphony or Damn" (1993) y "Vibrator" (1995) los que recuperaron en parte el favor de la prensa. A pesar de eso, Terence Trent D'Arby nunca volvió a repetir el suceso de su primer placa, lo que no fue un impedimento para que continuara editando trabajos singulares como “Wild Card” (2001), "Angels & Vampires" (2002-2005) y "Nigor Mortis" (2007-2008), estos dos últimos publicados a través de su página web y bajo su nuevo nombre, Sananda Maitreya.

Track List:
01. If You All Get to Heaven
02. If You Let Me Stay
03. Wishing Well
04. I'll Never Turn My Back on You (Father's Words)
05. Dance Little Sister
06. Seven More Days
07. Let's Go Forward
08. Rain
09. Sign Your Name
10. As Yet Untitled
11. Who's Lovin' You

The Blow Monkeys - Animal Magic (1986)

2008-12-03T16:59:00.000-08:00

El "Blue-Eyed Soul" fue una de las peores cosas que le pasó a la música pop de los ochenta. Las bandas de este estilo estaban conformadas por chicos con pinta de galanes de telenovela, muy prolijos y afinados que, más allá del hit de ocasión solo ofrecían canciones descafeinadas. Lo paradójico es que no tenían nada, pero nada de Soul... Dentro de ese panorama The Blow Monkeys puede considerarse como la excepción que confirma la regla.

El grupo del escocés Dr. Robert (Bruce Robert Howard) había demostrado en "Limping for a Generation”(1984), su disco debut, que tenía un futuro promisorio. Seguramente los directivos de la RCA coincidieron con el pronostico, ya que para la grabación de "Animal Magic" (1986) pusieron a disposición de los Blow Monkeys y de Peter Wilson (habitual colaborador de Style Council y productor artístico del disco) una banda de apoyo de dieciséis músicos. Arreglos orquestales, vientos por doquier y lujosos coros fueron el marco para un álbum que parece estar protagonizado por una Big Band de los cincuenta y no por un grupo pop, ubicándose en las antípodas de, por ejemplo, la liviandad del Spandau Ballet de "True".

El disco comienza con la pegadiza "Digging Your Scene" y continúa con una serie de canciones impresionantes: "Animal Magic", "Wicked Ways", y mi preferida, la increíble "Sweet Murder" en donde colabora el toaster jamaiquino Eek-A-Mouse. La diversidad estilística es tal, que en el lado B del álbum hay lugar para el country de "Burn The Rich", para el doo-wop de "I Backed A Winner (In You)" y hasta para el extraño gospel de "Heaven Is a Place I'm Moving To". Sin lugar a dudas, "Animal Magic" trasciende el "Blue-Eyed Soul", y si no quedara otra opción que inscribirlo bajo alguna etiqueta, la de "Sophistipop" sería la más indicada. Eso si, aquí hablamos de pop sofisticado, pero con mucho Soul.

A partir de su siguiente disco, "She Was Only a Grocer's Daughter"(1987), la discografía de The Blow Monkeys transcurrió por carriles igual de estilizados, aunque mucho más previsibles.

Track List:
01. Digging Your Scene
02. Animal Magic
03. Wicked Ways
04. Sweet Murder
05. Aeroplane City Lovesong
06. Walking the Bluebeat
07. I Nearly Died Laughing
08. Don't Be Scared of Me
09. Burn the Rich
10. I Back a Winner (In You)
11. Forbidden Fruit
12. Heaven Is a Place I'm Moving To

Nile Rodgers - Adventures in The Land Of The Good Groove (1983)

2008-11-27T18:38:00.000-08:00

El 12 de Julio de 1979 se celebró la "Disco Demolition Night", organizada por el locutor radial Steve Dahl. Durante ese evento, el público asistente al estadio Comiskey Park de Chicago -en donde The White Sox, el equipo local, disputaba un partido de futbol americano- destruyó miles de LP's de música disco que había llevado especialmente para la ocasión. La ceremonia se llevó a cabo durante el entretiempo del partido y Steve Dahl detonó una caja repleta de vinilos en el medio del campo, lo que produjo un boquete que impidió la continuación del encuentro deportivo. La repercusión a nivel mundial que obtuvo este acontecimiento significó el principio del fin para la música disco. De pronto, las bandas como Chic dejaron de ser el epítome de lo cool para convertirse en grupos pasados de moda que había que ridiculizar. Lo cierto es que, independientemente de lo vergonzoso del movimiento "Disco Sucks!" y los vaivenes de la moda, la discografía de Chic perdió mucho de su encanto a partir de ese momento. "Real People"(1980), "Take It Off" (1981), “Tongue in Chic“ (1982) y “Believer” (1983) fueron discos desilusionantes de los que solo podían rescatarse un par de canciones. Antes de editar el último trabajo de la banda y después de producir el exitoso "Let's Dance" de David Bowie, Nile Rodgers publicó su primer LP como solista, en el que propuso un quiebre con su pasado reciente.

"Adventures in The Land Of The Good Groove" es un disco modesto, de nulas aspiraciones líricas (las letras de la canciones repiten cosas como "I wanna go to! (Wanna go to!) The land of! (The land of!) The good groove! (The good groove!!)" o "Poontang, Poontang, where you want it/ Slept all night with my hand on it/ Give me some of that yum yum/ Before I sleep tonight") aunque indispensable, por lo menos para mi que estoy convencido de que Nile Rodgers es el mejor guitarrista del mundo. Este es un álbum de funk urbano, minimalista y festivo que está compuesto por ocho canciones, siete de ellas irresistibles ejemplos de que Rodgers conocía como nadie la tierra del buen groove, y que una vez archivados los "clichés" de los que abusó en la última etapa de Chic, podía sonar creativo y actual como ningún otro. La canción restante -"My Love Song For You", cantada a dúo junto a Sarah Dash- es una balada exquisita, merecedora de integrar las mejores antologías del género. Por último, y como no podía ser de otra manera, la banda de apoyo estuvo compuesta por Bernard Edwards, Rob Sabino y Tony Thompson, más medidos que nunca, aunque deslumbrantes como siempre.

Nile Rodgers demostró con este disco que todavía tenía mucho funk para ofrecer, y que seguiría brillando durante los ochenta, aunque con un suceso mucho menor que el que obtuvo con Chic.

Track List:
01. The Land Of The Good Groove
02. Yum-Yum
03. Beet
04. Get Her Crazy
05. It's All In Your Hands
06. Rock Bottom
07. My Love Song For You
08. Most Down

The Gap Band - The Gap Band III (1980)

2008-11-24T17:50:00.000-08:00

Si, si ¡aquí es adonde viene "Quema Caucho Sobre Mi"!

Alguna vez, un amigo que vivió con intensidad las noches de principios de los ochenta, me contó que pocos momentos se acercaban tanto al éxtasis dentro de un boliche como el arranque de los motores que preanuncian el inicio de la canción... pero a no confundirse, que The Gap Band son mucho más que los interpretes de un éxito para las pistas de baile.

Los hermanos Charlie, Ronnie y Robert Wilson nacieron en Oklahoma y comenzaron su carrera en 1967 como Greenwood, Archer, and Pine Street Band. Este nombre fue elegido para homenajear tres calles de su barrio que habían sido el epicentro de graves enfrentamientos raciales. A principios de los 70's el nombre de la banda se abrevió a The G.A.P. Band, y a la hora de editar su debut "Magician's Holiday" (1974) ya eran The Gap Band. Durante todos esos años actuaron continuamente y esa experiencia les permitió desarrollar un sonido muy particular: lleno de matices, aunque contundente y accesible.

“The Gap Band III" (irónicamente, su quinto LP) es el mejor compendio de las virtudes del grupo. En este disco intercalan funk crudo con quiet storm, y en ambos estilos dejaron varias canciones para la posteridad. "Burn Rubber On Me" y "Humpin" son clásicos imperecederos, dos bombas repletas de groove que no han perdido ni un ápice de su atractivo original; por otra parte, las baladas "Yearning For Your Love" y "Nothin' Comes To Sleepers" se transformaron en un modelo a imitar en los años venideros por decenas de músicos de R&B.

Aunque se suele menospreciar a The Gap Band y en particular a este disco, su escucha es esencial para comprender gran parte de la música negra que se hizo durante la década del ochenta.

Track List:
01. When I Look In Your Eyes
02. Yearning For Your Love
03. Burn Rubber On Me (Why You Wanna Hurt Me)
04. Nothin' Comes to Sleepers
05. Are You Living
06. Sweet Caroline
07. Humpin'
08. The Way
09. Gash Gash Gash

Locksmith - Unlock The Funk 12" (1980)

2008-11-19T16:47:00.000-08:00

Como le comentaba al amigo Italoplayboy, Basement Jaxx utilizó un sample de "Far Beyond" en su "Red Alert", una de mis canciones favoritas de los noventa. A partir de conocer ese dato, me puse a investigar y descubrí a Locksmith y a "Unlock The Funk", su único disco.

En el LP predominan las canciones jazz-funk instrumentales, de impecable factura (a fines de los 70's Locksmith fue la banda de acompañamiento de Grover Washington Jr.) aunque irremediablemente aburridas. Me temo que los soporíferos exponentes nacionales del género han hecho mella en mi opinión, y que el jazz-funk nunca va a interesarme... Como sea, el motivo por el que elegí postear este 12” es que "Unlock The Funk" y "Far Beyond" son canciones desquiciadas, tan salvajes como las de cualquier banda callejera. Puro groove carnal (y matemático) que no merece ser ignorado por los amigos funk-adictos."Black Jack", en cambio, es una buena muestra de la faceta más jazzera del grupo.

Track List:

01. Unlock The Funk

02. Far Beyond

03. Black Jack

Lowrell - Lowrell (1979)

2008-11-12T16:51:00.001-08:00

¿Les ha pasado alguna vez que durante un espectáculo de magia han descubierto cuál es el truco que están haciendo sobre el escenario? Bueno, tan frustrante como eso es escuchar "Massive Classics - Volume One", una recopilación que incluye algunas de las canciones que Massive Attack sampleó en sus discos "Blue Lines" y "Protection". Para mí (fan acérrimo de la banda) fue realmente decepcionante descubrir que los Massive Attack no eran tan creativos como siempre había pensado. El tema es que en la mayoría de los casos lo único que hacían era utilizar fragmentos de canciones de otros músicos, a la que solo les agregaban una pista vocal nueva y listo, ya tenían "su" canción. Ese es el caso de "Lately” en el que toman un sample de "Mellow Mellow Right On" de Lowrell, la batería de "Joy" de Isaac Hayes, y sobre esa base añadieron un scratching y la imponente voz de Shara Nelson. Valido, por supuesto, aunque enterarme de lo básico del artificio haya significado todo un desengaño. Será que en los tiempos que corren se hace cada vez más difícil creer en la magia... A pesar de eso, escuchar "Massive Classics" tuvo su lado positivo, ya que ahí descubrí a Lowrell y también a algún otro grupo que próximamente tendrá su post en este blog.

La biografía de Lowrell Simon es muy breve: fue cantante de The Lost Generation (1970-1974) un grupo de mediano suceso de su Chicago natal. A partir de 1974 participó en un par de proyectos fallidos, hasta que en 1979 editó "Lowrell", su único trabajo como solista. "Lowrell" es una pequeña maravilla de smooth soul, lleno de ritmos funk y de grooves disco. La producción artística del álbum estuvo a cargo de Eugene Record de Chi-Lites, y es de una sofisticación extrema. El hit, por supuesto, es "Mellow Mellow Right On", una embriagadora melodía de más de diez minutos de duración, aunque el resto del disco mantiene el nivel y las cuatro canciones restantes son igual de adictivas.

Lamentablemente, este es la última placa editada por Lowrell Simon al día de la fecha.

Track List:
01. Out Of Breath
02. You're Playing Dirty
03. Overdose
04. Mellow Mellow Right On
05. Smooth And Wild

Marvin Gaye - Here, My Dear (1978)

2008-11-06T10:21:00.001-08:00

Pocos músicos tienen una discografía tan rica y llena de matices como Marvin Gaye. Su obra ha resistido el paso del tiempo, los cambiantes standards de calidad establecidos por la industria musical, e inclusive el contrapeso de haber tenido una descendencia poco afortunada -el siempre cínico Ian McCulloch dijo alguna vez que el problema con Marvin Gaye es que nos había dejado como herencia toda una prole de cantantes maricones-. Sus discos de los sesentas son pequeños ejercicios de estilo a lo Motown, llenos de hits y buen gusto. "What's Going On" (1971) es una obra mayor, un disco comprometido en sus planteos líricos e innovador en el aspecto musical. Que sea señalado como el mejor de la historia de la música pop seguramente es una exageración, aunque está fuera de toda discusión que marcó un antes y un después en la música Soul. "Let's Get It On" (1973) y "I Want You" (1976) se convirtieron en clásicos a pesar de ser totalmente opuestos a su antecesor: son discos sensuales y refinados, creados para glorificar al amor físico por sobre todas las cosas. Sin embargo, mi preferido es "Here, My Dear" (1978), un disco que fue editado originalmente con el formato de álbum doble, y que en el momento de su publicación sufrió un rechazo unánime.

La historia de "Here, My Dear" es fascinante. Marvin estaba casado con Anna Gordy (hermana de Berry Gordy Jr., el dueño de Motown) quien era diecisiete años mayor que él. En 1975, después de once años juntos, esta relación explotó debido a las reiteradas infidelidades de Gaye, quien ya tenía dos hijos junto a Janis Hunter. El divorcio era inevitable y se cerró fuera de los juzgados en 1977, cuando los abogados de Gaye se comprometieron a pagarle a Anna Gordy la suma de seiscientos mil dólares. Como el fisco perseguía a Marvin y este tenía confiscados sus ingresos, la única manera de conseguir el dinero adeudado era comprometiendo los ingresos a cobrar en concepto de adelanto y derechos de autor de un próximo disco. Lo primero que pasó por la cabeza de Marvin Gaye fue grabar un álbum mediocre para terminar con el trámite lo más rápidamente posible, aunque al poco tiempo cambió de opinión. Por resentimiento, por dolor o por inquietud artística, Marvin se encerró durante un año y compuso un disco que contaba el final de su matrimonio, exorcizando todo el enojo y la frustración que rodeaba a su divorcio.

Lo dicho, "Here, My Dear" fue considerado un fracaso en el momento de su edición, tanto por la prensa como por el público. ¿Cuales fueron los motivos? Bueno, para empezar, este disco no tenía nada que ver con el compromiso social ni con la exhuberancia compositiva de "What's Going On", tampoco con el clima lujurioso de "Let's Get It On" y mucho menos con la atmósfera festiva de la música disco que aún dominaba los rankings de R&B en 1978. Sin embargo, "Here, My Dear" es un álbum asombroso, una obra barroca de contenido desgarrador. Sin hits obvios (el simple fue "A Funky Space Reincarnation", cuya duración es de más de ocho minutos) ni canciones de relleno, Marvin Gaye ofrece su alma en una hora y trece minutos de doo-wop, smooth soul y funk (muy) contenido, y finalmente consigue encandilarnos con el opaco brillo de estos catorce mid-tempos cuyas letras retratan la desintegración de una pareja con una honestidad sin precedentes.

"Here, My Dear" es un álbum singular, de una belleza obscena si se quiere, pero que cumple hasta las últimas consecuencias con la cada vez más olvidada premisa de transformar la miseria en arte.

Especialmente dedicado a mis amigos Juanjo y Xavier, tan fans del disco como yo.

Track List:
01. Here, My Dear
02. I Met A Little Girl
03. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You
04. Anger
05. Is That Enough
06. Everybody Needs Love
07. Time To Get It Together
08. Sparrow
09. Anna's Song
10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (instrumental)
11. A Funky Space Reincarnation
12. You Can Leave, But It's Going To Cost You
13. Falling In Love Again
14. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (reprise)

William DeVaughn - Be Thankful for What You Got (1974)

2008-10-29T16:48:00.000-07:00

Siguiendo la línea de los posteos anteriores, este disco también tiene una historia muy particular. William DeVaughn trabajaba como empleado del gobierno estadounidense y solo se desempeñaba como músico en sus ratos libres. Un buen día, William decidió grabar una canción propia y pagó de su bolsillo los u$s 900 (o u$s 400, según la fuente) que costaba la sesión en los estudios Omega de Philadelphia. La canción era "Be Thankful for What You Got" y los músicos que participaron en la sesión fueron Norman "Mayor" Harris (guitarra), Ron Baker (bajo), Vince Montana (vibráfono), y Earl Young (batería). Ni mas ni menos que la base de MFSB, quizás el grupo más emblemático del Philly Sound, que editó once discos y sirvió de backing band en todas las producciones de Gamble & Huff. El dueño de Omega quedó maravillado por el resultado de la grabación y fichó a DeVaughn para grabar un Lp en el sello Roxbury Records.

"Be Thankful for What You Got" se editó como simple en 1974 y vendió cerca de dos millones de copias, transformándose en un clásico instantáneo. No era para menos, ya que estamos hablando de una canción hipnótica, dueña de un groove adictivo, y cuya letra dice cosas como esta:
"Though you may not drive a great big Cadillac
Gangsta whitewalls
TV antennas in the back
You may not have a car at all
But remember brothers and sisters
You can still stand tall"

El álbum, editado durante el mismo año, es un compendio de soul suave y refinado a lo Curtis Mayfield, su referente más importante. Aunque ninguna canción llega a la estatura de "Be Thankfull...", todas estuvieron a la altura de las circunstancias, redondeando un resultado impecable. La producción artística de este trabajo corrió por cuenta de John Davis y la banda de apoyo fue MFSB, esta vez al completo.

A pesar del suceso obtenido, DeVaughn (que era un Testigo de Jehová practicante) desapareció de la escena por un largo tiempo, aparentemente por motivos religiosos. Su siguiente disco, "Figures Can't Calculate", recién se publicó en 1980 y pasó completamente desapercibido, con la única excepción de una remake de "Be Thankfull...".

Sorpresivamente, William DeVaughn anunció para este año la edición de su tercer disco, llamado "Time Will Stand Still". Hay que estar atento a las letras que les va ha dedicar a los raperos actuales, que a diferencia de los "brothas" de los 70s ya no alardean sobre manejar grandes Cadillacs, sino sobre asuntos mucho más pesados...

Track List:
01. Give The Little Man A Great Big Hand
02. We Are His Children
03. Blood Is Thicker Than Water
04. Kiss And Make Up
05. Be Thankful For What You Got
06. Sing A Love Song
07. You Can Do It
08. Something's Being Done

Marie "Queenie" Lyons - "Soul Fever" (1970)

2008-10-23T18:47:00.000-07:00

Al vivir en Argentina uno pierde la perspectiva para determinar con certeza si determinados discos son "ocultos", “de culto" u "olvidados". Y mejor ni hablar de Soul, ya que en este caso todos los discos son desconocidos... De todas maneras, creo que no me equivoco si señalo que "Soul Fever" es un disco totalmente ignorado, inclusive para la mayoría de los fans del género.

La biografía de Marie "Queenie" Lyons no es demasiado interesante, y seguramente su historia debe ser muy parecida a la de cientos de músicos: después de hacer coros durante años para gente como King Curtis, Fats Domino, Jackie Wilson y James Brown, Marie consiguió un contrato para grabar su único álbum en Deluxe, una filial de King Records el sello por el que editaba "The Godfather". En 1970 publicó "Soul Fever", con el que no obtuvo ningún tipo de suceso y luego... desapareció del mapa. Una historia corta, vulgar, y que ni siquiera tiene un final conocido. La cuestión es que este disco está tan, pero tan bien, que tranquilamente podría haber sido uno de los mejores del año, de la década o del siglo en cualquier aburrida lista que enumera de memoria los mismos apellidos una y otra vez. Marie "Queenie" Lyons tiene (¿tenía?) una voz increíble, una actitud a prueba de balas, y un par de canciones que en un mundo más justo hubiesen sido número uno de todos los rankings. La tremenda versión de “Fever” y la inoxidable “See And Don't See” son evidencias irrefutables en este sentido.

"Soul Fever" es otra prueba más de que hay muchas historias que no nos contaron, y que en algunos casos como este, son tan interesantes como la historia oficial.

Track List:

01. See And Don't See

02. Daddy´s House

03. You Used Me

04. Your Thing Ain´t No Good Without My Thing

05. Snake In The Grass

06. Your Key Don´t Fit It Anymore

07. Fever

08. I Don´t Want Nobody To Have It But You

09. We´ll Cry Together

10. I´ll Drown In My Tears

11. I Want My Freedom

12. Try Me

Mavis Staples - Only for the Lonely (1970)

2008-10-16T19:15:00.000-07:00

Mavis Staples es conocida por haber sido la voz principal de The Staple Singers, el grupo familiar de gospel que brilló durante treinta años, y al que pronto le dedicaré un post. En cambio, su trayectoria como solista es (fue siempre, en realidad) ignorada por los medios. Si bien esta indiferencia, de alguna manera, se justifica por los altibajos que sufrió su carrera, "Only for the Lonely" merece que le prestemos una especial atención, la misma que se le concede a las joyas más preciadas.

Este fue el único disco que Mavis editó por Stax, el sello en el que The Staple Singers grabaron sus clásicos, ya que su debut había sido lanzado por Volt, una subsidiaria. Curiosamente, y con la excepción de un par de canciones, no fue grabado en los míticos estudios del sello sino en el United de Detroit, propiedad de quién fuera el productor del álbum: Don Davis. El trabajo de Davis fue destacado ya que creó un sonido lujoso y lleno de matices, totalmente distinto al que uno suele asociar con Stax, aunque igual de intenso. Esto, sumado a un repertorio sabiamente elegido, permitió el lucimiento de la monumental voz de Mavis, redondeando así un disco admirable.

Después de los problemas editoriales que tuvo con Stax, Mavis Staples se olvidó de su carrera solista hasta "A Piece Of The Action" (1977) en donde obtuvo un pequeño suceso de la mano de Curtis Mayfield. De todas maneras, su discografía nunca tuvo un momento tan brillante como "Only for the Lonely", por lo menos hasta "We'll Never Turn Back" el disco que editó el año pasado junto a Ry Cooder, y que fue uno de los mejores trabajos del 2007.

Track List:

01. I Have Learned to Do Without You

02. How Many Times

03. Endlessly

04. You're the Fool

05. Since I Fell for You

06. What Happened to the Real Me

07. Since You Became a Part of My Life

08. It Makes Me Wanna Cry

09. Don't Change Me Now

Bonus tracks:

10. Security *

11. Son of a Preacher Man *

12. You Send Me *

13. House Is Not a Home *

14. That's the Way Love Is (with Johnnie Taylor) *

Ella Fitzgerald - Ella (1969)

2008-10-08T16:04:00.000-07:00

"Ella", al igual que "My Way" de Frank Sinatra, es el resultado de la búsqueda de Ella Fitzgerald por actualizar su repertorio. No fue casual que ambos discos hayan sido editados durante el mismo año, y por Reprise, el mismo sello grabador. Esta fue la primera vez en la que Lady Ella tuvo la oportunidad de testear su voz en canciones pop, sorprendiendo a los que estaban acostumbrados a sus maravillosas versiones de standards. Sinatra, mientras tanto, estaba atravesando por la etapa más importante de su carrera -sus discos junto a Count Basie, Duke Ellington, Jobim, "Strangers in the Night" y "Watertown" son hitos incuestionables- y experimentaba con nuevos estilos en cada nuevo disco. A pesar de esto, fue la Fitzgerald quién optó por el repertorio más arriesgado a la hora de incursionar en este nuevo formato. En "Ella" se incluyeron canciones de songwriters provenientes del soul, como Smokey Robinson y la dupla Cropper-Floyd, pero también de Randy Newman, Harry Nilsson, Bacharach-David, George Harrison y de Paul McCartney -o si prefieren, de Lennon- McCartney- la única coincidencia con el disco de Sinatra.

En su momento, "Ella" fue ignorado por el público y menospreciado por la crítica. Quizás ese sea el motivo por el siempre haya sido tan difícil de ubicar, inclusive en estos días en los que abundan las reediciones de material de toda índole. De todas formas, la búsqueda de este disco se ve plenamente recompensada con solo escuchar canciones como "Get Ready", donde Ella demuestra la gran influencia que tuvo en el soul, o "Got to Get You into My Life", que si bien mantiene mucho de su espíritu original, cobra un nuevo sentido en la imponente interpretación de esta prodigiosa dama.

En resumen, "Ella" es una oportunidad única de escuchar a una de las grandes vocalistas del siglo XX interpretando una colección de canciones totalmente alejadas de su estilo habitual, aunque de lo más que entretenida.

Track List:
01 Get Ready
02 The Hunter Gets Captured by the Game
03 Yellow Man
04 I'll Never Fall in Love Again
05 Got to Get You into My Life
06 I Wonder Why
07 Ooo Baby Baby
08 Savoy Truffle
09 Open Your Window
10 Knock on Wood

Ella Fitzgerald & Louis Armstrong - Porgy & Bess (1957)

2008-09-23T11:04:00.000-07:00

De las innumerables adaptaciones que se hicieron de esta ópera, ninguna es tan emocionante como la que protagonizaron Ella Fitzgerald y Louis Armstrong (atención que esta lista incluye una versión realizada por Miles Davis junto a Gil Evans). En este, el tercer y último disco que la Fitzgerald y el gran Satchmo grabaron juntos (los anteriores fueron "Ella and Louis" de 1956 y "Ella and Louis Again" de 1957) se retrató como nunca antes la tragedia de Porgy and Bess, logrando momentos inolvidables como los alcanzados en la increíble versión de "Summertime".

Recurro a mi amigo Paco Miguel para que nos cuente sobre la ópera, del mismo modo que lo hice la primera vez que posteé un disco de Ella interpretando a George Gershwin. Paco es un gran conocedor de la vida y obra de este compositor, y esto es lo que nos cuenta sobre "Porgy and Bess".

PORGY AND BESS, LA ÓPERA QUE NO PARECE ÓPERA

George Gershwin se llamaba realmente Jacob Gershovitz. Sus padres eran rusos y judíos. Él era blanco y nació en Brooklyn, Nueva York. A pesar de todo eso, pasó a la historia como el compositor que mejor describió el ambiente de los trabajadores negros del sur; la Gran Ópera Americana: “Porgy and Bess”.
“Porgy and Bess” és una ópera, pero no lo parece. La crítica la llamó “ópera folk”, quizá por decir algo. En escena, todos los personajes son negros. Es difícil de representar, técnicamente muy dura, pero muy cercana visualmente al teatro musical. Está llena de estereotipos raciales que hoy son absolutamente incorrectos. Con todo, no existe una ópera que haya tenido una influencia mayor sobre la música popular de su tiempo y el nuestro.
El libreto de “Porgy and Bess” parte de la novela y obra teatral “Porgy”, de DuBose Heyward. El propio Heyward ayudará a Ira Gershwin, el siempre efectivo hermano de George, a transformarla en versos musicados. No habla del pasado ni de lugares lejanos: transcurre en los años 20, en Catfish Row, un sucio asentamiento negro cercano a Charleston (Carolina del Sur). Allí Porgy, un negro mutilado, intentará salvar a Bess, una prostituta, de las garras de Crown, el chulo, y Sportin’ Life, el vendendor de drogas.
¿Qué otro compositor de raíz clásica se enfrentaría a este planteamiento? El Gershwin de “Porgy and Bess” es el genio absolutamente desacomplejado: combina las técnicas orquestales europeas con los ritmos del Folk. Para 1935, Gershwin ya ha viajado a Europa a aprender de Ravel, y Prokofiev, ya ha modelado el jazz en forma de Rapsodias y Conciertos para piano. Y eso sin haber renunciado a su formación en el vodevil del Tin Pan Alley. Musicalmente, al Gershwin de Porgy and Bess ya nada le es extraño: está perfectamente a punto para su obra más magistral.
Así, manteniendo una rectitud técnica fuera de toda duda, Gershwin remoja el libreto en blues y en jazz. Hay rigidez en la composición pero libertad absoluta en los temas y los ritmos. La ópera resultante consiste en bellas canciones individuales y nutridas escenas corales, conectadas por diálogos y textos recitados. La pasión alcanza al público: algunas de las canciones se convierten en éxitos instantáneos; "Summertime", "I Got Plenty O’ Nuttin" y "It Aint Necessarily So".
La obra se estrena en septiembre de 1935 en Boston; es recibida con entusiasmo por el público y los críticos. El propio Gershwin se había involucrado personalmente en la producción y en la búsqueda de los actores. Con algunos cambios, se representa en Nueva York el 10 de octubre de 1935. Hubo sólo 124 funciones de “Porgy and Bess” en Broadway y sólo varios años más tarde se pudo recuperar el dinero invertido. Durante décadas, la ópera tuvo más éxito en Europa que en Estados Unidos. En 1959 hubo una versión para cine, producida por Samuel Goldwyn y dirigida por Otto Preminger, que fue duramente criticada por racista.
George Gershwin siempre consideró “Porgy and Bess” como su obra maestra. Dos años después del estreno, murió de un tumor cerebral. Fue poco antes de cumplir los 39 años.
Paco Miguel

Track List:
01. Porgy And Bess: Overture
02. Summertime
03. I Wants To Stay Here
04. My Man's Gone Now
05. I Got Plenty O' Nuttin'
06. Buzzard Song
07. Bess You Is My Woman Now
08. It Ain't Necessarily So
09. What You Want Wid Bess?
10. A Woman Is A Sometime Thing
11. Oh, Doctor Jesus
12. Porgy And Bess: Medley: Here Come De Honey Man / Crab Man / Oh, Dey's So Fresh And Fine
13. There's A Boat Dat's Leavin' Soon For New York
14. Bess, Oh Where's My Bess?
15. Oh Lawd, I'm On My Way

Nat "King" Cole - Unforgettable (live 1957)

2008-09-14T09:18:00.000-07:00

Esta hermosa versión de "Unforgettable" está tomada de "The Nat King Cole Show", el programa de TV que Nat "King" Cole condujo en la NBC. Este show se transmitió desde Noviembre de 1956 hasta Diciembre de 1957 y totalizó 64 emisiones. La dirección musical del show estuvo a cargo de Nelson Riddle (colaborador fundamental de, por ejemplo, Frank Sinatra) cuando las actuaciones eran filmadas en Hollywood, y de Gordon Jenkins (arreglista, entre otros, de Ella Fitzgerald, Judy Garland) cuando se filmaban en New York.
La trascendencia del show, independientemente de su calidad musical, fue significativa, ya que a finales de los 50's era inusual ver en la TV a un animador de color. Una prueba de esto fue que ninguna empresa se animó a sponsorear al programa, temerosas de la reacción que podía tener la segregacionista audiencia del Sur estadounidense. La primera temporada fue solventada por la NBC, que, teniendo en cuenta la indudable calidad del producto que emitía (en donde actuaron, por ejemplo, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Mel Torme, Mahailia Jackson, Sammy Davis, Jr., Tony Bennett y Harry Belafonte) pensaba que estaba haciendo una inversión a futuro. La segunda temporada tuvo que ser financiada por el propio Cole, ya que los anunciantes nunca aparecieron... Esta situación desencadeno la cancelación del show a fines de 1957.

Fuente consultada:Museum TV