Sweetback - Sweetback (1996)

Más allá de que mis últimas publicaciones responden a un estricto orden cronológico, nunca tuve la intención de postear "los mejores discos del 2008" ni nada por el estilo. De hecho, a este paso recién voy a publicar algo editado durante el 2008 en febrero... del 2010. Me temo que las listas de fin de año, que en algún momento me resultaban fascinantes, han perdido gran parte de su encanto. Hay demasiadas y son insoportablemente predecibles, y las que no lo son, terminan incluyendo álbumes intrascendentes en su afán por diferenciarse de las demás. Por supuesto, siempre hay excepciones y como todos los años, espero ansioso la publicación de las listas de Xavier y de Manuel, pero son solo eso, singularidades que hay que saludar.

Para continuar con mi recorrido por la década del noventa he elegido el debut de Sweetback.

Una vez finalizada la gira mundial en la que presentaron "Love Deluxe", y mientras Helen Folasade Adu optaba por desaparecer de la vida pública, los músicos de Sade decidieron darle vida a un nuevo proyecto. Stewart Matthewman (guitarra, saxo y programaciones), Andrew Hale (teclados) y Paul Denman (bajo) eran conscientes de que las comparaciones iban a ser lapidarias si intentaban reemplazar a su cantante, por ese motivo tomaron el ejemplo de Massive Attack e invitaron a distintos vocalistas para participar en su disco: Amel Larrieux de Groove Theory; Bahamadia que ese mismo año publicó "Kollage", producido por Guru y DJ Premier; Leroy Osbourne, habitual segunda voz de Sade que interpretó "Hope She'll Be Happier" de Bill Withers; y Maxwell, un músico cuyo debut había sido producido por Matthewman y que tuvo a su cargo "Softly Softly", la que no solo es mi preferida del álbum, sino también una de las grandes canciones de la década. "Sweetback" fue editado durante 1996 y sorprendió a los que esperaban encontrarse con un "Love Deluxe Parte 2". Lejos del esplendor de los trabajos de Sade, este es un disco desprovisto de simetría. Aún así, resulta sumamente atractivo desde su diversidad, y su elaborada combinación de Soul, Dub y Trip Hop proporciona un somnoliento bienestar.

A diferencia de lo que indica el lugar común, estoy convencido que hay muchos discos de Trip Hop que han envejecido de forma estupenda, y ese es el caso de "Sweetback", que, aunque sea tangencialmente, está ligado a dicho género.

Track List
01. Gaze
02. Softly Softly
03. Sensations
04. Au Natural
05. Arabesque
06. You Will Rise
07. Chord
08. Walk Of Ju
09. Hope She'll Be Happier
10. Come Dubbing
11. Cloud People
12. Powder

Sade - Love Deluxe (1992)

Aunque parezca extraño, tiempo atrás era impensado que un artista mainstream no edite material nuevo en el transcurso de cuatro años, ya que los directivos de los sellos discográficos pensaban que quien corría ese riesgo podía ser olvidado por un público siempre deseoso de novedades. Sade editó "Love Deluxe" cuatro años después que "Stronger Than Pride"(1988) y fue como si el tiempo no hubiese pasado. No solo obtuvo un suceso comercial similar al de sus anteriores producciones, sino que además demostró que su éxito trascendía el revival del smooth-jazz que había protagonizado a mediados de los ochenta. Toda una demostración de que el grupo tenía una carrera sustentable.

En lo estrictamente musical, "Love Deluxe" presenta una necesaria vuelta de tuerca al clásico sonido de la banda que en su trabajo anterior ya mostraba algunos signos de agotamiento. "No Ordinary Love" y "Cherish The Day" son las canciones que mejor definen este cambio, y, seguramente, son de las mejores de la década. Envolventes e hipnóticas, crean un clima de ensueño sostenido solamente por arreglos instrumentales mínimos y por la exquisita voz de Helen Folasade Adu. Por supuesto, también hubo cosas que continuaron igual en la banda liderada por la nigeriana: la elegancia, la delicadeza y la sensualidad eran las de siempre.

“Lovers Rock” (2000) y la grabación de la gira en donde presentaron ese trabajo, “Lovers Live” (2002) son, por ahora, sus últimos discos.

Track List:
01. No Ordinary Love
02. Feel No Pain
03. I Couldn’t Love You More
04. Like A Tatoo
05. Kiss Of Life
06. Cherish The Day
07. Pearls
08. Bullet Proof Soul
09. Mermaid

Pd: La discografía completa de Sade está disponible en el blog de Jossy

Terence Trent d'Arby - Introducing the Hardline According to Terence Trent d'Arby (1987)

Es una constante leer la palabra fracaso asociada a la figura de Terence Trent D'Arby. Son habituales las reseñas que señalan el escaso suceso que alcanzó con su discografía posterior a "Introducing the Hardline According to...", ya que, según el canon, D'Arby tenía todo para convertirse en "el nuevo Michael Jackson" o en "el nuevo Prince". El problema comenzó con la edición de "Neither Fish or Flesh", su pretencioso segundo álbum, del que "solo" vendió dos millones de copias y con el que echó por la borda un futuro promisorio. Además, a partir del año 2001 pasó a llamarse Sananda Maitreya y, aparentemente, en el negocio de la música no hay peor fracaso que cambiarse de nombre...
Pocos son los que comprenden que, después de editar un disco de la excelencia de "Introducing the Hardline According to...", Terence Trent D'Arby no tuvo más nada por demostrar y prefirió desarrollar una personalidad propia, con sus luces y sombras, antes que tener una carrera "exitosa".

Ahora, ¿se justifica tanto alboroto por el debut de D'Arby?

Si, porque se trata de, nada más y nada menos, que el mejor disco Soul de los ochenta, una síntesis de veinticinco años de música negra en los que Terence encarna lo mejor de Sam Cooke, de Otis Redding, de Smokey Robinson (del que incluye una versión de "Who's Lovin' You"), de Bill Withers y de James Brown, tomando elementos de cada uno de ellos y resignificándolos bajo el influjo de su magnífica voz. El resultado, dicho está, es descollante. "If You Let Me Stay", "Wishing Well", "Dance Little Sister" y "Sign Your Name" fueron los hits, pero las once canciones del álbum son sobresalientes. Cabe agregar que los productores del disco fueron Martyn Ware (miembro fundador de Human League, líder de Heaven 17 y productor de la versión de "Let's Stay Togheter" que Tina Turner incluyó en "Private Dancer"), Howard Grey de quien se me complica aportar datos, y el propio D'Arby.

En 1989 publicó el polémico "Neither Fish or Flesh", un disco que nadie entendió, aunque incluye grandes momentos. A este le siguieron el genial "Symphony or Damn" (1993) y "Vibrator" (1995) los que recuperaron en parte el favor de la prensa. A pesar de eso, Terence Trent D'Arby nunca volvió a repetir el suceso de su primer placa, lo que no fue un impedimento para que continuara editando trabajos singulares como “Wild Card” (2001), "Angels & Vampires" (2002-2005) y "Nigor Mortis" (2007-2008), estos dos últimos publicados a través de su página web y bajo su nuevo nombre, Sananda Maitreya.

Track List:
01. If You All Get to Heaven
02. If You Let Me Stay
03. Wishing Well
04. I'll Never Turn My Back on You (Father's Words)
05. Dance Little Sister
06. Seven More Days
07. Let's Go Forward
08. Rain
09. Sign Your Name
10. As Yet Untitled
11. Who's Lovin' You

The Blow Monkeys - Animal Magic (1986)

El "Blue-Eyed Soul" fue una de las peores cosas que le pasó a la música pop de los ochenta. Las bandas de este estilo estaban conformadas por chicos con pinta de galanes de telenovela, muy prolijos y afinados que, más allá del hit de ocasión solo ofrecían canciones descafeinadas. Lo paradójico es que no tenían nada, pero nada de Soul... Dentro de ese panorama The Blow Monkeys puede considerarse como la excepción que confirma la regla.

El grupo del escocés Dr. Robert (Bruce Robert Howard) había demostrado en "Limping for a Generation”(1984), su disco debut, que tenía un futuro promisorio. Seguramente los directivos de la RCA coincidieron con el pronostico, ya que para la grabación de "Animal Magic" (1986) pusieron a disposición de los Blow Monkeys y de Peter Wilson (habitual colaborador de Style Council y productor artístico del disco) una banda de apoyo de dieciséis músicos. Arreglos orquestales, vientos por doquier y lujosos coros fueron el marco para un álbum que parece estar protagonizado por una Big Band de los cincuenta y no por un grupo pop, ubicándose en las antípodas de, por ejemplo, la liviandad del Spandau Ballet de "True".

El disco comienza con la pegadiza "Digging Your Scene" y continúa con una serie de canciones impresionantes: "Animal Magic", "Wicked Ways", y mi preferida, la increíble "Sweet Murder" en donde colabora el toaster jamaiquino Eek-A-Mouse. La diversidad estilística es tal, que en el lado B del álbum hay lugar para el country de "Burn The Rich", para el doo-wop de "I Backed A Winner (In You)" y hasta para el extraño gospel de "Heaven Is a Place I'm Moving To". Sin lugar a dudas, "Animal Magic" trasciende el "Blue-Eyed Soul", y si no quedara otra opción que inscribirlo bajo alguna etiqueta, la de "Sophistipop" sería la más indicada. Eso si, aquí hablamos de pop sofisticado, pero con mucho Soul.

A partir de su siguiente disco, "She Was Only a Grocer's Daughter"(1987), la discografía de The Blow Monkeys transcurrió por carriles igual de estilizados, aunque mucho más previsibles.

Track List:
01. Digging Your Scene
02. Animal Magic
03. Wicked Ways
04. Sweet Murder
05. Aeroplane City Lovesong
06. Walking the Bluebeat
07. I Nearly Died Laughing
08. Don't Be Scared of Me
09. Burn the Rich
10. I Back a Winner (In You)
11. Forbidden Fruit
12. Heaven Is a Place I'm Moving To

Nile Rodgers - Adventures in The Land Of The Good Groove (1983)

El 12 de Julio de 1979 se celebró la "Disco Demolition Night", organizada por el locutor radial Steve Dahl. Durante ese evento, el público asistente al estadio Comiskey Park de Chicago -en donde The White Sox, el equipo local, disputaba un partido de futbol americano- destruyó miles de LP's de música disco que había llevado especialmente para la ocasión. La ceremonia se llevó a cabo durante el entretiempo del partido y Steve Dahl detonó una caja repleta de vinilos en el medio del campo, lo que produjo un boquete que impidió la continuación del encuentro deportivo. La repercusión a nivel mundial que obtuvo este acontecimiento significó el principio del fin para la música disco. De pronto, las bandas como Chic dejaron de ser el epítome de lo cool para convertirse en grupos pasados de moda que había que ridiculizar. Lo cierto es que, independientemente de lo vergonzoso del movimiento "Disco Sucks!" y los vaivenes de la moda, la discografía de Chic perdió mucho de su encanto a partir de ese momento. "Real People"(1980), "Take It Off" (1981), “Tongue in Chic“ (1982) y “Believer” (1983) fueron discos desilusionantes de los que solo podían rescatarse un par de canciones. Antes de editar el último trabajo de la banda y después de producir el exitoso "Let's Dance" de David Bowie, Nile Rodgers publicó su primer LP como solista, en el que propuso un quiebre con su pasado reciente.

"Adventures in The Land Of The Good Groove" es un disco modesto, de nulas aspiraciones líricas (las letras de la canciones repiten cosas como "I wanna go to! (Wanna go to!) The land of! (The land of!) The good groove! (The good groove!!)" o "Poontang, Poontang, where you want it/ Slept all night with my hand on it/ Give me some of that yum yum/ Before I sleep tonight") aunque indispensable, por lo menos para mi que estoy convencido de que Nile Rodgers es el mejor guitarrista del mundo. Este es un álbum de funk urbano, minimalista y festivo que está compuesto por ocho canciones, siete de ellas irresistibles ejemplos de que Rodgers conocía como nadie la tierra del buen groove, y que una vez archivados los "clichés" de los que abusó en la última etapa de Chic, podía sonar creativo y actual como ningún otro. La canción restante -"My Love Song For You", cantada a dúo junto a Sarah Dash- es una balada exquisita, merecedora de integrar las mejores antologías del género. Por último, y como no podía ser de otra manera, la banda de apoyo estuvo compuesta por Bernard Edwards, Rob Sabino y Tony Thompson, más medidos que nunca, aunque deslumbrantes como siempre.

Nile Rodgers demostró con este disco que todavía tenía mucho funk para ofrecer, y que seguiría brillando durante los ochenta, aunque con un suceso mucho menor que el que obtuvo con Chic.

Track List:
01. The Land Of The Good Groove
02. Yum-Yum
03. Beet
04. Get Her Crazy
05. It's All In Your Hands
06. Rock Bottom
07. My Love Song For You
08. Most Down

The Gap Band - The Gap Band III (1980)

Si, si ¡aquí es adonde viene "Quema Caucho Sobre Mi"!

Alguna vez, un amigo que vivió con intensidad las noches de principios de los ochenta, me contó que pocos momentos se acercaban tanto al éxtasis dentro de un boliche como el arranque de los motores que preanuncian el inicio de la canción... pero a no confundirse, que The Gap Band son mucho más que los interpretes de un éxito para las pistas de baile.

Los hermanos Charlie, Ronnie y Robert Wilson nacieron en Oklahoma y comenzaron su carrera en 1967 como Greenwood, Archer, and Pine Street Band. Este nombre fue elegido para homenajear tres calles de su barrio que habían sido el epicentro de graves enfrentamientos raciales. A principios de los 70's el nombre de la banda se abrevió a The G.A.P. Band, y a la hora de editar su debut "Magician's Holiday" (1974) ya eran The Gap Band. Durante todos esos años actuaron continuamente y esa experiencia les permitió desarrollar un sonido muy particular: lleno de matices, aunque contundente y accesible.

“The Gap Band III" (irónicamente, su quinto LP) es el mejor compendio de las virtudes del grupo. En este disco intercalan funk crudo con quiet storm, y en ambos estilos dejaron varias canciones para la posteridad. "Burn Rubber On Me" y "Humpin" son clásicos imperecederos, dos bombas repletas de groove que no han perdido ni un ápice de su atractivo original; por otra parte, las baladas "Yearning For Your Love" y "Nothin' Comes To Sleepers" se transformaron en un modelo a imitar en los años venideros por decenas de músicos de R&B.

Aunque se suele menospreciar a The Gap Band y en particular a este disco, su escucha es esencial para comprender gran parte de la música negra que se hizo durante la década del ochenta.

Track List:
01. When I Look In Your Eyes
02. Yearning For Your Love
03. Burn Rubber On Me (Why You Wanna Hurt Me)
04. Nothin' Comes to Sleepers
05. Are You Living
06. Sweet Caroline
07. Humpin'
08. The Way
09. Gash Gash Gash

Locksmith - Unlock The Funk 12" (1980)

Como le comentaba al amigo Italoplayboy, Basement Jaxx utilizó un sample de "Far Beyond" en su "Red Alert", una de mis canciones favoritas de los noventa. A partir de conocer ese dato, me puse a investigar y descubrí a Locksmith y a "Unlock The Funk", su único disco.

En el LP predominan las canciones jazz-funk instrumentales, de impecable factura (a fines de los 70's Locksmith fue la banda de acompañamiento de Grover Washington Jr.) aunque irremediablemente aburridas. Me temo que los soporíferos exponentes nacionales del género han hecho mella en mi opinión, y que el jazz-funk nunca va a interesarme... Como sea, el motivo por el que elegí postear este 12” es que "Unlock The Funk" y "Far Beyond" son canciones desquiciadas, tan salvajes como las de cualquier banda callejera. Puro groove carnal (y matemático) que no merece ser ignorado por los amigos funk-adictos."Black Jack", en cambio, es una buena muestra de la faceta más jazzera del grupo.

Track List:

01. Unlock The Funk

02. Far Beyond

03. Black Jack

Lowrell - Lowrell (1979)

¿Les ha pasado alguna vez que durante un espectáculo de magia han descubierto cuál es el truco que están haciendo sobre el escenario? Bueno, tan frustrante como eso es escuchar "Massive Classics - Volume One", una recopilación que incluye algunas de las canciones que Massive Attack sampleó en sus discos "Blue Lines" y "Protection". Para mí (fan acérrimo de la banda) fue realmente decepcionante descubrir que los Massive Attack no eran tan creativos como siempre había pensado. El tema es que en la mayoría de los casos lo único que hacían era utilizar fragmentos de canciones de otros músicos, a la que solo les agregaban una pista vocal nueva y listo, ya tenían "su" canción. Ese es el caso de "Lately” en el que toman un sample de "Mellow Mellow Right On" de Lowrell, la batería de "Joy" de Isaac Hayes, y sobre esa base añadieron un scratching y la imponente voz de Shara Nelson. Valido, por supuesto, aunque enterarme de lo básico del artificio haya significado todo un desengaño. Será que en los tiempos que corren se hace cada vez más difícil creer en la magia... A pesar de eso, escuchar "Massive Classics" tuvo su lado positivo, ya que ahí descubrí a Lowrell y también a algún otro grupo que próximamente tendrá su post en este blog.

La biografía de Lowrell Simon es muy breve: fue cantante de The Lost Generation (1970-1974) un grupo de mediano suceso de su Chicago natal. A partir de 1974 participó en un par de proyectos fallidos, hasta que en 1979 editó "Lowrell", su único trabajo como solista. "Lowrell" es una pequeña maravilla de smooth soul, lleno de ritmos funk y de grooves disco. La producción artística del álbum estuvo a cargo de Eugene Record de Chi-Lites, y es de una sofisticación extrema. El hit, por supuesto, es "Mellow Mellow Right On", una embriagadora melodía de más de diez minutos de duración, aunque el resto del disco mantiene el nivel y las cuatro canciones restantes son igual de adictivas.

Lamentablemente, este es la última placa editada por Lowrell Simon al día de la fecha.

Track List:
01. Out Of Breath
02. You're Playing Dirty
03. Overdose
04. Mellow Mellow Right On
05. Smooth And Wild

Marvin Gaye - Here, My Dear (1978)

Pocos músicos tienen una discografía tan rica y llena de matices como Marvin Gaye. Su obra ha resistido el paso del tiempo, los cambiantes standards de calidad establecidos por la industria musical, e inclusive el contrapeso de haber tenido una descendencia poco afortunada -el siempre cínico Ian McCulloch dijo alguna vez que el problema con Marvin Gaye es que nos había dejado como herencia toda una prole de cantantes maricones-. Sus discos de los sesentas son pequeños ejercicios de estilo a lo Motown, llenos de hits y buen gusto. "What's Going On" (1971) es una obra mayor, un disco comprometido en sus planteos líricos e innovador en el aspecto musical. Que sea señalado como el mejor de la historia de la música pop seguramente es una exageración, aunque está fuera de toda discusión que marcó un antes y un después en la música Soul. "Let's Get It On" (1973) y "I Want You" (1976) se convirtieron en clásicos a pesar de ser totalmente opuestos a su antecesor: son discos sensuales y refinados, creados para glorificar al amor físico por sobre todas las cosas. Sin embargo, mi preferido es "Here, My Dear" (1978), un disco que fue editado originalmente con el formato de álbum doble, y que en el momento de su publicación sufrió un rechazo unánime.

La historia de "Here, My Dear" es fascinante. Marvin estaba casado con Anna Gordy (hermana de Berry Gordy Jr., el dueño de Motown) quien era diecisiete años mayor que él. En 1975, después de once años juntos, esta relación explotó debido a las reiteradas infidelidades de Gaye, quien ya tenía dos hijos junto a Janis Hunter. El divorcio era inevitable y se cerró fuera de los juzgados en 1977, cuando los abogados de Gaye se comprometieron a pagarle a Anna Gordy la suma de seiscientos mil dólares. Como el fisco perseguía a Marvin y este tenía confiscados sus ingresos, la única manera de conseguir el dinero adeudado era comprometiendo los ingresos a cobrar en concepto de adelanto y derechos de autor de un próximo disco. Lo primero que pasó por la cabeza de Marvin Gaye fue grabar un álbum mediocre para terminar con el trámite lo más rápidamente posible, aunque al poco tiempo cambió de opinión. Por resentimiento, por dolor o por inquietud artística, Marvin se encerró durante un año y compuso un disco que contaba el final de su matrimonio, exorcizando todo el enojo y la frustración que rodeaba a su divorcio.

Lo dicho, "Here, My Dear" fue considerado un fracaso en el momento de su edición, tanto por la prensa como por el público. ¿Cuales fueron los motivos? Bueno, para empezar, este disco no tenía nada que ver con el compromiso social ni con la exhuberancia compositiva de "What's Going On", tampoco con el clima lujurioso de "Let's Get It On" y mucho menos con la atmósfera festiva de la música disco que aún dominaba los rankings de R&B en 1978. Sin embargo, "Here, My Dear" es un álbum asombroso, una obra barroca de contenido desgarrador. Sin hits obvios (el simple fue "A Funky Space Reincarnation", cuya duración es de más de ocho minutos) ni canciones de relleno, Marvin Gaye ofrece su alma en una hora y trece minutos de doo-wop, smooth soul y funk (muy) contenido, y finalmente consigue encandilarnos con el opaco brillo de estos catorce mid-tempos cuyas letras retratan la desintegración de una pareja con una honestidad sin precedentes.

"Here, My Dear" es un álbum singular, de una belleza obscena si se quiere, pero que cumple hasta las últimas consecuencias con la cada vez más olvidada premisa de transformar la miseria en arte.

Especialmente dedicado a mis amigos Juanjo y Xavier, tan fans del disco como yo.

Track List:
01. Here, My Dear
02. I Met A Little Girl
03. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You
04. Anger
05. Is That Enough
06. Everybody Needs Love
07. Time To Get It Together
08. Sparrow
09. Anna's Song
10. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (instrumental)
11. A Funky Space Reincarnation
12. You Can Leave, But It's Going To Cost You
13. Falling In Love Again
14. When Did You Stop Loving Me, When Did I Stop Loving You (reprise)

William DeVaughn - Be Thankful for What You Got (1974)

Siguiendo la línea de los posteos anteriores, este disco también tiene una historia muy particular. William DeVaughn trabajaba como empleado del gobierno estadounidense y solo se desempeñaba como músico en sus ratos libres. Un buen día, William decidió grabar una canción propia y pagó de su bolsillo los u$s 900 (o u$s 400, según la fuente) que costaba la sesión en los estudios Omega de Philadelphia. La canción era "Be Thankful for What You Got" y los músicos que participaron en la sesión fueron Norman "Mayor" Harris (guitarra), Ron Baker (bajo), Vince Montana (vibráfono), y Earl Young (batería). Ni mas ni menos que la base de MFSB, quizás el grupo más emblemático del Philly Sound, que editó once discos y sirvió de backing band en todas las producciones de Gamble & Huff. El dueño de Omega quedó maravillado por el resultado de la grabación y fichó a DeVaughn para grabar un Lp en el sello Roxbury Records.

"Be Thankful for What You Got" se editó como simple en 1974 y vendió cerca de dos millones de copias, transformándose en un clásico instantáneo. No era para menos, ya que estamos hablando de una canción hipnótica, dueña de un groove adictivo, y cuya letra dice cosas como esta:
"Though you may not drive a great big Cadillac
Gangsta whitewalls
TV antennas in the back
You may not have a car at all
But remember brothers and sisters
You can still stand tall"

El álbum, editado durante el mismo año, es un compendio de soul suave y refinado a lo Curtis Mayfield, su referente más importante. Aunque ninguna canción llega a la estatura de "Be Thankfull...", todas estuvieron a la altura de las circunstancias, redondeando un resultado impecable. La producción artística de este trabajo corrió por cuenta de John Davis y la banda de apoyo fue MFSB, esta vez al completo.

A pesar del suceso obtenido, DeVaughn (que era un Testigo de Jehová practicante) desapareció de la escena por un largo tiempo, aparentemente por motivos religiosos. Su siguiente disco, "Figures Can't Calculate", recién se publicó en 1980 y pasó completamente desapercibido, con la única excepción de una remake de "Be Thankfull...".

Sorpresivamente, William DeVaughn anunció para este año la edición de su tercer disco, llamado "Time Will Stand Still". Hay que estar atento a las letras que les va ha dedicar a los raperos actuales, que a diferencia de los "brothas" de los 70s ya no alardean sobre manejar grandes Cadillacs, sino sobre asuntos mucho más pesados...

Track List:
01. Give The Little Man A Great Big Hand
02. We Are His Children
03. Blood Is Thicker Than Water
04. Kiss And Make Up
05. Be Thankful For What You Got
06. Sing A Love Song
07. You Can Do It
08. Something's Being Done

Marie "Queenie" Lyons - "Soul Fever" (1970)

Al vivir en Argentina uno pierde la perspectiva para determinar con certeza si determinados discos son "ocultos", “de culto" u "olvidados". Y mejor ni hablar de Soul, ya que en este caso todos los discos son desconocidos... De todas maneras, creo que no me equivoco si señalo que "Soul Fever" es un disco totalmente ignorado, inclusive para la mayoría de los fans del género.

La biografía de Marie "Queenie" Lyons no es demasiado interesante, y seguramente su historia debe ser muy parecida a la de cientos de músicos: después de hacer coros durante años para gente como King Curtis, Fats Domino, Jackie Wilson y James Brown, Marie consiguió un contrato para grabar su único álbum en Deluxe, una filial de King Records el sello por el que editaba "The Godfather". En 1970 publicó "Soul Fever", con el que no obtuvo ningún tipo de suceso y luego... desapareció del mapa. Una historia corta, vulgar, y que ni siquiera tiene un final conocido. La cuestión es que este disco está tan, pero tan bien, que tranquilamente podría haber sido uno de los mejores del año, de la década o del siglo en cualquier aburrida lista que enumera de memoria los mismos apellidos una y otra vez. Marie "Queenie" Lyons tiene (¿tenía?) una voz increíble, una actitud a prueba de balas, y un par de canciones que en un mundo más justo hubiesen sido número uno de todos los rankings. La tremenda versión de “Fever” y la inoxidable “See And Don't See” son evidencias irrefutables en este sentido.

"Soul Fever" es otra prueba más de que hay muchas historias que no nos contaron, y que en algunos casos como este, son tan interesantes como la historia oficial.

Track List:

01. See And Don't See

02. Daddy´s House

03. You Used Me

04. Your Thing Ain´t No Good Without My Thing

05. Snake In The Grass

06. Your Key Don´t Fit It Anymore

07. Fever

08. I Don´t Want Nobody To Have It But You

09. We´ll Cry Together

10. I´ll Drown In My Tears

11. I Want My Freedom

12. Try Me

Mavis Staples - Only for the Lonely (1970)

Mavis Staples es conocida por haber sido la voz principal de The Staple Singers, el grupo familiar de gospel que brilló durante treinta años, y al que pronto le dedicaré un post. En cambio, su trayectoria como solista es (fue siempre, en realidad) ignorada por los medios. Si bien esta indiferencia, de alguna manera, se justifica por los altibajos que sufrió su carrera, "Only for the Lonely" merece que le prestemos una especial atención, la misma que se le concede a las joyas más preciadas.

Este fue el único disco que Mavis editó por Stax, el sello en el que The Staple Singers grabaron sus clásicos, ya que su debut había sido lanzado por Volt, una subsidiaria. Curiosamente, y con la excepción de un par de canciones, no fue grabado en los míticos estudios del sello sino en el United de Detroit, propiedad de quién fuera el productor del álbum: Don Davis. El trabajo de Davis fue destacado ya que creó un sonido lujoso y lleno de matices, totalmente distinto al que uno suele asociar con Stax, aunque igual de intenso. Esto, sumado a un repertorio sabiamente elegido, permitió el lucimiento de la monumental voz de Mavis, redondeando así un disco admirable.

Después de los problemas editoriales que tuvo con Stax, Mavis Staples se olvidó de su carrera solista hasta "A Piece Of The Action" (1977) en donde obtuvo un pequeño suceso de la mano de Curtis Mayfield. De todas maneras, su discografía nunca tuvo un momento tan brillante como "Only for the Lonely", por lo menos hasta "We'll Never Turn Back" el disco que editó el año pasado junto a Ry Cooder, y que fue uno de los mejores trabajos del 2007.

Track List:

01. I Have Learned to Do Without You

02. How Many Times

03. Endlessly

04. You're the Fool

05. Since I Fell for You

06. What Happened to the Real Me

07. Since You Became a Part of My Life

08. It Makes Me Wanna Cry

09. Don't Change Me Now

Bonus tracks:

10. Security *

11. Son of a Preacher Man *

12. You Send Me *

13. House Is Not a Home *

14. That's the Way Love Is (with Johnnie Taylor) *

Ella Fitzgerald - Ella (1969)

"Ella", al igual que "My Way" de Frank Sinatra, es el resultado de la búsqueda de Ella Fitzgerald por actualizar su repertorio. No fue casual que ambos discos hayan sido editados durante el mismo año, y por Reprise, el mismo sello grabador. Esta fue la primera vez en la que Lady Ella tuvo la oportunidad de testear su voz en canciones pop, sorprendiendo a los que estaban acostumbrados a sus maravillosas versiones de standards. Sinatra, mientras tanto, estaba atravesando por la etapa más importante de su carrera -sus discos junto a Count Basie, Duke Ellington, Jobim, "Strangers in the Night" y "Watertown" son hitos incuestionables- y experimentaba con nuevos estilos en cada nuevo disco. A pesar de esto, fue la Fitzgerald quién optó por el repertorio más arriesgado a la hora de incursionar en este nuevo formato. En "Ella" se incluyeron canciones de songwriters provenientes del soul, como Smokey Robinson y la dupla Cropper-Floyd, pero también de Randy Newman, Harry Nilsson, Bacharach-David, George Harrison y de Paul McCartney -o si prefieren, de Lennon- McCartney- la única coincidencia con el disco de Sinatra.

En su momento, "Ella" fue ignorado por el público y menospreciado por la crítica. Quizás ese sea el motivo por el siempre haya sido tan difícil de ubicar, inclusive en estos días en los que abundan las reediciones de material de toda índole. De todas formas, la búsqueda de este disco se ve plenamente recompensada con solo escuchar canciones como "Get Ready", donde Ella demuestra la gran influencia que tuvo en el soul, o "Got to Get You into My Life", que si bien mantiene mucho de su espíritu original, cobra un nuevo sentido en la imponente interpretación de esta prodigiosa dama.

En resumen, "Ella" es una oportunidad única de escuchar a una de las grandes vocalistas del siglo XX interpretando una colección de canciones totalmente alejadas de su estilo habitual, aunque de lo más que entretenida.

 

Track List:
01 Get Ready
02 The Hunter Gets Captured by the Game
03 Yellow Man
04 I'll Never Fall in Love Again
05 Got to Get You into My Life
06 I Wonder Why
07 Ooo Baby Baby
08 Savoy Truffle
09 Open Your Window
10 Knock on Wood

Ella Fitzgerald & Louis Armstrong - Porgy & Bess (1957)

De las innumerables adaptaciones que se hicieron de esta ópera, ninguna es tan emocionante como la que protagonizaron Ella Fitzgerald y Louis Armstrong (atención que esta lista incluye una versión realizada por Miles Davis junto a Gil Evans). En este, el tercer y último disco que la Fitzgerald y el gran Satchmo grabaron juntos (los anteriores fueron "Ella and Louis" de 1956 y "Ella and Louis Again" de 1957) se retrató como nunca antes la tragedia de Porgy and Bess, logrando momentos inolvidables como los alcanzados en la increíble versión de "Summertime".

Recurro a mi amigo Paco Miguel para que nos cuente sobre la ópera, del mismo modo que lo hice la primera vez que posteé un disco de Ella interpretando a George Gershwin. Paco es un gran conocedor de la vida y obra de este compositor, y esto es lo que nos cuenta sobre "Porgy and Bess".

PORGY AND BESS, LA ÓPERA QUE NO PARECE ÓPERA
George Gershwin se llamaba realmente Jacob Gershovitz. Sus padres eran rusos y judíos. Él era blanco y nació en Brooklyn, Nueva York. A pesar de todo eso, pasó a la historia como el compositor que mejor describió el ambiente de los trabajadores negros del sur; la Gran Ópera Americana: “Porgy and Bess”.
“Porgy and Bess” és una ópera, pero no lo parece. La crítica la llamó “ópera folk”, quizá por decir algo. En escena, todos los personajes son negros. Es difícil de representar, técnicamente muy dura, pero muy cercana visualmente al teatro musical. Está llena de estereotipos raciales que hoy son absolutamente incorrectos. Con todo, no existe una ópera que haya tenido una influencia mayor sobre la música popular de su tiempo y el nuestro.
El libreto de “Porgy and Bess” parte de la novela y obra teatral “Porgy”, de DuBose Heyward. El propio Heyward ayudará a Ira Gershwin, el siempre efectivo hermano de George, a transformarla en versos musicados. No habla del pasado ni de lugares lejanos: transcurre en los años 20, en Catfish Row, un sucio asentamiento negro cercano a Charleston (Carolina del Sur). Allí Porgy, un negro mutilado, intentará salvar a Bess, una prostituta, de las garras de Crown, el chulo, y Sportin’ Life, el vendendor de drogas.
¿Qué otro compositor de raíz clásica se enfrentaría a este planteamiento? El Gershwin de “Porgy and Bess” es el genio absolutamente desacomplejado: combina las técnicas orquestales europeas con los ritmos del Folk. Para 1935, Gershwin ya ha viajado a Europa a aprender de Ravel, y Prokofiev, ya ha modelado el jazz en forma de Rapsodias y Conciertos para piano. Y eso sin haber renunciado a su formación en el vodevil del Tin Pan Alley. Musicalmente, al Gershwin de Porgy and Bess ya nada le es extraño: está perfectamente a punto para su obra más magistral.
Así, manteniendo una rectitud técnica fuera de toda duda, Gershwin remoja el libreto en blues y en jazz. Hay rigidez en la composición pero libertad absoluta en los temas y los ritmos. La ópera resultante consiste en bellas canciones individuales y nutridas escenas corales, conectadas por diálogos y textos recitados. La pasión alcanza al público: algunas de las canciones se convierten en éxitos instantáneos; "Summertime", "I Got Plenty O’ Nuttin" y "It Aint Necessarily So".
La obra se estrena en septiembre de 1935 en Boston; es recibida con entusiasmo por el público y los críticos. El propio Gershwin se había involucrado personalmente en la producción y en la búsqueda de los actores. Con algunos cambios, se representa en Nueva York el 10 de octubre de 1935. Hubo sólo 124 funciones de “Porgy and Bess” en Broadway y sólo varios años más tarde se pudo recuperar el dinero invertido. Durante décadas, la ópera tuvo más éxito en Europa que en Estados Unidos. En 1959 hubo una versión para cine, producida por Samuel Goldwyn y dirigida por Otto Preminger, que fue duramente criticada por racista.
George Gershwin siempre consideró “Porgy and Bess” como su obra maestra. Dos años después del estreno, murió de un tumor cerebral. Fue poco antes de cumplir los 39 años.
Paco Miguel

Track List:
01. Porgy And Bess: Overture
02. Summertime
03. I Wants To Stay Here
04. My Man's Gone Now
05. I Got Plenty O' Nuttin'
06. Buzzard Song
07. Bess You Is My Woman Now
08. It Ain't Necessarily So
09. What You Want Wid Bess?
10. A Woman Is A Sometime Thing
11. Oh, Doctor Jesus
12. Porgy And Bess: Medley: Here Come De Honey Man / Crab Man / Oh, Dey's So Fresh And Fine
13. There's A Boat Dat's Leavin' Soon For New York
14. Bess, Oh Where's My Bess?
15. Oh Lawd, I'm On My Way

Nat "King" Cole - Unforgettable (live 1957)

Esta hermosa versión de "Unforgettable" está tomada de "The Nat King Cole Show", el programa de TV que Nat "King" Cole condujo en la NBC. Este show se transmitió desde Noviembre de 1956 hasta Diciembre de 1957 y totalizó 64 emisiones. La dirección musical del show estuvo a cargo de Nelson Riddle (colaborador fundamental de, por ejemplo, Frank Sinatra) cuando las actuaciones eran filmadas en Hollywood, y de Gordon Jenkins (arreglista, entre otros, de Ella Fitzgerald, Judy Garland) cuando se filmaban en New York.
La trascendencia del show, independientemente de su calidad musical, fue significativa, ya que a finales de los 50's era inusual ver en la TV a un animador de color. Una prueba de esto fue que ninguna empresa se animó a sponsorear al programa, temerosas de la reacción que podía tener la segregacionista audiencia del Sur estadounidense. La primera temporada fue solventada por la NBC, que, teniendo en cuenta la indudable calidad del producto que emitía (en donde actuaron, por ejemplo, Ella Fitzgerald, Peggy Lee, Mel Torme, Mahailia Jackson, Sammy Davis, Jr., Tony Bennett y Harry Belafonte) pensaba que estaba haciendo una inversión a futuro. La segunda temporada tuvo que ser financiada por el propio Cole, ya que los anunciantes nunca aparecieron... Esta situación desencadeno la cancelación del show a fines de 1957.

Fuente consultada:Museum TV

Marvin Gaye - A Tribute to the Great Nat "King" Cole (1965)

La tremenda importancia que ostenta "What's Going On" (1971) nos hace perder de vista que Marvin Gaye editó nada menos que diecisiete discos durante la década del sesenta: doce como solista y cinco a dúo junto a figuras femeninas de Motown (uno con Mary Wells, otro con Kim Weston, y tres con la malograda Tammi Terrell). Si bien es probable que "That Stubborn Kinda Fellow" (1962) haya sido el trabajo más relevante de la primer etapa de su carrera, este tributo a Nat "King" Cole fue otro álbum destacado, no sólo porque fue el mejor de una serie de discos en los que Marvin Gaye se dedicó a versionar standards (los anteriores fueron "When I'm Alone I Cry" y "Hello Broadway", ambos de 1964), sino también por el especial significado que tuvo para Marvin homenajear a su gran héroe, que había fallecido a principios de año.

A sabiendas de que la particular impronta del enorme Nat "King" Cole era inimitable, Marvin Gaye decidió abordar la interpretación de sus canciones como un crooner a la vieja usanza, mucho más cercano al Frank Sinatra de los años cincuenta que al soulman que todos reconocemos. Asumiendo que la única finalidad que tuvo Marvin a la hora de grabar este disco fue la de ofrendar toda la admiración que sentía por su ídolo de la infancia, es comprensible que nunca haya querido excederse de un respetuoso medio tono. Aún así, aquí hay varios momentos emocionantes ("Nature Boy", "Too Young", "Unforgettable") y sorprendentes ("Calypso Blues").

Si bien "A Tribute to the Great..." es una obra menor, sirve tanto para descubrir una faceta poco conocida del gran Marvin Gaye, como para recordar al maravilloso Nat "King" Cole, y ese es el motivo por el que elegí postearlo.

Track List:
01. Nature Boy
02. Ramblin Rose
03. Too Young
04. Pretend
05. Straighten Up And Fly Right
06. Mona Lisa
07. Unforgettable
08. To The Ends Of The Earth
09. Sweet Lorraine
10. It's Only A Paper Moon
11. Send For Me
12. Calypso Blues

Scott Walker - Scott (1967)

Cuando Noel Scott Engel, tal su verdadero nombre, recibió a principios de 1965 una notificación del ejército de Estados Unidos para alistarse en sus fuerzas, huyó de su país natal para instalarse en Inglaterra. En 1967, una vez más, decidió huir. Esta vez fue del éxito que había alcanzado con el grupo que lideraba, The Walker Brothers -que de hermanos no tenían nada- para dar por finalizada su etapa como baladista pop y comenzar una singular carrera como solista. Durante ese año, Walker editó "Scott", su primer trabajo donde presentó todas las obsesiones que profundizaría en su obra posterior: letras existencialistas -influenciadas por Jean Paul Sartre y Albert Camus, autores que descubrió cuando llegó a Europa- una gran capacidad como arreglista, apropiación del repertorio y de gran parte de los tics de Jacques Brel -es imposible imaginar algo más fuera de lugar durante el psicodélico año 67, que un chico de 24 años interpretando canciones de Brelal frente de una orquesta- y sobretodo, una voz excepcional. Su discografía continuó con "Scott 2"(1968) "Scott 3" y "Scott 4"(1969). Esta tetralogía instaló a Walker como una figura de culto, lejos del suceso que había conseguido con su banda, pero admirado incondicionalmente por sus colegas. Un arquetipo del crooner oscuro y misterioso, que con el tiempo se transformó en una referencia ineludible para cantantes como David Bowie, David Sylvian, Marc Almond, Nick Cave, Stuart Staples, Neil Hannon, y Jarvis Cocker.

Durante los 70's Walker solo participó en un disco perdurable, y este fue "Nite Flights" de 1978. Este disco anómalo, fue el último que editaron unos Walker Brothers que habían regresado sin pena ni gloria en 1975, y contó con la particularidad de que solo las primeras 4 canciones fueron compuestas por Scott. Mientras que estas son fantásticas, y sin dudas, están a la altura de lo mejor de la década, las canciones restantes son absolutamente intrascendentes. A partir de la decepción que representó esta fallida reunión, Scott Walker prácticamente desapareció de la escena.

En los últimos 30 años solo editó 3 discos, que por la extrañeza de su naturaleza -intrincados, densos en el peor sentido de la palabra, tan personales como insoportables, y lo peor de todo, mortalmente aburridos- y por la inaccesibilidad de su interprete, han acrecentado la leyenda de Walker hasta limites insospechados. De esta manera, este músico se ha convertido en una especie de mito viviente, que ya no solamente goza del respeto de sus camaradas, sino del beneplácito de gran parte de la prensa. Por supuesto, yo me quedo con la primer parte de su carrera, donde Scott no necesitaba dar golpes bajos para deslumbrar.

Track List:
01. Mathilde
02. Montague Terrace (In Blue)
03. Angelica
04. The Lady Came From Baltimore
05. When Joanna Loved Me
06. My Death
07. The Big Hurt
08. Such A Small Love
09. You're Gonna Hear From Me
10. Through A Long And Sleepless Night
11. Always Coming Back To You
12. Amsterdam

The Divine Comedy - Casanova (1996)

Decir The Divine Comedy es decir Neil Hannon. Este irlandés nacido el 7 de Noviembre de 1970 es el líder y único miembro estable de The Divine Comedy desde sus comienzos, a finales de los ochenta. Estilista exquisito, Hannon transita por los caminos más refinados de la canción pop en su papel de crooner. Sus referentes más obvios son Jacques Brel, Scott Walker y Burt Bacharach, y en "Casanova", su cuarto disco, logra alcanzar la altura de estos. Para consiguir tamaña empresa, Neil desnuda sus influencias a la vista de todos, para reprocesarlas con tal inteligencia e ironía que el dramatismo de sus composiciones suena absolutamente creíble. El romanticismo exacerbado de sus letras, mientras tanto, resulta ingenioso antes que melodramático. A propósito de su lírica, Neil Hannon es un gran conocedor de la literatura clásica, lo que le permite manejar una narrativa repleta de guiños literarios de manera sutil y refinada.

La concreción de este album demandó 4 meses de composición y otros 8 agotadores meses de grabación. El resultado no hizo más que confirmar la superioridad de un Neil Hannon de tan solo 25 años sobre el resto de los songwriters de su generación. Lamentablemente, y a pesar del suceso que obtuvo su single "Something For The Weekend", "Casanova" no obtuvo el reconocimiento que se merecía, ya que ese año tanto el público como gran parte de la crítica se inclinaron por propuestas más... lineales. No nos olvidemos que el disco que acaparó el primer puesto en todas las listas británicas durante 1996 fue "Everything Must Go" de Manic Street Preachers.

Más allá de algunos altibajos, The Divine Comedy continua editando discos repletos de canciones maravillosas ("Absent Friends", del 2004, es genial) y conserva su status de banda de culto. Y quizás, después de todo, ese sea el lugar que mejor le sienta a este pequeño casanova.

Track List:
01. Something For The Weekend
02. Becoming More Like Alfie
03. Middle-Class Heroes
04. In & Out In Paris & London
05. Charge
06. Songs Of Love
07. The Frog Princess
08. A Woman Of The World
09. Through A Long & Sleepless Night
10. Theme From Casanova
11. The Dogs & The Horses

Joel Alme – The Queen's Corner (2008)

En estos tiempos de ediciones provisorias, no sorprende que "Leave Me Here" sea el primer track de "A Master of Ceremonies" en la mayoría de las copias que circulan por la red, cuando en realidad ni siquiera está incluida en el track list del disco... Bueno, entonces, ¿ de donde salió esta canción?

Del lado b de "The Queen's Corner", el primer single que publicó Joel Alme, y que protagoniza este posteo.

¿Por qué postear un simple?
Porque "Leave Me Here" es otra de las grandes canciones del año.
En esta oportunidad un contenido Alme, con la discreta compañía de unas breves pinceladas de cuerdas y percusiones, redondea una pieza de exquisita melancolía.

Track List:
01. The Queen's Corner
02. Leave Me Here

Joel Alme – A Master Of Ceremonies (2008)

La esperada reinauguración de 360º de Separación, el maravilloso site de Manuel Soleado, me ha obligado a salir de mi habitual letargo para postear "A Master of Ceremonies". Este disco, además de ser de lo que más he escuchado durante las últimas semanas, fue el elegido por Manuel para escribir su primer artículo después de un intervalo de dos meses. Durante este impasse, el Sr. Soleado estuvo trabajando para actualizar su blog y el resultado, por fin, está hoy a la vista de todos: 360º se ha convertido en un site integral, y visitarlo es ineludible para todos los interesados en conocer la actualidad de las vertientes más finas de la música pop.

Joel Alme debuta como solista con "A Master Of Ceremonies" (anteriormente había liderado la banda Spring in Paris, que publicó un disco en el 2004) añadiendo un nuevo eslabón a la cadena de crooners que comienza con Jacques Brel, continua con el primer Scott Walker, y que tiene en Neil Hannon (The Divine Comedy) a su exponente más destacado de los últimos años. De más esta decir que el post que escribió Manuel es impecable, por lo que solo voy a agregar un par de cosas a lo que ya ha sido dicho:
. A las influencias señaladas, yo le sumaría al omnipresente Phil Spector, cuyas enseñanzas a la hora de construir paredes de sonido fueron aplicadas con muy buen gusto por este novel intérprete.
. Por otra parte, comparto con Manuel la inquietud ante el exagerado dramatismo de nuestro protegido, y recomiendo omitir la visita a Youtube antes de escucharlo. Su innecesaria sobreactuación en el video "The Queen's Corner" puede condicionar vuestra opinión sobre un cantante que tiene muchas virtudes, y que además, cuenta con un futuro promisorio, siempre y cuando consiga contener su afectación.
Para finalizar, "The Queen's Corner" y "Always On My Mind" son dos de las mejores canciones del 2008. Recuérdenlo, porque no van a figurar en ninguna lista de fin de año...

Track List:

01. In Your Arms

02. The Queen's Corner

03. Always On My Mind

04. When The Moon Shakes

05. So Used To Be Saved

06. I Never Said I Was Brave

07. A Young Summer's Youth

08. The Seven Islands

09. Honestly