Astrud Gilberto - Astrud Gilberto with Turrentine (1971)

Tengo una curiosidad enorme por descifrar los mecanismos de la atracción. Entre otras cosas, me intriga saber porque siento una descarga de 220 volts cuando veo pasar a la morocha que vive a la vuelta de la esquina, a pesar de que me gustan las mujeres altas, rubias y caucásicas... Algo por el estilo me sucede con las cantantes: me atraen las dueñas de voces potentes, perfectamente afinadas como Ella Fitzgerald, y soy muy exigente al respecto. Sin embargo de vez en cuando aparece una vocalista como Astrud Gilberto, que, a pesar de tener una voz terrenal, posee tal magnetismo que me transporta al paraíso.

La discografía de Astrud Gilberto -hagamos un paréntesis sobre su participación en el clásico "Getz/Gilberto", cuya relevancia es enorme- en Verve Records es tan encantadora como insustancial, pero a partir de "Astrud Gilberto with Turrentine" (1971), sus álbumes adquieren un carácter singular. En su debut para CTI Records, el sello de Creed Taylor -productor de este disco- Astrud tuvo a su disposición una selección de músicos notables: Ron Carter (bajo), Airto Moreira (batería) y Toots Thielemans (armónica) son algunos de ellos. Obviamente, la participación de Stanley Turrentine (saxo) es protagónica; sin embargo, la figura clave del álbum es el genial Eumir Deodato (piano, arreglos). El resultado final es de una distinción difícil de igualar. Todo está dispusto -me olvidaba: el repertorio incluye canciones de Burt Bacharach/Hal David, Jorge Ben, Edu Lobo y Milton Nascimento- de forma impecable para que Astrud pretenda convencernos de que el paraíso queda a la vuelta de la esquina. Y lo mejor de todo es que lo consigue...

Track List:
01. Wanting Things
02. Mulher Rendeira (Brazilian Tapestry)
03. To a Flame
04. Solo El Fin (For All We Know)
05. Zazueira
06. Ponteio
07. Traveling Light
08. Vera Cruz
09. História de Amor (Love Story)
10. Where There's a Heartache (There Must Be a Heart)
Bonus
11. Just Be You
12. The Puppy Song
13. Polytechnical High

V. A. - Sounds From The Verve Hi-Fi (2001)

En el año 2001 el sello Verve Records convocó a Thievery Corporation para que realice una recopilación con sus canciones preferidas. El ofrecimiento no fue casual, recordemos que Thievery Corporation venía de editar "The Mirror Conspiracy"" su obra maestra, la cuál contiene innumerables citas -explícitas e implícitas- a la música de Verve. Jazz latino, lounge, bossa y samba son los géneros que el dúo incluye en "Sounds From The Verve Hi-Fi", un disco de canciones semidesconocidas que poco tiene que ver con las colecciones de clásicos que Verve editaría a partir del 2002 como complemento de la serie "Verve Remixed".

"Sounds From The Verve Hi-Fi" es un cofre colmado de revelaciones para los curiosos y también una excelente banda de sonido para todas las actividades placenteras imaginables. En esta pluralidad reside su encanto.

Track List:
01. Menina Flor - Stan Getz And Luiz Bonfa
02. Chove Chuva - Sergio Mendes & Brazil '66
03. Ogd (Road Song) - Jimmy Smith & Wes Montgomery
04. Hard Latin - Kenyon Hopkins
05. The Fakir - Cal Tjader with Lalo Schifrin
06. Something Else Again - Richie Havens
07. Light My Fire - Astrud Gilberto
08. Bala Com Bala - Elis Regina
09. Batacuda - Walter Wanderley
10. Samba Triste - Jackie And Roy
11. Cuchy Frito Man - Cal Tjader
12. Lisa - Willie Bobo
13. For Mods Only - Chico Hamilton
14. Escapade - The Wynton Kelly Trio
15. Do It The Heart Way - The Jazz Renegades

Nina Simone - I Put A Spell On You (1965)

Uno de los sucesos más importantes del año pasado fue el protagonizado por Susan Boyle, quien -Youtube mediante- le demostró al mundo que, a pesar de ser fea y desaliñada, podía cantar muy bien. Boyle prolongó su fama con la edición de "I Dreamed A Dream”, un álbum que va desde lo insustancial hasta lo insufrible y que lleva vendidas seis millones de copias. La apariencia de Boyle -humana, demasiado humana- se convirtió en el paradigma para un público al que solo lo atrae lo vulgar o lo extravagante y que aspira a alcanzar sus quince minutos de fama como sea, sin plantearse que, a diferencia de la oronda escocesa, ni siquiera puede cantar... Está claro que es muy poco lo que Susan Boyle y Nina Simone tienen en común. Si recurro a esta extraña asociación fue porque escuché "I Put A Spell On You" y me pregunté "¿cuantas personas comprarían un disco como este si fuera editado en el 2010?". Lo cierto es que Nina nunca fue una artista muy vendedora y, si bien llegó a publicar más de cuarenta álbumes, sus canciones rara vez ingresaron en un Top 40.

La biografía de Nina Simone -cuyo verdadero nombre era Eunice Kathleen Waymon- es bastante conocida. Comenzó cantando en la iglesia local y a los diecisiete años se mudo de su Tryon natal a Philadelphia para probar suerte como pianista y cantante de jazz. Dueña de un fraseo tan particular como versátil, poco a poco fue enriqueciendo su repertorio con folk, blues, gospel y soul. Todos los discos que editó durante la década del sesenta están repletos de clásicos y "I Put A Spell On You" no es la excepción. Además de la estupenda versión del tema homónimo, se destacan la increíble "Feeling Good" y una extraña "Ne Me Quitte Pas" -gracias Alejandro por la sugerencia- que me sirve de nexo entre Brel y lo que vendrá.

Más allá de sus virtudes artísticas, hay que destacar que Nina Simone fue una mujer con un compromiso social muy importante. Luchó incansablemente en contra del racismo y militó en el Movimiento por los Derechos Civiles. Ese activismo lo puso de manifiesto en el escenario, en sus actividades públicas, pero también en su vida privada. En estos tiempos en que los valores se han banalizado de tal manera que cualquier mamarracho puede vaciarlos de contenido para procurar su beneficio personal, es indispensable rescatar la entereza de una mujer como Nina Simone. Sobre su hondura emocional poco es lo que queda por agregar: su voz la manifiesta en cada canción.

Track List:
01. I Put A Spell On You
02. Tomorrow Is My Turn
03. Ne Me Quitte Pas
04. Marriage Is For Old Folks
05. July Tree
06. Gimme Some
07. Feeling Good
08. One September Day
09. Blues On Purpose
10. Beautiful Land
11. You’ve Got To Learn
12. Take Care Of Business

Scott Walker - Scott 2 (1968)

Angela Morley escribió los arreglos de cuerdas para los primeros discos solistas de Scott Walker. Cuatro décadas más tarde, Angela, una adorable anciana de ochenta y dos años, recordó frente a las cámaras de Stephen Kijak el asombro que sintió cuando vio por primera vez a Walker. Al abrir la puerta de la oficina de John Franz, el manager de Philips Records, se encontró con un joven sentado en el piso, rodeado de papeles desparramados, que rasgueaba su guitarra mientras tarareaba. De vez en cuando este se detenía y decía: "Aquí oigo a Sibelius", o "aquí oigo a Delius". Angela, por supuesto, no salía de su asombro... Esta anécdota –recordemos que en 1967 Scott era algo así como un popstar de solo veinticuatro años- ilustra la singularidad del protagonista de este post, y se encuentra en "Scott Walker: 30 Century Man", un documental que no deben dejar de ver.

En su momento les hablé de “Scott”, ahora es el turno de “Scott 2”(1968), su lógica continuación. Los covers de Jacques Brel (“Jackie”, “Next”, "The Girls and the Dogs") son una vez más la piedra fundamental del disco. Como el mismo Walker admite, la importancia de Brel en su carrera fue determinante. A cambio, hay que reconocer que Scott resignificó las composiciones del cantante belga con sus interpretaciones perfectas. Gavin Friday coincidió con este punto durante la filmación de "30 Century Man". Aunque, me temo, fue mucho más terminante que yo. Friday dijo lo siguiente: "Mucha gente cita a Brel entre sus influencias pero creo que subliminalmente se refieren a Scott. Brel era flamenco, digamos que babeaba al cantar, sudaba mientras que Scott tomó sus canciones y las cantó como un dios griego". "Scott 2" también incluye canciones de Henry Mancini ("Wait Until Dark") , David-Bacharach (“Windows of the World"), London-Black ("Best of Both Worlds") y composiciones propias (por ejemplo, la hermosa "Plastic Palace People") Todo el repertorio se ve unificado por una voz increíble y por una producción exquisita.

Con sus primeros cuatro discos, Scott Walker rubricó un manual de estilo que fue cumplido minuciosamente por crooners como Marc Almond, Jarvis Cocker y Neil Hannon. Su apostura y su aliento trágico fueron hitos que lo transformaron en un moderno Dorian Gray. En cambio sus últimos trabajos -"Climate of the Hunter" (1984), "Tilt" (1995) y "The Drift" (2006)- son retratos pérfidos que finalmente exhiben cada uno de sus pecados.

Track List:
01. Jackie
02. Best Of Both Worlds
03. Black Sheep Boy
04. The Amorous Humphrey Plugg
05. Next
06. The Girls From The Streets
07. Plastic Palace People
08. Wait Until Dark
09. The Girls And The Dogs
10. Windows Of The World
11. The Bridge
12. Come Next Spring

The Divine Comedy - A Short Album About Love (1997)

Entiendo que un álbum compuesto solo por siete canciones puede despertar pocas expectativas, pero la fastuosidad de "A Short Album About Love" excede su breve formato. Esta muestra de romanticismo exacerbado, de grandeza al mejor estilo Broadway, es mucho más que el capricho de un personaje extravagante: es una toma de posición frente a la vulgaridad cotidiana.

Debe haber sido complejo para The Divine Comedy continuar después de "Casanova". Quizás por eso decidieron hacerlo de la forma más espectacular posible y emprendieron una fuga hacia adelante rodeados por una orquesta de treinta integrantes. Lo que en manos de cualquier otro músico sería insoportable, adquiere ribetes gloriosos bajo la batuta de Neil Hannon, y nos maravilla, a pesar de que vislumbramos su impostura. Aquí el amor es el Alfa y el Omega, el principio y el fin; y el amor requiere majestuosidad, sin importar que esta sea fingida.

"A Short Album About Love" fue grabado en tan sólo dos días junto a la Brunel Ensemble y fue publicado el 10 de febrero de 1997, brindándole a sus fans la posibilidad de hacer un estupendo regalo para al Día de San Valentín. La edición que hoy les ofrezco incluye cuatro bonus tracks, entre los cuales se destaca la versión en vivo de “Make It Easy On Yourself” (Bacharach-David).

Track List:
01. In Pursuit Of Happiness
02. Everybody Knows (Except You)
03. Someone
04. If...
05. If I Were You (I'd Be Through With Me)
06. Timewatching
07. I'm All You Need
08. Motorway to Damascus*
09. Love Is Lighter Than Air*
10. Birds of Paradise Farm*
11. Make It Easy On Yourself*
* bonus tracks

Abraham Boba - La Educación (2009)

Hace un par de domingos le hice la pregunta correcta a las personas indicadas y gracias a eso conocí a David Cobas Pereiro, alias Abraham Boba. Cobas Pereiro es un cantante vigués cuyo curriculum incluye participaciones en Tedium, con quienes editó "Full-length portrait" (1997) y Belmonte, un dúo de música instrumental cuya discografía consta de dos actos: “Primer Acto (2001) y “Viajeométrico” (2003). Debutó como solista con “Abraham Baba” (2007), álbum en el que presentó su faceta de crooner. En esta nueva encarnación, Cobas Pereiro se muestra como un hacedor de canciones tan equidistante del rock clásico como de la experimentación vacua, demostrando que posee muchas numerosas condiciones para sobresalir: una voz grave cuya dicción elude los manierismos que tanto afectan a sus compatriotas, textos en los que invariablemente se hace presente la ironía y melodías que registran en sus formas ecos de cabaret, de la chanson francesa y de gente como Leonard Cohen o Nick Cave. "La Educación", editado en Abril de este año, es la culminación de los bosquejos que Cobas Pereiro había presentado en su debut. No solo ha madurado como compositor, también lo ha hecho como arreglista. Su incorporación a la backing band de Nacho Vega -en donde se desempeña como pianista- probablemente haya contribuido a este crecimiento. Como sea, su evolución es encomiable. El álbum posee una coherencia notable, a pesar de que sus canciones poseen una gran cantidad de matices: "La Educacíon", tan épica como certera; "Frío" y su doloroso intimismo y "Hay Estatuas Aquí", un country que se aparta de la melancolía, son mis preferidas.

Músico de culto en España y completo desconocido en Argentina, Abraham Boba reivindica un arquetipo -el de estilista de la canción- olvidado en ambos países. Solo por ese motivo merece vuestra atención.

Track List:
01. Capital
02. La Educación
03. Hagamos Algo Antes De Morir
04. Frío
05. Hay Estatuas Aquí
06. Juan y La Defensa
07. Caballo y Rey
08. Rita y La Guerra
09. La Vigilia
10. Siete Veces
11. Boletín De La Montaña

Benjamin Biolay - La Superbe (2009)

En lo que va del año se han publicado grandes álbumes, "La Superbe" quizás sea el más sorprendente de todos ellos. Mi amigo Carlos Gesualdo escribió una reseña para celebrarlo, y de esa manera confirmó que la línea de tiempo es flexible y está sujeta al cambio.

Uno de los personajes de Oscar Wilde decía que no cambiaría nada de Inglaterra excepto el clima, eso sería porque nunca estuvo en Sevilla en pleno mes de agosto. Yo dirá que no cambiaría nada de "La Superbe" excepto la portada. Benjamin Biolay, cantante, compositor, productor y actor (bien podría rodar la vida de Benicio del Toro), es considerado por la prensa francófona como el sucesor de Serge Gainsbourg y de la Chanson francesa. En lo particular, Gainsbourg no me ha llamado nunca la atención como lo ha hecho Biolay. Este "nouvelle enfant terrible" editó su primer álbum solista en 2001. Recibido con elogios y honores, ya había demostrado sus habilidades en "Jardin D´Hiver", canción que compuso junto a Karen Ann para el álbum de Henri Salvador en el 2000. Sin grandes dotes vocales, ha resuelto con inteligencia esta limitación agregando una manera personal de cantar. En un contexto menos interesante, se gloriaba de tener por suegro a Marcello Mastroianni y por suegra a la "toujours belle", Catherine Denueve.

Escuchar "La Superbe" en como descorchar un "Grand Vin de Château-Latour" y descubrir toda esa magnífica variedad de aromas conocidos y disfrutados en otros tiempos. En el transcurrir de la canciones, nos vamos encontrando con esos tintes de grandes músicos de intelectos privilegiados que hemos admirado a lo largo de nuestra vida, ahora procesados y decantados en las vasijas de la elegante y suntuosa bodega de monsieur Biolay. Una creación digna de las mejores cavas musicales y sin duda, uno de los mejores "varietales" cosecha 2009. Superbe!
Escrito por Carlo Gesualdo.
Track List:

Disc 1
01. La Superbe
02. 15 Aout
03. Padam
04. Miss Catastrophe
05. Ton Heritage
06. Si Tu Suis Mon Regard
07. Night Shop
08. Tu Es Mon Amour
09. Sans Viser Personne
10. La Toxicomanie
11. Brandt Rhapsodie

Disc 2
01. L'Espoir Fait Vivre
02. Prenons Le Large
03. Tout Ca Me Tourmente
04. Assez Parle De Moi
05. Buenos Aires
06. Rate
07. Lyon Presqu'Ile
08. Melancolique
09. Reviens Mon Amour
10. Jaloux De Tout
11. 15 Septembre

Frank Sinatra - Watertown (1970)

Algunos discos son tan excepcionales que debemos conocer hasta el último de sus detalles, investigar todo lo relacionado con su creación, su proceso de grabación y su edición para poder disfrutarlos plenamente. La singularidad de “Watertown” nos demanda ese tipo de análisis, pero a cambio, nuestro afán se ve recompensado con creces.

“Watertown” (1970) es el último de una serie de grandes álbumes que Frank Sinatra editó a partir de “Strangers In The Night” (1966). Repasemos: “Francis A. & Edward K” -junto a Duke Ellington- (1968), “Cycles” (1968), “My Way” (1968) y “A Man Alone” (1969). Para su realización Sinatra convocó a Bob Gaudio y Jake Holmes, dos músicos que han sido olvidados con el paso del tiempo. Tal vez algún memorioso recuerde que Gaudio fue el compositor de "Can't Take My Eyes Off You" (Frankie Valli) y "The Sun Ain't Gonna Shine Anymore" (The Walker Brothers) o que Holmes escribió "Dazed and Confused" (Led Zeppelin). Otros relacionaran estos nombres con The Four Seasons, una banda que vendió millones de discos durante la década del sesenta y que tuvo una discreta relevancia en el plano artístico, por lo menos hasta la edición de “Genuine Imitation Life Gazette” (1968), un sorprendente disco conceptual creado a partir de estructuras oblicuas y arreglos inesperados. Como imaginarán, fue un fracasó rotundo... sin embargo Sinatra lo escuchó y pensó que sería una buena idea ofrecerle a Gaudio que se haga cargo -junto a Holmes- de la composición y producción de su próximo álbum. Una curiosa anécdota relativa a este encuentro es rescatada por el blog Blogin' in the wind. Al igual que “Genuine Imitation Life Gazette”, "Watertown" es un álbum conceptual. Frank había visitado ese terreno en numerosas oportunidades -como para empezar a hablar con “In The Wee Small Hours” (1955) el primer disco de música pop concebido como una unidad sonora y no como una mera colección de singles- aunque esta vez fue más lejos que nunca. Una de las particularidades de "Watertown" es su sonido, tan equidistante de la obra anterior de Sinatra como de lo que se escuchaba en esos años en donde las orquestas solo se utilizaban en una psicodelia que poco a poco se convertía en sinfonismo. Carlos Callello -otro colaborador de los Four Seasons- y Joe Scott estuvieron a cargo de unos arreglos que, gracias a su gran bagaje de texturas, consiguen hacernos olvidar de la perfección formal con la que Nelson Riddle arropaba a Frank en sus trabajos anteriores. Otra de las características inusuales de este álbum, la más importante quizás, es la historia que narra: un hombre ha sido abandonado por su esposa y queda solo a cargo de sus dos pequeños hijos. Canción tras canción, el protagonista relata la crónica de su desamparo. En el lado A nos habla sobre Watertown, un pequeño pueblo en donde nada sucede excepto la lluvia (“Old Watertown/Everyone knows the perfect crime/killing time/and no one's going anywhere/livin's much too easy there). Cuenta como su mujer se fue y después de su adiós no hubo explosiones en el cielo ni se escucharon arreglos de cuerda. Detalla sus intentos por salir adelante a pesar de todo, las cartas que escribe para contarle como crecen sus hijos y termina confirmándonos que, a pesar de todo, volvería a enamorarse de ella (“If I live the past over/saw today from yesterday/I would be in love anyway/If I knew that you'd leave me/if I knew you wouldn't stay/I would be in love anyway”). En el lado B nos describe a Elizabeth, su esposa (“Dressed in dreams for me/you were what I wished to see”). Asegura que sabe lo que pasó y que va a olvidarlo para que todo vuelva a comenzar. Recibe –o imagina recibir- una carta en la que ella le anuncia su regreso, y concluye con “The Train”, en donde relata que va a la estación para recibirla, pero Elizabeth nunca baja del tren ("The passengers for Allentown are gone/the train is slowly moving on/But I can't see you any place/And I know for sure I'd recognize your face/And I know for sure I'd recognize your face"). El protagonista de "Watertown" se confunde con un Sinatra que se muestra vencido como nunca antes. Abandonado, perdido, desesperado. La maravillosa Sol García cree que esta historia es la representación del punto de débil de Frank: el trauma por el abandono de Ava Gardner. En cambio el blogger Francis @ tiene la inquietante teoría de que Elizabeth no abandonó a su marido, sino que en realidad falleció. “Lady Day”, una hermosa canción que pertenece a las sesiones de este disco pero recién vio la luz en "Sinatra & Company” -y fue añadida a "Watertown" a partir de su edición en CD- nos deja una frase que despierta sospechas: “...and died before the afternoon”. Si “Lady Day” fue un homenaje a Billie Holliday, o si fue el verdadero cierre para “Watertown” es algo que no tengo claro, aunque John Holmes, el letrista del álbum, jamás alentó la hipótesis de que Elizabeth haya muerto.

El disco fue un fracaso de ventas y Frank desistió de presentarlo en un especial de televisión, como había planeado originalmente. Un año más tarde, luego de la edición de “Sinatra & Company” -mitad refrito de su mágica unión con Jobim, mitad colección de descartes- un apesadumbrado Sinatra decidió retirarse del mundo de la música. Esta decisión fue provisoria, ya que retornó a los escenarios en 1973 con el exitoso “Ol’ Blue Eyes Is Back”. “Watertown” fue el cierre del periodo más personal de su carrera, en donde las heridas quedaron expuestas a la vista de todos, algo que nunca volvería a ocurrir.

Track List:
01. Watertown
02. Goodbye (She Quietly Says)
03. For A While
04. Michael & Peter
05. I Would Be In Love (Anyway)
06. Elizabeth
07. What A Funny Girl (You Used to Be)
08. What's Now Is Now
09. She Says
10. The Train
11. Lady Day (CD bonus track)

Chris Isaak - Heart Shaped World (1989)

Hace diez años la revista Inrockuptibles publicó un jugoso reportaje a Ian McCulloch. Entre otras cosas, este dijo que a partir del fallecimiento de Frank Sinatra podía pensar seriamente en entrar en la competencia por el título del mejor cantante del mundo. Agregó luego: "Sinatra y Elvis fueron los maestros absolutos. Más allá de ellos, no le temo a nadie. Los tipos como yo han vivido durante la mayor parte de sus vidas con el peso de esos padres sobre sus hombros, lo que no es demasiado agradable cuando uno tiene el mismo oficio. Así que, en lugar de sentirme huérfano, me sentí aliviado, finalmente libre. Las cosas serias pueden empezar." Me imagino que Chris Isaak sintió un alivio similar cuando falleció Roy Orbison a finales de 1988. Casualidad o no, al año siguiente editó "Heart Shaped World", su primer gran disco.

Chris Isaak nació en California el 26 de junio de 1956. Formó su primer grupo en 1980 y lo llamó Silvertone. Debutó discográficamente recién en 1985, con un álbum titulado "Silvertone" aunque a esta altura ya era solista. De la formación inicial de la banda solo permanecían James Calvin Wilsey (guitarra) y el productor Erik Jacobsen, quien colaboraría con Isaak hasta "Baja Sessions" (1996). "Silvertone" vendió solo doce mil placas pero David Lynch lo escuchó e incluyó dos de sus canciones en el soundtrack de "Blue Velvet". Aunque este parezca un dato menor, será un antecedente para un hecho que sería determinante en la carrera de Isaak. "Chris Isaak" (1986) pasó desapercibido como su antecesor a pesar de ser un trabajo mucho más logrado que aquel. Canciones como la orbinsoniana "Blue Hotel" y "Fade Away" fueron las semillas de un sonido que florecería en su próximo álbum. Con "Heart Shaped World" (1989) comenzaron las cosas serias. Isaak abandonó el papel de mero reciclador para, por fin, ponerse a la altura de sus padres: Elvis y Roy Orbison. ¿Suena exagerado? No lo es en absoluto. Potenció sus virtudes innatas -una voz profunda, realmente dotada y un carisma envidiable- con un songwriting perfecto, en donde conjugó baladas nocturnas, algo de rockabilly y mucho rock, redondeando un resultado notable. Chris Isaak es un "beautiful loser", un cronista de la melancolía que canta sobre amores perversos, romances fallidos y abandonos, y lo hace con conocimiento de causa. Sus lagrimas en "Blue Spanish Sky" son las mismas que pudo haber derramado Roy Orbison cuando cantó "Only The Lonely" y son las que hemos derramado nosotros al rememorar esa sensación perdida de que el tiempo nunca iba a poder alcanzarnos. Como señalé, la calidad del repertorio es magnífica. Mientras que "I'm Not Waiting" y "Forever Young" nos movilizan a partir de su frescura; "Kings Of The Highway", "Wicked Game", "Blue Spanish Sky" y "Nothing's Changed" nos cautivan por la profundidad de su evocación. En el otro extremo podemos ubicar a la extraña "In The Heat Of The Jungle", la única pieza que desentona en un disco que roza la perfección. Es imposible escribir sobre "Heart Shapped World" sin hacer algún comentario puntual sobre "Wicked Game". La canción fue lanzada como primer corte del álbum, y al igual que este, no obtuvo ningún tipo de suceso. Esto cambió cuando David Lynch la incluyó -junto a "Blue Spanish Sky"- en el soundtrack de "Wild At Heart" (1990). A partir de ese momento se convirtió en un hit mundial.

Después de un rutinario "San Francisco Days" (1993), Chris Isaak editó otro disco maravilloso: "Forever Blue" (1995) el que repasaré próximamente.

Track List:
01. Heart Shaped World
02. I'm Not Waiting
03. Don't Make Me Dream About You
04. Kings Of The Highway
05. Wicked Game
06. Blue Spanish Sky
07. Wrong To Love You
08. Forever Young
09. Nothing's Changed
10. In The Heat Of The Jungle
11. Diddley Daddy

Elvis Presley - Love Me Tender (1956)

V. A. - Best Of Rock 'n' Roll Love Songs (1994)

Mis compromisos laborales y algunos infortunios familiares me han mantenido lo suficientemente ocupado como para postergar los de por si esporádicos posteos de este blog, pero estimo que la espera -en el caso de que la haya habido- esta vez se verá plenamente recompensada. Hoy les traigo uno de mis discos preferidos: "Best Of Rock 'n' Roll Love Songs", una colección de hits que, además de rock & roll, también incluye doo wop, pop y soul. Su recorrido comienza a finales de los cincuenta y llega hasta mediados de los sesenta, una época que hemos idealizado por culpa de sus films y, sobretodo, por canciones tan hermosas como las que incluye esta recopilación.

"Best Of Rock 'n' Roll Love Songs" es un álbum imprescindible, a pesar de que su edición no contó con el aval de ningún lanzamiento mediático y que no está regido por un concepto muy rígido. Sin embargo, la belleza de su contenido le confiere una importancia similar -por lo menos en mi discoteca- a la de "Hitsville USA", "Back to Mono", "The Look of Love" y "The Brill Building Sound". Al igual que esos discos, "Best Of Rock 'n' Roll Love Songs" existe para confirmarnos que la buena música no tiene tiempo ni edad.

Track List:

Disc 1
01. Oh, Pretty Woman - Roy Orbison
02. True Love Ways - Buddy Holly
03. Breaking Up Is Hard To Do - Neil Sedaka
04. Lipstick On Yur Collar - Connie Francis
05. All I Have To Do Is Dream - Everly Brothers
06. Young Ones - Cliff Richard
07. 3 Steps To Heaven - Eddie Cochran
08. Will You Still Love Me Tomorrow - The Shirelles
09. Why Do Fools Fall In Love - Frankie Lymon
10. Crazy - Patsy Cline
11. Blue Velvet - Bobby Vinton
12. Diana - Paul Anka
13. Blue Moon - The Marcels
14. Blueberry Hill - Fats Domino
15. Then I Kissed Her - The Beach Boys
16. Tears On My Pillow - Little Anthony
17. Take Good Care Of My Baby - Bobby Vee
18. Love Letters - Ketty Lester
19. Sea of Love - Phill Phillips and the Twilights
20. Unchained Melody - Righteous Brothers

Disc 2
01. The Wanderer - Dion
02. Sealed With A Kiss - Brian Hyland
03. It's In His Kiss - Betty Everett
04. Smoke Gets In Your Eyes - The Platters
05. Poetry In Motion - Johnny Tillotson
06. Runaway - Del Shannon
07. Only The Lonely - Roy Orbison
08. Be Bop A Lula - Gene Vincent
09. Sweet Talking Guy - The Chiffons
10. Under The Moon Of Love - Curtis Lee
11. Something Gotta Hold Of My Heart - Gene Pitney
12. Venus - Frankie Avalon
13. Raining In My Heart - Buddy Holly
14. When Will I Be Loved - Everly Brothers
15. Stay - Maurice Williams & The Zodiacs
16. It's My Party - Lesley Gore
17. Rhythm Of The Train - The Cascades
18. It's Only Make Believe - Conway Twitty
19. I Only Have Eyes For You - Flamingoes
20. Halfway To Paradise - Billy Fury

Richard Hawley – Truelove's Gutter (2009)

Si algo le faltaba a Richard Hawley para confirmar que es uno de los músicos más importantes de la actualidad era editar un álbum como "Truelove's Gutter". Cuando muchos de sus colegas se replantean la conveniencia de seguir publicando discos y apuestan por vender canciones sueltas en iTunes, Hawley nos ofrece una obra compleja, llena de detalles, que requiere de muchas escuchas para poder apreciarla cabalmente. Todo un reto para nuestra raquítica capacidad de atención.

A pesar de que este es el disco más personal de Richard Hawley, al escucharlo aparecen claras referencias a Angelo Badalamenti y al omnipresente Roy Orbison, lo que nos remite a las canciones que David Lynch suele utilizar en los soundtracks de sus films. A diferencia del desasosiego que propone el cineasta, "Truelove's Gutter" nos transmite serenidad y la esperanza de que un futuro venturoso es posible. Porque, más allá de la melancolía, de la oscuridad presente desde la portada misma, una luz guía cada una de sus melodías.

Quizás "Truelove's Gutter" no alcance la perfección formal de "Coles Croner", aún así debe ser visto como un paso adelante en la evolución de Richard Hawley.

Track List:
01. As the Dawn Breaks
02. Open Up the Door
03. Ashes on the Fire
04. Remorse Code
05. Don’t Get Hung Up in Your Soul
06. Soldier On
07. For Your Lover Give Some Time
08. Don’t You Cry

Prefab Sprout - Let's Change The World With Music (2009)

A partir de la aparición de este Aleph llamado Internet tenemos un acceso ilimitado a decenas de discos que en tiempos pretéritos pasaron inadvertidos, y que suelen brindarnos muchas más novedades que cualquiera de los últimos lanzamientos que gozan del hype de NME o de Pitchfork. Como es comprensible, esto no se ve reflejado en ningún sitio. Ese es uno de los motivos que tengo para desestimar las listas de "los mejores discos del año", que un tiempo atrás me apasionaban. El caso de "Let's Change the World with Music" es muy particular, ya que acaba de ser publicado y seguramente va a contar con un lugar dentro de esas listas. Aunque parezca contradictorio, va a ser chocante que esto suceda ya que fue grabado hace diecisiete años. Que recién haya sido publicado durante el 2009 pone al descubierto una de las tantas iniquidades que comete la industria discográfica: el menosprecio permanente para con la mayoría de los músicos que la integran. Porque "Let's Change the World with Music", a pesar de su evidente grandeza, fue completamente ignorado por los directivos de Sony. La historia de este desprecio se conocía desde hace tiempo, ya que Paddy McAllon -a pesar de su habitual discreción- había mencionado el tema en algunas entrevistas, lo que recién descubrimos ahora es lo injusto que fue este maltrato.

Las canciones que componen "Let's Change the World with Music" fueron grabadas durante 1992 con la idea de que formen parte del sucesor de "Jordan, The Comeback" (1990). El demo presentado -el mismo material que escuchamos ahora, y que solo recibió un pequeño pulimento sonoro- no convenció a los directivos de Sony quienes decidieron archivarlo. Por lo tanto, la discografía de Prefab Sprout recién tuvo continuidad con “Andromeda Heights” (1997). Ocho años después de la edición de "The Gunman and Other Stories", el último trabajo de Prefab Sprout, y viendo los graves problemas de salud que sufre Paddy -tiene serios problemas en la vista y aparentemente está sordo de uno de sus oídos- Columbia-Sony finalmente se decidió a publicar el disco. "Let's Change the World with Music" fue escrito, interpretado y producido por Paddy McAloon en su propio estudio y fue mezclado por Calum Malcolm. Como es lógico, tiene muchos puntos de contacto con "Jordan" y con "Andromeda Heights". De hecho, hubiese sido un puente perfecto entre ambos discos. A pesar de eso, tiene una vigencia absoluta. Su actualidad está determinada por su belleza, una belleza deslumbrante que lo coloca a la altura de los grandes clásicos de la banda. Es injusto destacar alguna canción por sobre otra, ya que se trata de un conjunto óptimo, pero tengo la tentación de recomendar especialmente a "God Watch Over You", "Music is a Princess", "Falling in Love" y "Angel of Love", algunas de las gemas más exuberantes de ese genial hacedor de melodías que es Paddy McAloon, uno de los más grandes de la historia de la música pop.

Las paradojas del destino quieren que uno de los álbumes más hermosos de los últimos años haya sido concebido en 1992. Deberemos tomar este dato como una prueba más de la ceguera de una industria decadente que -afortunadamente- está viviendo sus últimos días.

Nota: En estos días Xavier Valiño le hizo una maravillosa entrevista a Paddy McAloon. Pueden leerla acá.

Track List:
01. Let There Be Music
02. Ride
03. I Love Music
04. God Watch Over You
05. Music Is A Princess
06. Earth, The Story So Far
07. The Last of the Great Romantics
08. Falling In Love
09. Sweet Gospel Music
10. Meet The New Mozart
11. Angel Of Love

Sondre Lerche - Heartbeat Radio (2009)

Tenía pensado continuar con los posts dedicados al soul psicodélico, pero cambié de opinión. Como hace unos días les recomendé a unos amigos el último disco de Sondre Lerche y solo recibí indiferencia a cambio, decidí insistir con mi invitación, esta vez desde esta bitácora.

Sondre Lerche nació en Noruega el 5 de Septiembre de 1982. Debutó con "Faces Down" (2001), un álbum que lo ubicó en las mismas coordenadas que Rufus Wainwright, Ron Sexsmith y Ed Harcourt. "Two Way Monologue" (2004), su segunda placa, lo confirmó como un cantautor de excepción. Ambos discos son delicadas piezas de pop orquestado en donde las melodías son las protagonistas excluyentes. "Duper Sessions" (2006) quizás sea un disco prescindible, aún así sorprende por su versatilidad. En ese álbum Sondre representa el papel de crooner para interpretar un repertorio que incluye covers de "Nightingales" (Prefab Sprout), "Night And Day" (Cole Porter) y "Human Hands" (Elvis Costello). El resto de las composiciones son propias, aunque parecen standards gracias a los arreglos de su backing band, The Faces Down Quartet, que hace las veces de un cuarteto de jazz. El resultado final es agradable, solamente eso. "Phantom Punch" (2007) es la contracara de "Duper Sessions". Es un disco de canciones urgentes, una vuelta de tuerca a la new wave más prístina y al pop de guitarras de principios de los ochenta. Mantiene los giros melódicos clásicos de su autor pero le aporta una garra inédita a su música. No puedo decir nada de la banda sonora de "Dan In Real Life" (2007), ya que nunca la he escuchado. Finalmente llegamos a "Heartbeat Radio" (2009). Lerche, a pesar de que acaba de cumplir veintisiete años, alcanza en este disco una madurez sorprendente. El pop exquisito que visitó en "Faces Down" y "Two Way Monologue" es el paradigma, y su talento para encontrar canciones perfectas deslumbra como nunca antes. "Good Luck" -que tiene un glorioso arreglo de cuerdas a cargo de Sean O'Hagan-, "Heartbeat Radio", "I Cannot Let You Go" y "Easy To Persuade" son los mejores ejemplos.

Sondre Lerche es -junto a Kings of Convenience, Jens Lekman, Dylan Mondegreen y Joel Alme- uno de los grandes músicos que el pop nórdico nos ha presentado en la última década. Quizás sea el mejor. Además, para confirmar que hace todo bien, Xavier me cuenta que es un chico encantador...

Track List:
01 Good Luck
02 Heartbeat Radio
03 I Cannot Let You Go
04 Like Lazenby
05 If Only
06 Pioneer
07 Easy To Persuade
08 Words And Music
09 I Guess it's Gonna Rain Today
10 Almighty Moon
11 Don't Look Now
12 Goodnight

Maxwell - BLACKsummers'night (2009)

Sin haberlo planeado de antemano, estoy redondeando un repaso por cinco décadas de música negra con mi última recorrida cronológica. Desprolijo, absolutamente arbitrario, y con David Bowie como infiltrado, pero entretenido -por lo menos eso espero- a pesar de todo. Para cerrarlo, nada mejor que el último álbum de Maxwell, un músico que posee muchos de los atributos que he destacado en mis posts anteriores.

Hace un tiempo hice una referencia sobre la fatídica herencia que nos legó Marvin Gaye, pletórica de cantantes insufribles. Maxwell es la excepción que confirma la regla. Si bien está claramente influenciado por Marvin -y por Leon Ware, otro de mis ídolos- su voz es tan deslumbrante que lo encumbra en el papel de alumno aventajado de sus maestros. Su primer disco, "Maxwell's Urban Hang Suite" (1996) fue brillante: no solo revitalizó la escena del R&B -junto a D'Angelo, Rashaan Peterson, Lauren Hill y Erykah Badu-, además reivindicó una forma de hacer soul en donde la elegancia tenía un papel preponderante, algo que a mediados de los noventa parecía olvidado. Su discografía continuó con "Unplugged" (1997), "Embrya" (1998) y "Now" (2001), trabajos fallidos en donde la ambición se confundía con la autoindulgencia y la serenidad con el letargo. Ocho años después de la edición de su último disco, y cuando prácticamente nos habíamos olvidado de él, Maxwell regresa para presentarnos un nuevo trabajo, en donde las formas cambian sutilmente para conseguir un resultado sustancialmente distinto. En "BLACKsummers'night" están presentes todos los elementos que consagraron a su autor: un repertorio compuesto por midtempos de inmaculada delicadeza, una voz excepcional y un sonido aterciopelado que emana sensualidad en cada acorde. Sin embargo, hay un elemento nuevo que enriquece este álbum, una vitalidad inédita que rompe con la monotonía que había sofocado su música. Esta innovación se debe fundamentalmente a la asistencia de una banda notable, que proporciona substancia -y también fantasía- a las frágiles melodías de Maxwell. El concepto lírico de este disco es claro: nos presenta a un hombre herido que admite sus equivocaciones y que está dispuesto a reconquistar al amor perdido. "Bad Habits", "Cold" y "Pretty Wings" resplandecen dentro de un conjunto de canciones homogéneo, e inmediatamente se anotan en la lista de lo mejor que nos brindó el R&B en los últimos años. "BLACKsummers'night" es la primera parte de una trilogía dedicada, como no podía ser de otra manera, al amor. La edición de "blackSUMMERS'night", su continuación, está programada para el 2010. El capítulo final, "blacksummers'NIGHT", se publicará en el 2011.

Track List:
01. Bad Habits
02. Cold
03. Pretty Wings
04. Help Somebody
05. Stop The World
06. Love You
07. Fistful Of Tears
08. Playing Possum
09. Phoenix Rise

Amp Fiddler - Afro Strut (2006)

Lo fantástico del soul es que siempre unió la tradición con el riesgo, por lo menos en sus exponentes más inspirados. En estos días solo encuentro esa característica en el alt-country, género del que me siento alejado estéticamente aunque reconozco que nos ha ofrecido algunos de los discos más importantes de los últimos tiempos. La música electrónica, en cambio, dejó de ser "la gran esperanza blanca" para convertirse en una suma de reiteración e insipidez que en esta década solo se ha visto alterada por la oscuridad del dubstep. Volvamos al soul: Amp Fiddler es uno de los que músicos actuales que mejor recrea su sonido clásico. Cuando escuchamos sus discos recibimos el influjo de la historia, aún así entendemos inmediatamente que son contemporáneos. La consistencia con la que Fiddler se hace cargo de su herencia probablemente se explica por la gran cantidad de temporadas que lleva en la ruta. Fue tecladista de George Clinton (desde 1985 hasta 1996), Prince (en "Graffiti Bridge"), The Brand New Heavies, Maxwell y Primal Scream, entre otros. Debutó como solista con “Waltz of a Ghetto Fly” (2004), un logrado álbum que estableció las bases de su sonido característico: soul elegante matizado con la sensualidad del R&B y la fuerza del funk. En "Afro Strut" (2006), su segunda placa, Fiddler repite la alquimia y perfecciona la formula. "Faith", la jazzera "If I Don't" (junto a Corinne Bailey Rae) y la balada "Heaven" (esta vez a dúo con Stephanie McKay) son algunas de las canciones destacadas, pero mi preferida es la monumental "Hustle", deudora de la exuberancia de Love Unlimited Orchestra.

En el 2008 Amp Fiddler publicó dos discos: "Rare & Unreleased", una colección de rarezas muy aprovechable e "Inspiration Information", otro recomendable trabajo en el que comparte protagonismo con Sly and Robbie, la célebre base rítmica de innumerables discos de reggae.

Track List:
01. Faith
02. If I Don't
03. Right Where You Are
04. Find My Way
05. Empower/Afro Strut
06. I Need You
07. You Could Be Mine
08. Heaven

09. Seven Mile
10. Funky Monday
11. Ridin'
12. Hustle

Spacek - Curvatia (2001)

Con el paso del tiempo he abandonado muchos de mis vicios. Por ejemplo, he dejado de ser un coleccionista puntilloso, lo que me había llevado a adquirir tres autos cero kilómetro que mantengo en mi habitación bajo la apariencia de discos y cds. Las obligaciones familiares y un tardío despertar del sentido común me han convertido en un individuo mucho más sencillo... En cambio, aún mantengo cierto snobismo que me impulsa a comprar revistas -las que leo selectivamente, ya que también he aprendido a saltear los artículos que no me interesan- y a visitar periódicamente sitios de actualidad. No lo hago con el objetivo de estar informado, ya que esa es una vanidad inútil; lo que moviliza a continuar con ese ritual es la esperanza de "descubrir" algún disco diferente, de intuir para que lado va a ir la música pop en los próximos años. Porque, a pesar de que la vacuidad y la repetición predominen en los medios, todavía aparecen artistas singulares. El regocijo que uno siente al encontrar discos como "Curvatia" es invarolable, y de alguna manera, justifica todo el tiempo invertido.

"Curvatia" (2001) es el debut de Spacek, un trío londinense integrado por Steve White (vocalista) Edmund Cavill (guitarra) y Morgan Zarate (batería). Estos músicos formaron el grupo a mediados de la década del noventa y firmaron su primer contrato discográfico en 1998. Que la edición de este álbum se haya concretado recién tres años después evidencia el trabajo que les tomó plasmar un sonido tan particular. Las melodías de "Curvatia", cercanas al R&B aunque de una llamativa fragilidad, están recubiertas con grooves de música electrónica, nu soul, broken beats y trip hop. Quizás enumerar tantas etiquetas pueda parecer fatuo, pero entiendo que esta vez resulta necesario para describir -o intentar hacerlo- la riqueza de colores que ornamenta la música de Spacek. Lo importante, como siempre, son las canciones: la triphopera "Eve", la voluptuosa "Sexy Curvatia", "Languaje" con toda su delicadeza, y la acústica "I Have A Daughter That Sings", son los puntos altos de un álbum que trasciende los encasillamientos para crear un universo propio de extraña belleza.

"Vintage Hi-Tech" (2003) significó un paso adelante en la evolución del grupo. En este álbum todos los géneros antes citados fueron llevados a su mínima expresión, dando como resultado algo así como un R&B&clicks&cuts. A pesar de todas sus virtudes, el nivel de las composiciones no alcanzan la excelencia de "Curvatia". "Space Shift" (2005), el debut como solista de Steve White -editado bajo el alias de Steve Spacek-, es otro disco destacable aunque bastante más predecible que los registrados junto a su banda.

Track List:
01. Inside
02. Eve
03. Getaway
04. Sexy Curvatia
05. How Do I Move
06. Smiles And Roses
07. Language
08. When The Band Begins To Play
09. How
10. Act For You
11. I Have A Daughter That Sings + Hidden Track

Nicole Willis - "Soul Makeover" (2000)

Esta semana hice un rápido repaso por mis discos favoritos de los noventa y volví a escuchar "Headz" (1994), la fundacional recopilación del sello Mo' Wax encargada de confirmar que el fulgor del Trip Hop trascendía las brumas de Bristol. Me puse a buscar información sobre el sello de James Lavelle y descubrí que la primera referencia que había editado fue "Promise" (1992), el simple debut de Repercussions. ¿Quienes son los Repercussions? Un grupo ingles de acid jazz, cuyo hit "Promise Me Nothing" está incluido en la recopilación que posteé hace unos días, y que en 1994 participó en "Tribute To Curtis Mayfield" interpretando junto a él una versión de "Let's Do It Again". ¿Que tiene que ver Nicole Willis con Repercussions? Bueno, era la vocalista del grupo... Ya ven, el mundo es un pañuelo. De todas maneras, y más allá de los juegos, Nicole Willis es una favorita de la casa. Copio de la Wiki algunos datos: nació en Brooklyn en 1963, se mudó a Londres a mediados de los ochenta y -este no deja de ser un dato curioso- salió de gira con The The, el seudónimo detrás el cual se esconde Matt Johnson. Su primer papel protagónico lo encontró junto a Repercussions, con quienes grabó dos discos. En 1999 se casó con Jimi Tenor, y de su mano editó "Soul Makeover", su primer trabajo solista.

"Soul Makeover" (2000) es la antítesis de "Keep Reachin' Up". Aquí podemos encontrar ecos del acid jazz de los Repercussions o del neo soul que estaba en boga por esos días, pero termina prevaleciendo la electrónica. La palabra clave para definir este disco es elegancia ya que "Soul Makeover" fue concebido para seducir con sus delicadas formas. Está repleto de matices y detalles, como todas las creaciones que involucran a Jimi Tenor, quien produjo el álbum junto a Maurice Fulton. Las citas a la obra de Tenor son abundantes, aunque el resultado final se diferencia de esta gracias a la suntuosidad vocal de Nicole. Más adelante vendría el acercamiento al soul tradicional que significó "Be It" (2004) y su consolidación en "Keep Reachin' Up" (2005). "Soul Makeover" es la representación del vacio más exquisito.

Track List:
01. I'm Not Going
02. All The Time
03. Bliss Of Life
04. Heed The Sign
05. Soul Makeover
06. Siesta
07. Curiosity
08. Gonna Get Yours
09. Xibeca
10. Dinosaur!
11. Curiosity (Candy Apple Remix)
12. All The Time (Roberto Rodrigues Remix)
13. Heed the Sign (Maurice Fulton Remix)

Guru - Jazzmatazz Vol.1 (1993)

En el post anterior hice una mención a la revista Revolver, guia indispensable de mis busquedas musicales durante la década del noventa. Hoy recupero un artículo de esa irrepetible publicación -como cantaba Federico Moura en su homenaje al fanzine Speed: esa mágica adolescente sin edad- para compartirlo con vosotros.

Guru es el Superamigo del hip-hop jazz. No sólo es un excelente rapper y letrista, sino que además es el teórico absoluto de la movida. Es quién comprende al jazz, al rap, y su relación: "La música puede ser dura, limpia, jazzy o cualquier cosa, pero debe tener el sonido urbano brotando de la tierra. A la gente le gusta catalogar la música, y eso está mal. El rap incorpora todas las formas musicales precedentes, y el jazz es sólo uno más de sus componentes". "La música comenzó en el corazón de las percusiones de otras tierras, tocada por todos los hijos de la madre tierra, mandando un mensaje de paz a todo el mundo y cruzando el océano bajo cadenas y vergüenza, aliviando el dolor, y eso no tenía nombre" rappea Guru en "Jazz Music", uno de los pocos temas con toques jazzies que toca como integrante de Gang Starr, uno de los grupos rappers más sofisticados de la escena actual. Su verdadera personalidad jazz la desenvuelve en su proyecto Jazzmatazz, que tiene una sola placa, cuya introducción explica que Jazzmatazz es "una fusión experimental entre jazz y hip-hop. Soy Guru. El hip hop y la música rock son reales. Son la expresión musical de la cultura basada en la realidad, y al mismo tiempo, el jazz es real y basado en la realidad. Disfruten" Guru es capaz de ocupar esa posición privilegiada de "líder de movida" porqué nació burgués y se hizo en la calle. Criado a lo "estudiás o estudiás" en Boston, y crecido en los barrios neoyorquinos de negros con grabadores al hombro, Guru se siente portavoz de una idea: "El concepto de Jazzmatazz estuvo fundado sobre la unidad, la reconstrucción de la familia. Reunir las generaciones, hacerles descubrir a los jóvenes el jazz, y tratar de que a los más viejos les interese el rap. En USA las familias negras sufrieron largos años de esclavismo insidioso y eterno, y fue como un estigma que nos sembraron. Teniendo la chance de vivir en una familia unida, yo me siento el más apto para rehabilitar un cierto respeto inter-generacional". La utopía de Guru es llevar el jazz a su lugar de origen, la rebeldía callejera. Poco a poco la industria musical, lo fue transformando en música elitista, sofisticada y burguesa; con el hip-hop jazz, "el jazz volverá a las calles". Toda esa verborragia y esa sabiduría terminó por convertir a Guru en el niño mimado de todos: prensa, músicos y público en general. Es por eso que en "Jazzmatazz Vol. 1", Guru puede contar con las más destacadas contribuciones: los jazzeros Branford Marsalis, Zachary Breaux, Donald Byrd, Roy Ayers y Courtney Pine, los acid-jazzeros N'Dea Davenport (Brand New Heavies), Ronny Jordan y Carleen Anderson y los rappers D.C. Lee y MC Solaar. El resultado es un refinadísimo hip-hop cool o un jazz callejero y calentito de un nivel envidiable, que actúa como declaración de principios de uno de los productos más interesantes de la música actual.

Artículo extraído de la revista Revolver Nº3 de diciembre y cedido gentilmente por su autor, Pablo Schteingart.

Track List:
01. Introduction
02. Loungin'
03. When You're Near
04. Transit Ride
05. No Time To Play
06. Down The Backstreets
07. Respectful Dedications
08. Take A Look (At Yourself)
09. Trust Me Guru
10. Slicker Than Most
11. Le Bien, Le Mal
12. Sights In The City

V.A. - The Best of Acid Jazz (1996)

Siempre intenté evitar que este blog se convierta en un ejercicio de nostalgia; no hay nada más ridículo que evocar un tiempo que, la mayoría de las veces, no fue como elegimos recordarlo. Espero que en este post vez pueda seguir eludiendo esa trampa.

A principios de los noventa, vivir en el interior de Argentina equivalía a depender del azar para acceder a las novedades musicales que no contaban con el aval de los medios de comunicación masivos. Esta situación se modificó con el "1 a 1" (un peso = un dólar) propuesto por el nefasto ex-presidente Carlos Menem en 1992. A partir de ese momento, las disquerías amigas dejaron de ofrecer reparos a la hora de traer los cds que les encargaba, por más extraños que estos fueran. Por ese motivo pude adquirir, por ejemplo, el debut de Spearhead a las pocas semanas de su edición. Por supuesto, para conocer que pasaba en el mundo era fundamental tener algún tipo de guía y entre los años 93-96 habían muy pocas: el programa Lado B de MTV y la revista Revolver, la que, también hay que decirlo, llegaba a mi provincia entre tres y seis meses después de su publicación... Como sea, durante esos años disfrute el auge del acid jazz y del trip hop con un inédito sentido de contemporaneidad. "The Best of Acid Jazz" invariablemente me retrotrae a esos años, quizás porque la mayoría de los artistas incluidos en esta recopilación han ido desapareciendo con el paso del tiempo; aunque, después de todo, su música no ha envejecido tan mal.

Este disco retrata de manera notable el género en cuestión, esa imprecisa fusión entre jazz, soul y funk con hip-hop, electrónica y ritmos latinos. Está repleto de canciones maravillosas: "Cantaloop" de Us3, "Turn On Tune In Cop Out" de Freak Power, "People in the Middle" de Spearhead, "Feel the Music" de Guru, "Boundaris" de Leena Conquest y "The Creator Has a Master Plan" de Brooklyn Funk Essentials son las más destacables. Las canciones que desentonan, en cambio, son solo cuatro: "Feel So High" de Des'ree y "Let It Last" de Carleen Anderson son clásicos del soul de noventa y su inclusión en un trabajo de este tipo, es, por lo menos, inconveniente. "Venceremos" de Working Week (1985) sirve como anécdota del proto Acid Jazz de los ochenta, pero queda fuera de contexto; mientras que el asesinato de "Whole Lotta Love" (Led Zeppelin) perpetrado por Goldbug solo merece palabras de desprecio. Cual fue el motivo para entreverarlo en este disco –y en otras compilaciones similares- sólo Dios lo sabe.

En estos tiempos de sobre-información, en los que Internet pone a nuestra disposición todo, o casi todo lo imaginable en lo que a música se refiere, no puedo evitar recordar el pasado con un dejo de melancolía. No porque haya sido mejor que el presente -pensar eso es la trampa a evitar- sino por lo difícil que se me hace sentir alguna empatía con las escenas actuales. Porqué no decirlo, también por el vacío que dejaron las ausencias de Lado B -¿alguien mira MTV todavía?- y Revolver, una revista/fanzine que fue demasiado original como para superar la parquedad de nuestro país; añorable a pesar de sus defectos e inigualable por su sentido del humor. No hubo ¿ni habrá? ninguna igual. En fin, los dejo con un disco cuya valoración fluctuará de acuerdo a vuestras vivencias, pero que seguramente les ofrecera innumerables momentos de deleite.

Track List:

Disc 1
01. Cantaloop (Flip Fantasia) - Us3 & Rashaan
02. Space Cowboy - Jamiroquai
03. Midnight At The Oasis - Brand New Heavies
04. Everyday - Incognito
05. Turn On Tune In Cop Out - Freak Power
06. People In The Middle - Spearhead
07. Feel So High - Des'ree
08. Rebirth Of Slick - Digable Planets
09. Feel The Music - Guru
10. Been Thinking About You - Martine Girault
11. So What - Ronny Jordan
12. Real Love - Driza Bone
13. Never Stop - Brand New Heavies
14. Spiritual Love - Urban Species
15. Green Screen - New Jersey Kings
16. Mission Impossible - James Taylor Quartet
17. Keep Steppin' - Omar
18. Heavy Vibes - Vibraphonic
19. Boundaris - Leena Conquest
20. Take The L Train - Brooklyn Funk Essentials

Disc 2
01. Whole Lotta Love - Goldbug
02. Apparently Nothin' - Young Disciples
03. Masterplan - Sharpe, Barrie K. & Diana Brown
04. Something In My Eye - Corduroy
05. Venceremos - Working Week
06. Whirl Keeps Turning - Jhelisa
07. Dream Come True - Brand New Heavies
08. Good Lover - D'Influence
09. Promise Me Nothing - Repercussions
10. The Creator Has A Master Plan - Brooklyn Funk Essentials
11. Now Is The Time - D-Note
12. Find Our Love - City Lix
13. 24 For Betty Page - Snowboy
14. Follow That Arab - Corduroy
15. Turn It All Around - This I dig
16. Whatcha Gonna Do - Xan
17. Watchugot - Groove Collective
18. Funky Guitar - TC 1992
19. Jesse - Mother Earth
20. Let It Last - Carleen Anderson