Física cuántica para los pobres de espíritu

domingo, 27 de diciembre de 2009

The Divine Comedy - A Short Album About Love (1997)

Entiendo que un álbum compuesto solo por siete canciones puede despertar pocas expectativas, pero la fastuosidad de "A Short Album About Love" excede su breve formato. Esta muestra de romanticismo exacerbado, de grandeza al mejor estilo Broadway, es mucho más que el capricho de un personaje extravagante: es una toma de posición frente a la vulgaridad cotidiana.

Debe haber sido complejo para The Divine Comedy continuar después de
"Casanova". Quizás por eso decidieron hacerlo de la forma más espectacular posible y emprendieron una fuga hacia adelante rodeados por una orquesta de treinta integrantes. Lo que en manos de cualquier otro músico sería insoportable, adquiere ribetes gloriosos bajo la batuta de Neil Hannon, y nos maravilla, a pesar de que vislumbramos su impostura. Aquí el amor es el Alfa y el Omega, el principio y el fin; y el amor requiere majestuosidad, sin importar que esta sea fingida.

"A Short Album About Love" fue grabado en tan sólo dos días junto a la Brunel Ensemble y fue publicado el 10 de febrero de 1997, brindándole a sus fans la posibilidad de hacer un estupendo regalo para al Día de San Valentín. La edición que hoy les ofrezco incluye cuatro bonus tracks, entre los cuales se destaca la versión en vivo de “Make It Easy On Yourself” (Bacharach-David).

Track List:
01. In Pursuit Of Happiness
02. Everybody Knows (Except You)
03. Someone
04. If...
05. If I Were You (I'd Be Through With Me)
06. Timewatching
07. I'm All You Need
08. Motorway to Damascus*
09. Love Is Lighter Than Air*
10. Birds of Paradise Farm*
11. Make It Easy On Yourself*
* bonus tracks

miércoles, 16 de diciembre de 2009

Abraham Boba - La Educación (2009)

Hace un par de domingos le hice la pregunta correcta a las personas indicadas y gracias a eso conocí a David Cobas Pereiro, alias Abraham Boba. Cobas Pereiro es un cantante vigués cuyo curriculum incluye participaciones en Tedium, con quienes editó "Full-length portrait" (1997) y Belmonte, un dúo de música instrumental cuya discografía consta de dos actos: “Primer Acto (2001) y “Viajeométrico” (2003). Debutó como solista con “Abraham Baba” (2007), álbum en el que presentó su faceta de crooner. En esta nueva encarnación, Cobas Pereiro se muestra como un hacedor de canciones tan equidistante del rock clásico como de la experimentación vacua, demostrando que posee muchas numerosas condiciones para sobresalir: una voz grave cuya dicción elude los manierismos que tanto afectan a sus compatriotas, textos en los que invariablemente se hace presente la ironía y melodías que registran en sus formas ecos de cabaret, de la chanson francesa y de gente como Leonard Cohen o Nick Cave. "La Educación", editado en Abril de este año, es la culminación de los bosquejos que Cobas Pereiro había presentado en su debut. No solo ha madurado como compositor, también lo ha hecho como arreglista. Su incorporación a la backing band de Nacho Vega -en donde se desempeña como pianista- probablemente haya contribuido a este crecimiento. Como sea, su evolución es encomiable. El álbum posee una coherencia notable, a pesar de que sus canciones poseen una gran cantidad de matices: "La Educacíon", tan épica como certera; "Frío" y su doloroso intimismo y "Hay Estatuas Aquí", un country que se aparta de la melancolía, son mis preferidas.

Músico de culto en España y completo desconocido en Argentina, Abraham Boba reivindica un arquetipo -el de estilista de la canción- olvidado en ambos países. Solo por ese motivo merece vuestra atención.

Track List:
01. Capital
02. La Educación
03. Hagamos Algo Antes De Morir
04. Frío
05. Hay Estatuas Aquí
06. Juan y La Defensa
07. Caballo y Rey
08. Rita y La Guerra
09. La Vigilia
10. Siete Veces
11. Boletín De La Montaña

domingo, 29 de noviembre de 2009

Benjamin Biolay - La Superbe (2009)

En lo que va del año se han publicado grandes álbumes, "La Superbe" quizás sea el más sorprendente de todos ellos. Mi amigo Carlos Gesualdo escribió una reseña para celebrarlo, y de esa manera confirmó que la línea de tiempo es flexible y está sujeta al cambio.

Uno de los personajes de Oscar Wilde decía que no cambiaría nada de Inglaterra excepto el clima, eso sería porque nunca estuvo en Sevilla en pleno mes de agosto. Yo dirá que no cambiaría nada de "La Superbe" excepto la portada. Benjamin Biolay, cantante, compositor, productor y actor (bien podría rodar la vida de Benicio del Toro), es considerado por la prensa francófona como el sucesor de Serge Gainsbourg y de la Chanson francesa. En lo particular, Gainsbourg no me ha llamado nunca la atención como lo ha hecho Biolay. Este "nouvelle enfant terrible" editó su primer álbum solista en 2001. Recibido con elogios y honores, ya había demostrado sus habilidades en "Jardin D´Hiver", canción que compuso junto a Karen Ann para el álbum de Henri Salvador en el 2000. Sin grandes dotes vocales, ha resuelto con inteligencia esta limitación agregando una manera personal de cantar. En un contexto menos interesante, se gloriaba de tener por suegro a Marcello Mastroianni y por suegra a la "toujours belle", Catherine Denueve.

Escuchar "La Superbe" en como descorchar un "Grand Vin de Château-Latour" y descubrir toda esa magnífica variedad de aromas conocidos y disfrutados en otros tiempos. En el transcurrir de la canciones, nos vamos encontrando con esos tintes de grandes músicos de intelectos privilegiados que hemos admirado a lo largo de nuestra vida, ahora procesados y decantados en las vasijas de la elegante y suntuosa bodega de monsieur Biolay. Una creación digna de las mejores cavas musicales y sin duda, uno de los mejores "varietales" cosecha 2009. Superbe!
Escrito por Carlo Gesualdo.
Track List:

Disc 1
01. La Superbe
02. 15 Aout
03. Padam
04. Miss Catastrophe
05. Ton Heritage
06. Si Tu Suis Mon Regard
07. Night Shop
08. Tu Es Mon Amour
09. Sans Viser Personne
10. La Toxicomanie
11. Brandt Rhapsodie

Disc 2
01. L'Espoir Fait Vivre
02. Prenons Le Large
03. Tout Ca Me Tourmente
04. Assez Parle De Moi
05. Buenos Aires
06. Rate
07. Lyon Presqu'Ile
08. Melancolique
09. Reviens Mon Amour
10. Jaloux De Tout
11. 15 Septembre

domingo, 22 de noviembre de 2009

Frank Sinatra - Watertown (1970)

Algunos discos son tan excepcionales que debemos conocer hasta el último de sus detalles, investigar todo lo relacionado con su creación, su proceso de grabación y su edición para poder disfrutarlos plenamente. La singularidad de “Watertown” nos demanda ese tipo de análisis, pero a cambio, nuestro afán se ve recompensado con creces.

“Watertown” (1970) es el último de una serie de grandes álbumes que Frank Sinatra editó a partir de “Strangers In The Night” (1966). Repasemos: “Francis A. & Edward K” -junto a Duke Ellington- (1968), “Cycles” (1968), “My Way” (1968) y “A Man Alone” (1969). Para su realización Sinatra convocó a Bob Gaudio y Jake Holmes, dos músicos que han sido olvidados con el paso del tiempo. Tal vez algún memorioso recuerde que Gaudio fue el compositor de "Can't Take My Eyes Off You" (Frankie Valli) y "The Sun Ain't Gonna Shine Anymore" (The Walker Brothers) o que Holmes escribió "Dazed and Confused" (Led Zeppelin). Otros relacionaran estos nombres con The Four Seasons, una banda que vendió millones de discos durante la década del sesenta y que tuvo una discreta relevancia en el plano artístico, por lo menos hasta la edición de “Genuine Imitation Life Gazette” (1968), un sorprendente disco conceptual creado a partir de estructuras oblicuas y arreglos inesperados. Como imaginarán, fue un fracasó rotundo... sin embargo Sinatra lo escuchó y pensó que sería una buena idea ofrecerle a Gaudio que se haga cargo -junto a Holmes- de la composición y producción de su próximo álbum. Una curiosa anécdota relativa a este encuentro es rescatada por el blog
Blogin' in the wind. Al igual que “Genuine Imitation Life Gazette”, "Watertown" es un álbum conceptual. Frank había visitado ese terreno en numerosas oportunidades -como para empezar a hablar con “In The Wee Small Hours” (1955) el primer disco de música pop concebido como una unidad sonora y no como una mera colección de singles- aunque esta vez fue más lejos que nunca. Una de las particularidades de "Watertown" es su sonido, tan equidistante de la obra anterior de Sinatra como de lo que se escuchaba en esos años en donde las orquestas solo se utilizaban en una psicodelia que poco a poco se convertía en sinfonismo. Carlos Callello -otro colaborador de los Four Seasons- y Joe Scott estuvieron a cargo de unos arreglos que, gracias a su gran bagaje de texturas, consiguen hacernos olvidar de la perfección formal con la que Nelson Riddle arropaba a Frank en sus trabajos anteriores. Otra de las características inusuales de este álbum, la más importante quizás, es la historia que narra: un hombre ha sido abandonado por su esposa y queda solo a cargo de sus dos pequeños hijos. Canción tras canción, el protagonista relata la crónica de su desamparo. En el lado A nos habla sobre Watertown, un pequeño pueblo en donde nada sucede excepto la lluvia (“Old Watertown/Everyone knows the perfect crime/killing time/and no one's going anywhere/livin's much too easy there). Cuenta como su mujer se fue y después de su adiós no hubo explosiones en el cielo ni se escucharon arreglos de cuerda. Detalla sus intentos por salir adelante a pesar de todo, las cartas que escribe para contarle como crecen sus hijos y termina confirmándonos que, a pesar de todo, volvería a enamorarse de ella (“If I live the past over/saw today from yesterday/I would be in love anyway/If I knew that you'd leave me/if I knew you wouldn't stay/I would be in love anyway”). En el lado B nos describe a Elizabeth, su esposa (“Dressed in dreams for me/you were what I wished to see”). Asegura que sabe lo que pasó y que va a olvidarlo para que todo vuelva a comenzar. Recibe –o imagina recibir- una carta en la que ella le anuncia su regreso, y concluye con “The Train”, en donde relata que va a la estación para recibirla, pero Elizabeth nunca baja del tren ("The passengers for Allentown are gone/the train is slowly moving on/But I can't see you any place/And I know for sure I'd recognize your face/And I know for sure I'd recognize your face"). El protagonista de "Watertown" se confunde con un Sinatra que se muestra vencido como nunca antes. Abandonado, perdido, desesperado. La maravillosa Sol García cree que esta historia es la representación del punto de débil de Frank: el trauma por el abandono de Ava Gardner. En cambio el blogger Francis @ tiene la inquietante teoría de que Elizabeth no abandonó a su marido, sino que en realidad falleció. “Lady Day”, una hermosa canción que pertenece a las sesiones de este disco pero recién vio la luz en "Sinatra & Company” -y fue añadida a "Watertown" a partir de su edición en CD- nos deja una frase que despierta sospechas: “...and died before the afternoon”. Si “Lady Day” fue un homenaje a Billie Holliday, o si fue el verdadero cierre para “Watertown” es algo que no tengo claro, aunque John Holmes, el letrista del álbum, jamás alentó la hipótesis de que Elizabeth haya muerto.

El disco fue un fracaso de ventas y Frank desistió de presentarlo en un especial de televisión, como había planeado originalmente. Un año más tarde, luego de la edición de “Sinatra & Company” -mitad refrito de su mágica unión con Jobim, mitad colección de descartes- un apesadumbrado Sinatra decidió retirarse del mundo de la música. Esta decisión fue provisoria, ya que retornó a los escenarios en 1973 con el exitoso “Ol’ Blue Eyes Is Back”. “Watertown” fue el cierre del periodo más personal de su carrera, en donde las heridas quedaron expuestas a la vista de todos, algo que nunca volvería a ocurrir.

Track List:
01. Watertown
02. Goodbye (She Quietly Says)
03. For A While
04. Michael & Peter
05. I Would Be In Love (Anyway)
06. Elizabeth
07. What A Funny Girl (You Used to Be)
08. What's Now Is Now
09. She Says
10. The Train
11. Lady Day (CD bonus track)

domingo, 8 de noviembre de 2009

Chris Isaak - Heart Shaped World (1989)

Hace diez años la revista Inrockuptibles publicó un jugoso reportaje a Ian McCulloch. Entre otras cosas, este dijo que a partir del fallecimiento de Frank Sinatra podía pensar seriamente en entrar en la competencia por el título del mejor cantante del mundo. Agregó luego: "Sinatra y Elvis fueron los maestros absolutos. Más allá de ellos, no le temo a nadie. Los tipos como yo han vivido durante la mayor parte de sus vidas con el peso de esos padres sobre sus hombros, lo que no es demasiado agradable cuando uno tiene el mismo oficio. Así que, en lugar de sentirme huérfano, me sentí aliviado, finalmente libre. Las cosas serias pueden empezar." Me imagino que Chris Isaak sintió un alivio similar cuando falleció Roy Orbison a finales de 1988. Casualidad o no, al año siguiente editó "Heart Shaped World", su primer gran disco.

Chris Isaak nació en California el 26 de junio de 1956. Formó su primer grupo en 1980 y lo llamó Silvertone. Debutó discográficamente recién en 1985, con un álbum titulado "Silvertone" aunque a esta altura ya era solista. De la formación inicial de la banda solo permanecían James Calvin Wilsey (guitarra) y el productor Erik Jacobsen, quien colaboraría con Isaak hasta "Baja Sessions" (1996). "Silvertone" vendió solo doce mil placas pero David Lynch lo escuchó e incluyó dos de sus canciones en el soundtrack de "Blue Velvet". Aunque este parezca un dato menor, será un antecedente para un hecho que sería determinante en la carrera de Isaak. "Chris Isaak" (1986) pasó desapercibido como su antecesor a pesar de ser un trabajo mucho más logrado que aquel. Canciones como la orbinsoniana "Blue Hotel" y "Fade Away" fueron las semillas de un sonido que florecería en su próximo álbum. Con "Heart Shaped World" (1989) comenzaron las cosas serias. Isaak abandonó el papel de mero reciclador para, por fin, ponerse a la altura de sus padres: Elvis y Roy Orbison. ¿Suena exagerado? No lo es en absoluto. Potenció sus virtudes innatas -una voz profunda, realmente dotada y un carisma envidiable- con un songwriting perfecto, en donde conjugó baladas nocturnas, algo de rockabilly y mucho rock, redondeando un resultado notable. Chris Isaak es un "beautiful loser", un cronista de la melancolía que canta sobre amores perversos, romances fallidos y abandonos, y lo hace con conocimiento de causa. Sus lagrimas en "Blue Spanish Sky" son las mismas que pudo haber derramado Roy Orbison cuando cantó "Only The Lonely" y son las que hemos derramado nosotros al rememorar esa sensación perdida de que el tiempo nunca iba a poder alcanzarnos. Como señalé, la calidad del repertorio es magnífica. Mientras que "I'm Not Waiting" y "Forever Young" nos movilizan a partir de su frescura; "Kings Of The Highway", "Wicked Game", "Blue Spanish Sky" y "Nothing's Changed" nos cautivan por la profundidad de su evocación. En el otro extremo podemos ubicar a la extraña "In The Heat Of The Jungle", la única pieza que desentona en un disco que roza la perfección. Es imposible escribir sobre "Heart Shapped World" sin hacer algún comentario puntual sobre "Wicked Game". La canción fue lanzada como primer corte del álbum, y al igual que este, no obtuvo ningún tipo de suceso. Esto cambió cuando David Lynch la incluyó -junto a "Blue Spanish Sky"- en el soundtrack de "Wild At Heart" (1990). A partir de ese momento se convirtió en un hit mundial.

Después de un rutinario "San Francisco Days" (1993), Chris Isaak editó otro disco maravilloso: "Forever Blue" (1995) el que repasaré próximamente.

Track List:
01. Heart Shaped World
02. I'm Not Waiting
03. Don't Make Me Dream About You
04. Kings Of The Highway
05. Wicked Game
06. Blue Spanish Sky
07. Wrong To Love You
08. Forever Young
09. Nothing's Changed
10. In The Heat Of The Jungle
11. Diddley Daddy

martes, 3 de noviembre de 2009

domingo, 25 de octubre de 2009

V. A. - Best Of Rock 'n' Roll Love Songs (1994)

Mis compromisos laborales y algunos infortunios familiares me han mantenido lo suficientemente ocupado como para postergar los de por si esporádicos posteos de este blog, pero estimo que la espera -en el caso de que la haya habido- esta vez se verá plenamente recompensada. Hoy les traigo uno de mis discos preferidos: "Best Of Rock 'n' Roll Love Songs", una colección de hits que, además de rock & roll, también incluye doo wop, pop y soul. Su recorrido comienza a finales de los cincuenta y llega hasta mediados de los sesenta, una época que hemos idealizado por culpa de sus films y, sobretodo, por canciones tan hermosas como las que incluye esta recopilación.

"Best Of Rock 'n' Roll Love Songs" es un álbum imprescindible, a pesar de que su edición no contó con el aval de ningún lanzamiento mediático y que no está regido por un concepto muy rígido. Sin embargo, la belleza de su contenido le confiere una importancia similar -por lo menos en mi discoteca- a la de
"Hitsville USA", "Back to Mono", "The Look of Love" y "The Brill Building Sound". Al igual que esos discos, "Best Of Rock 'n' Roll Love Songs" existe para confirmarnos que la buena música no tiene tiempo ni edad.

Track List:


Disc 1
01. Oh, Pretty Woman - Roy Orbison
02. True Love Ways - Buddy Holly
03. Breaking Up Is Hard To Do - Neil Sedaka
04. Lipstick On Yur Collar - Connie Francis
05. All I Have To Do Is Dream - Everly Brothers
06. Young Ones - Cliff Richard
07. 3 Steps To Heaven - Eddie Cochran
08. Will You Still Love Me Tomorrow - The Shirelles
09. Why Do Fools Fall In Love - Frankie Lymon
10. Crazy - Patsy Cline
11. Blue Velvet - Bobby Vinton
12. Diana - Paul Anka
13. Blue Moon - The Marcels
14. Blueberry Hill - Fats Domino
15. Then I Kissed Her - The Beach Boys
16. Tears On My Pillow - Little Anthony
17. Take Good Care Of My Baby - Bobby Vee
18. Love Letters - Ketty Lester
19. Sea of Love - Phill Phillips and the Twilights
20. Unchained Melody - Righteous Brothers

Disc 2
01. The Wanderer - Dion
02. Sealed With A Kiss - Brian Hyland
03. It's In His Kiss - Betty Everett
04. Smoke Gets In Your Eyes - The Platters
05. Poetry In Motion - Johnny Tillotson
06. Runaway - Del Shannon
07. Only The Lonely - Roy Orbison
08. Be Bop A Lula - Gene Vincent
09. Sweet Talking Guy - The Chiffons
10. Under The Moon Of Love - Curtis Lee
11. Something Gotta Hold Of My Heart - Gene Pitney
12. Venus - Frankie Avalon
13. Raining In My Heart - Buddy Holly
14. When Will I Be Loved - Everly Brothers
15. Stay - Maurice Williams & The Zodiacs
16. It's My Party - Lesley Gore
17. Rhythm Of The Train - The Cascades
18. It's Only Make Believe - Conway Twitty
19. I Only Have Eyes For You - Flamingoes
20. Halfway To Paradise - Billy Fury

domingo, 18 de octubre de 2009

Richard Hawley – Truelove's Gutter (2009)

Si algo le faltaba a Richard Hawley para confirmar que es uno de los músicos más importantes de la actualidad era editar un álbum como "Truelove's Gutter". Cuando muchos de sus colegas se replantean la conveniencia de seguir publicando discos y apuestan por vender canciones sueltas en iTunes, Hawley nos ofrece una obra compleja, llena de detalles, que requiere de muchas escuchas para poder apreciarla cabalmente. Todo un reto para nuestra raquítica capacidad de atención.

A pesar de que este es el disco más personal de Richard Hawley, al escucharlo aparecen claras referencias a Angelo Badalamenti y al omnipresente Roy Orbison, lo que nos remite a las canciones que David Lynch suele utilizar en los soundtracks de sus films. A diferencia del desasosiego que propone el cineasta, "Truelove's Gutter" nos transmite serenidad y la esperanza de que un futuro venturoso es posible. Porque, más allá de la melancolía, de la oscuridad presente desde la portada misma, una luz guía cada una de sus melodías.

Quizás "Truelove's Gutter" no alcance la perfección formal de "Coles Croner", aún así debe ser visto como un paso adelante en la evolución de Richard Hawley.

Track List:
01. As the Dawn Breaks
02. Open Up the Door
03. Ashes on the Fire
04. Remorse Code
05. Don’t Get Hung Up in Your Soul
06. Soldier On
07. For Your Lover Give Some Time
08. Don’t You Cry

sábado, 26 de septiembre de 2009

Prefab Sprout - Let's Change The World With Music (2009)

A partir de la aparición de este Aleph llamado Internet tenemos un acceso ilimitado a decenas de discos que en tiempos pretéritos pasaron inadvertidos, y que suelen brindarnos muchas más novedades que cualquiera de los últimos lanzamientos que gozan del hype de NME o de Pitchfork. Como es comprensible, esto no se ve reflejado en ningún sitio. Ese es uno de los motivos que tengo para desestimar las listas de "los mejores discos del año", que un tiempo atrás me apasionaban. El caso de "Let's Change the World with Music" es muy particular, ya que acaba de ser publicado y seguramente va a contar con un lugar dentro de esas listas. Aunque parezca contradictorio, va a ser chocante que esto suceda ya que fue grabado hace diecisiete años. Que recién haya sido publicado durante el 2009 pone al descubierto una de las tantas iniquidades que comete la industria discográfica: el menosprecio permanente para con la mayoría de los músicos que la integran. Porque "Let's Change the World with Music", a pesar de su evidente grandeza, fue completamente ignorado por los directivos de Sony. La historia de este desprecio se conocía desde hace tiempo, ya que Paddy McAllon -a pesar de su habitual discreción- había mencionado el tema en algunas entrevistas, lo que recién descubrimos ahora es lo injusto que fue este maltrato.

Las canciones que componen
"Let's Change the World with Music" fueron grabadas durante 1992 con la idea de que formen parte del sucesor de "Jordan, The Comeback" (1990). El demo presentado -el mismo material que escuchamos ahora, y que solo recibió un pequeño pulimento sonoro- no convenció a los directivos de Sony quienes decidieron archivarlo. Por lo tanto, la discografía de Prefab Sprout recién tuvo continuidad con “Andromeda Heights” (1997). Ocho años después de la edición de "The Gunman and Other Stories", el último trabajo de Prefab Sprout, y viendo los graves problemas de salud que sufre Paddy -tiene serios problemas en la vista y aparentemente está sordo de uno de sus oídos- Columbia-Sony finalmente se decidió a publicar el disco. "Let's Change the World with Music"
fue escrito, interpretado y producido por Paddy McAloon en su propio estudio y fue mezclado por Calum Malcolm. Como es lógico, tiene muchos puntos de contacto con "Jordan" y con "Andromeda Heights". De hecho, hubiese sido un puente perfecto entre ambos discos. A pesar de eso, tiene una vigencia absoluta. Su actualidad está determinada por su belleza, una belleza deslumbrante que lo coloca a la altura de los grandes clásicos de la banda. Es injusto destacar alguna canción por sobre otra, ya que se trata de un conjunto óptimo, pero tengo la tentación de recomendar especialmente a "God Watch Over You", "Music is a Princess", "Falling in Love" y "Angel of Love", algunas de las gemas más exuberantes de ese genial hacedor de melodías que es Paddy McAloon, uno de los más grandes de la historia de la música pop.

Las paradojas del destino quieren que uno de los álbumes más hermosos de los últimos años haya sido concebido en 1992. Deberemos tomar este dato como una prueba más de la ceguera de una industria decadente que -afortunadamente- está viviendo sus últimos días.

Nota: En estos días Xavier Valiño le hizo una maravillosa entrevista a Paddy McAloon. Pueden leerla acá.

Track List:
01. Let There Be Music
02. Ride
03. I Love Music
04. God Watch Over You
05. Music Is A Princess
06. Earth, The Story So Far
07. The Last of the Great Romantics
08. Falling In Love
09. Sweet Gospel Music
10. Meet The New Mozart
11. Angel Of Love

jueves, 17 de septiembre de 2009

Sondre Lerche - Heartbeat Radio (2009)

Tenía pensado continuar con los posts dedicados al soul psicodélico, pero cambié de opinión. Como hace unos días les recomendé a unos amigos el último disco de Sondre Lerche y solo recibí indiferencia a cambio, decidí insistir con mi invitación, esta vez desde esta bitácora.

Sondre Lerche nació en Noruega el 5 de Septiembre de 1982. Debutó con "Faces Down" (2001), un álbum que lo ubicó en las mismas coordenadas que Rufus Wainwright, Ron Sexsmith y Ed Harcourt. "Two Way Monologue" (2004), su segunda placa, lo confirmó como un cantautor de excepción. Ambos discos son delicadas piezas de pop orquestado en donde las melodías son las protagonistas excluyentes. "Duper Sessions" (2006) quizás sea un disco prescindible, aún así sorprende por su versatilidad. En ese álbum Sondre representa el papel de crooner para interpretar un repertorio que incluye covers de "Nightingales" (Prefab Sprout), "Night And Day" (Cole Porter) y "Human Hands" (Elvis Costello). El resto de las composiciones son propias, aunque parecen standards gracias a los arreglos de su backing band, The Faces Down Quartet, que hace las veces de un cuarteto de jazz. El resultado final es agradable, solamente eso. "Phantom Punch" (2007) es la contracara de "Duper Sessions". Es un disco de canciones urgentes, una vuelta de tuerca a la new wave más prístina y al pop de guitarras de principios de los ochenta. Mantiene los giros melódicos clásicos de su autor pero le aporta una garra inédita a su música. No puedo decir nada de la banda sonora de "Dan In Real Life" (2007), ya que nunca la he escuchado. Finalmente llegamos a "Heartbeat Radio" (2009). Lerche, a pesar de que acaba de cumplir veintisiete años, alcanza en este disco una madurez sorprendente. El pop exquisito que visitó en "Faces Down" y "Two Way Monologue" es el paradigma, y su talento para encontrar canciones perfectas deslumbra como nunca antes. "Good Luck" -que tiene un glorioso arreglo de cuerdas a cargo de Sean O'Hagan-, "Heartbeat Radio", "I Cannot Let You Go" y "Easy To Persuade" son los mejores ejemplos.

Sondre Lerche es -junto a Kings of Convenience, Jens Lekman, Dylan Mondegreen y Joel Alme- uno de los grandes músicos que el pop nórdico nos ha presentado en la última década. Quizás sea el mejor. Además, para confirmar que hace todo bien, Xavier me cuenta que es un chico encantador...


Track List:
01 Good Luck
02 Heartbeat Radio
03 I Cannot Let You Go
04 Like Lazenby
05 If Only
06 Pioneer
07 Easy To Persuade
08 Words And Music
09 I Guess it's Gonna Rain Today
10 Almighty Moon
11 Don't Look Now
12 Goodnight

lunes, 24 de agosto de 2009

Maxwell - BLACKsummers'night (2009)

Sin haberlo planeado de antemano, estoy redondeando un repaso por cinco décadas de música negra con mi última recorrida cronológica. Desprolijo, absolutamente arbitrario, y con David Bowie como infiltrado, pero entretenido -por lo menos eso espero- a pesar de todo. Para cerrarlo, nada mejor que el último álbum de Maxwell, un músico que posee muchos de los atributos que he destacado en mis posts anteriores.

Hace un tiempo hice una referencia sobre la fatídica herencia que nos legó
Marvin Gaye, pletórica de cantantes insufribles. Maxwell es la excepción que confirma la regla. Si bien está claramente influenciado por Marvin -y por Leon Ware, otro de mis ídolos- su voz es tan deslumbrante que lo encumbra en el papel de alumno aventajado de sus maestros. Su primer disco, "Maxwell's Urban Hang Suite" (1996)
fue brillante: no solo revitalizó la escena del R&B -junto a D'Angelo, Rashaan Peterson, Lauren Hill y Erykah Badu-, además reivindicó una forma de hacer soul en donde la elegancia tenía un papel preponderante, algo que a mediados de los noventa parecía olvidado. Su discografía continuó con "Unplugged" (1997), "Embrya" (1998) y "Now" (2001), trabajos fallidos en donde la ambición se confundía con la autoindulgencia y la serenidad con el letargo. Ocho años después de la edición de su último disco, y cuando prácticamente nos habíamos olvidado de él, Maxwell regresa para presentarnos un nuevo trabajo, en donde las formas cambian sutilmente para conseguir un resultado sustancialmente distinto. En "BLACKsummers'night" están presentes todos los elementos que consagraron a su autor: un repertorio compuesto por midtempos de inmaculada delicadeza, una voz excepcional y un sonido aterciopelado que emana sensualidad en cada acorde. Sin embargo, hay un elemento nuevo que enriquece este álbum, una vitalidad inédita que rompe con la monotonía que había sofocado su música. Esta innovación se debe fundamentalmente a la asistencia de una banda notable, que proporciona substancia -y también fantasía- a las frágiles melodías de Maxwell. El concepto lírico de este disco es claro: nos presenta a un hombre herido que admite sus equivocaciones y que está dispuesto a reconquistar al amor perdido. "Bad Habits", "Cold" y "Pretty Wings" resplandecen dentro de un conjunto de canciones homogéneo, e inmediatamente se anotan en la lista de lo mejor que nos brindó el R&B en los últimos años. "BLACKsummers'night" es la primera parte de una trilogía dedicada, como no podía ser de otra manera, al amor. La edición de "blackSUMMERS'night", su continuación, está programada para el 2010. El capítulo final, "blacksummers'NIGHT", se publicará en el 2011.

Track List:
01. Bad Habits
02. Cold
03. Pretty Wings
04. Help Somebody
05. Stop The World
06. Love You
07. Fistful Of Tears
08. Playing Possum
09. Phoenix Rise

martes, 18 de agosto de 2009

Amp Fiddler - Afro Strut (2006)

Lo fantástico del soul es que siempre unió la tradición con el riesgo, por lo menos en sus exponentes más inspirados. En estos días solo encuentro esa característica en el alt-country, género del que me siento alejado estéticamente aunque reconozco que nos ha ofrecido algunos de los discos más importantes de los últimos tiempos. La música electrónica, en cambio, dejó de ser "la gran esperanza blanca" para convertirse en una suma de reiteración e insipidez que en esta década solo se ha visto alterada por la oscuridad del dubstep. Volvamos al soul: Amp Fiddler es uno de los que músicos actuales que mejor recrea su sonido clásico. Cuando escuchamos sus discos recibimos el influjo de la historia, aún así entendemos inmediatamente que son contemporáneos. La consistencia con la que Fiddler se hace cargo de su herencia probablemente se explica por la gran cantidad de temporadas que lleva en la ruta. Fue tecladista de George Clinton (desde 1985 hasta 1996), Prince (en "Graffiti Bridge"), The Brand New Heavies, Maxwell y Primal Scream, entre otros. Debutó como solista con “Waltz of a Ghetto Fly” (2004), un logrado álbum que estableció las bases de su sonido característico: soul elegante matizado con la sensualidad del R&B y la fuerza del funk. En "Afro Strut" (2006), su segunda placa, Fiddler repite la alquimia y perfecciona la formula. "Faith", la jazzera "If I Don't" (junto a Corinne Bailey Rae) y la balada "Heaven" (esta vez a dúo con Stephanie McKay) son algunas de las canciones destacadas, pero mi preferida es la monumental "Hustle", deudora de la exuberancia de Love Unlimited Orchestra.

En el 2008 Amp Fiddler publicó dos discos: "Rare & Unreleased", una colección de rarezas muy aprovechable e "Inspiration Information", otro recomendable trabajo en el que comparte protagonismo con Sly and Robbie, la célebre base rítmica de innumerables discos de reggae.

Track List:
01. Faith
02. If I Don't
03. Right Where You Are
04. Find My Way
05. Empower/Afro Strut
06. I Need You
07. You Could Be Mine
08. Heaven
09. Seven Mile
10. Funky Monday
11. Ridin'
12. Hustle

domingo, 9 de agosto de 2009

Spacek - Curvatia (2001)

Con el paso del tiempo he abandonado muchos de mis vicios. Por ejemplo, he dejado de ser un coleccionista puntilloso, lo que me había llevado a adquirir tres autos cero kilómetro que mantengo en mi habitación bajo la apariencia de discos y cds. Las obligaciones familiares y un tardío despertar del sentido común me han convertido en un individuo mucho más sencillo... En cambio, aún mantengo cierto snobismo que me impulsa a comprar revistas -las que leo selectivamente, ya que también he aprendido a saltear los artículos que no me interesan- y a visitar periódicamente sitios de actualidad. No lo hago con el objetivo de estar informado, ya que esa es una vanidad inútil; lo que moviliza a continuar con ese ritual es la esperanza de "descubrir" algún disco diferente, de intuir para que lado va a ir la música pop en los próximos años. Porque, a pesar de que la vacuidad y la repetición predominen en los medios, todavía aparecen artistas singulares. El regocijo que uno siente al encontrar discos como "Curvatia" es invarolable, y de alguna manera, justifica todo el tiempo invertido.

"Curvatia" (2001) es el debut de Spacek, un trío londinense integrado por Steve White (vocalista) Edmund Cavill (guitarra) y Morgan Zarate (batería). Estos músicos formaron el grupo a mediados de la década del noventa y firmaron su primer contrato discográfico en 1998. Que la edición de este álbum se haya concretado recién tres años después evidencia el trabajo que les tomó plasmar un sonido tan particular. Las melodías de "Curvatia", cercanas al R&B aunque de una llamativa fragilidad, están recubiertas con grooves de música electrónica, nu soul, broken beats y trip hop. Quizás enumerar tantas etiquetas pueda parecer fatuo, pero entiendo que esta vez resulta necesario para describir -o intentar hacerlo- la riqueza de colores que ornamenta la música de Spacek. Lo importante, como siempre, son las canciones: la triphopera "Eve", la voluptuosa "Sexy Curvatia", "Languaje" con toda su delicadeza, y la acústica "I Have A Daughter That Sings", son los puntos altos de un álbum que trasciende los encasillamientos para crear un universo propio de extraña belleza.

"Vintage Hi-Tech" (2003) significó un paso adelante en la evolución del grupo. En este álbum todos los géneros antes citados fueron llevados a su mínima expresión, dando como resultado algo así como un R&B&clicks&cuts. A pesar de todas sus virtudes, el nivel de las composiciones no alcanzan la excelencia de "Curvatia". "Space Shift" (2005), el debut como solista de Steve White -editado bajo el alias de Steve Spacek-, es otro disco destacable aunque bastante más predecible que los registrados junto a su banda.

Track List:
01. Inside
02. Eve
03. Getaway
04. Sexy Curvatia
05. How Do I Move
06. Smiles And Roses
07. Language
08. When The Band Begins To Play
09. How
10. Act For You
11. I Have A Daughter That Sings + Hidden Track

domingo, 2 de agosto de 2009

Nicole Willis - "Soul Makeover" (2000)

Esta semana hice un rápido repaso por mis discos favoritos de los noventa y volví a escuchar "Headz" (1994), la fundacional recopilación del sello Mo' Wax encargada de confirmar que el fulgor del Trip Hop trascendía las brumas de Bristol. Me puse a buscar información sobre el sello de James Lavelle y descubrí que la primera referencia que había editado fue "Promise" (1992), el simple debut de Repercussions. ¿Quienes son los Repercussions? Un grupo ingles de acid jazz, cuyo hit "Promise Me Nothing" está incluido en la recopilación que posteé hace unos días, y que en 1994 participó en "Tribute To Curtis Mayfield" interpretando junto a él una versión de "Let's Do It Again". ¿Que tiene que ver Nicole Willis con Repercussions? Bueno, era la vocalista del grupo... Ya ven, el mundo es un pañuelo. De todas maneras, y más allá de los juegos, Nicole Willis es una favorita de la casa. Copio de la Wiki algunos datos: nació en Brooklyn en 1963, se mudó a Londres a mediados de los ochenta y -este no deja de ser un dato curioso- salió de gira con The The, el seudónimo detrás el cual se esconde Matt Johnson. Su primer papel protagónico lo encontró junto a Repercussions, con quienes grabó dos discos. En 1999 se casó con Jimi Tenor, y de su mano editó "Soul Makeover", su primer trabajo solista.

"Soul Makeover" (2000) es la antítesis de
"Keep Reachin' Up". Aquí podemos encontrar ecos del acid jazz de los Repercussions o del neo soul que estaba en boga por esos días, pero termina prevaleciendo la electrónica. La palabra clave para definir este disco es elegancia ya que
"Soul Makeover" fue concebido para seducir con sus delicadas formas. Está repleto de matices y detalles, como todas las creaciones que involucran a Jimi Tenor, quien produjo el álbum junto a Maurice Fulton. Las citas a la obra de Tenor son abundantes, aunque el resultado final se diferencia de esta gracias a la suntuosidad vocal de Nicole. Más adelante vendría el acercamiento al soul tradicional que significó "Be It" (2004) y su consolidación en "Keep Reachin' Up" (2005). "Soul Makeover" es la representación del vacio más exquisito.

Track List:
01. I'm Not Going
02. All The Time
03. Bliss Of Life
04. Heed The Sign
05. Soul Makeover
06. Siesta
07. Curiosity
08. Gonna Get Yours
09. Xibeca
10. Dinosaur!
11. Curiosity (Candy Apple Remix)
12. All The Time (Roberto Rodrigues Remix)
13. Heed the Sign (Maurice Fulton Remix)

martes, 21 de julio de 2009

Guru - Jazzmatazz Vol.1 (1993)

En el post anterior hice una mención a la revista Revolver, guia indispensable de mis busquedas musicales durante la década del noventa. Hoy recupero un artículo de esa irrepetible publicación -como cantaba Federico Moura en su homenaje al fanzine Speed: esa mágica adolescente sin edad- para compartirlo con vosotros.

Guru es el Superamigo del hip-hop jazz. No sólo es un excelente rapper y letrista, sino que además es el teórico absoluto de la movida. Es quién comprende al jazz, al rap, y su relación: "La música puede ser dura, limpia, jazzy o cualquier cosa, pero debe tener el sonido urbano brotando de la tierra. A la gente le gusta catalogar la música, y eso está mal. El rap incorpora todas las formas musicales precedentes, y el jazz es sólo uno más de sus componentes". "La música comenzó en el corazón de las percusiones de otras tierras, tocada por todos los hijos de la madre tierra, mandando un mensaje de paz a todo el mundo y cruzando el océano bajo cadenas y vergüenza, aliviando el dolor, y eso no tenía nombre" rappea Guru en "Jazz Music", uno de los pocos temas con toques jazzies que toca como integrante de Gang Starr, uno de los grupos rappers más sofisticados de la escena actual. Su verdadera personalidad jazz la desenvuelve en su proyecto Jazzmatazz, que tiene una sola placa, cuya introducción explica que Jazzmatazz es "una fusión experimental entre jazz y hip-hop. Soy Guru. El hip hop y la música rock son reales. Son la expresión musical de la cultura basada en la realidad, y al mismo tiempo, el jazz es real y basado en la realidad. Disfruten" Guru es capaz de ocupar esa posición privilegiada de "líder de movida" porqué nació burgués y se hizo en la calle. Criado a lo "estudiás o estudiás" en Boston, y crecido en los barrios neoyorquinos de negros con grabadores al hombro, Guru se siente portavoz de una idea: "El concepto de Jazzmatazz estuvo fundado sobre la unidad, la reconstrucción de la familia. Reunir las generaciones, hacerles descubrir a los jóvenes el jazz, y tratar de que a los más viejos les interese el rap. En USA las familias negras sufrieron largos años de esclavismo insidioso y eterno, y fue como un estigma que nos sembraron. Teniendo la chance de vivir en una familia unida, yo me siento el más apto para rehabilitar un cierto respeto inter-generacional". La utopía de Guru es llevar el jazz a su lugar de origen, la rebeldía callejera. Poco a poco la industria musical, lo fue transformando en música elitista, sofisticada y burguesa; con el hip-hop jazz, "el jazz volverá a las calles". Toda esa verborragia y esa sabiduría terminó por convertir a Guru en el niño mimado de todos: prensa, músicos y público en general. Es por eso que en "Jazzmatazz Vol. 1", Guru puede contar con las más destacadas contribuciones: los jazzeros Branford Marsalis, Zachary Breaux, Donald Byrd, Roy Ayers y Courtney Pine, los acid-jazzeros N'Dea Davenport (Brand New Heavies), Ronny Jordan y Carleen Anderson y los rappers D.C. Lee y MC Solaar. El resultado es un refinadísimo hip-hop cool o un jazz callejero y calentito de un nivel envidiable, que actúa como declaración de principios de uno de los productos más interesantes de la música actual.

Artículo extraído de la revista Revolver Nº3 de diciembre y cedido gentilmente por su autor, Pablo Schteingart.


Track List:
01. Introduction
02. Loungin'
03. When You're Near
04. Transit Ride
05. No Time To Play
06. Down The Backstreets
07. Respectful Dedications
08. Take A Look (At Yourself)
09. Trust Me Guru
10. Slicker Than Most
11. Le Bien, Le Mal
12. Sights In The City

domingo, 12 de julio de 2009

V.A. - The Best of Acid Jazz (1996)

Siempre intenté evitar que este blog se convierta en un ejercicio de nostalgia; no hay nada más ridículo que evocar un tiempo que, la mayoría de las veces, no fue como elegimos recordarlo. Espero que en este post vez pueda seguir eludiendo esa trampa.

A principios de los noventa, vivir en el interior de Argentina equivalía a depender del azar para acceder a las novedades musicales que no contaban con el aval de los medios de comunicación masivos. Esta situación se modificó con el "1 a 1" (un peso = un dólar) propuesto por el nefasto ex-presidente Carlos Menem en 1992. A partir de ese momento, las disquerías amigas dejaron de ofrecer reparos a la hora de traer los cds que les encargaba, por más extraños que estos fueran. Por ese motivo pude adquirir, por ejemplo, el debut de Spearhead a las pocas semanas de su edición. Por supuesto, para conocer que pasaba en el mundo era fundamental tener algún tipo de guía y entre los años 93-96 habían muy pocas: el programa Lado B de MTV y la revista Revolver, la que, también hay que decirlo, llegaba a mi provincia entre tres y seis meses después de su publicación... Como sea, durante esos años disfrute el auge del acid jazz y del trip hop con un inédito sentido de contemporaneidad. "The Best of Acid Jazz" invariablemente me retrotrae a esos años, quizás porque la mayoría de los artistas incluidos en esta recopilación han ido desapareciendo con el paso del tiempo; aunque, después de todo, su música no ha envejecido tan mal.

Este disco retrata de manera notable el género en cuestión, esa imprecisa fusión entre jazz, soul y funk con hip-hop, electrónica y ritmos latinos. Está repleto de canciones maravillosas: "Cantaloop" de Us3, "Turn On Tune In Cop Out" de Freak Power, "People in the Middle" de Spearhead, "Feel the Music" de Guru, "Boundaris" de Leena Conquest y "The Creator Has a Master Plan" de Brooklyn Funk Essentials son las más destacables. Las canciones que desentonan
, en cambio, son solo cuatro: "Feel So High" de Des'ree y "Let It Last" de Carleen Anderson son clásicos del soul de noventa y su inclusión en un trabajo de este tipo, es, por lo menos, inconveniente. "Venceremos" de Working Week (1985) sirve como anécdota del proto Acid Jazz de los ochenta, pero queda fuera de contexto; mientras que el asesinato de "Whole Lotta Love" (Led Zeppelin) perpetrado por Goldbug solo merece palabras de desprecio. Cual fue el motivo para entreverarlo en este disco –y en otras compilaciones similares- sólo Dios lo sabe.

En estos tiempos de sobre-información, en los que Internet pone a nuestra disposición todo, o casi todo lo imaginable en lo que a música se refiere, no puedo evitar recordar el pasado con un dejo de melancolía. No porque haya sido mejor que el presente -pensar eso es la trampa a evitar- sino por lo difícil que se me hace sentir alguna empatía con las escenas actuales. Porqué no decirlo, también por el vacío que dejaron las ausencias de Lado B -¿alguien mira MTV todavía?- y Revolver, una revista/fanzine que fue demasiado original como para superar la parquedad de nuestro país; añorable a pesar de sus defectos e inigualable por su sentido del humor. No hubo ¿ni habrá? ninguna igual. En fin, los dejo con un disco cuya valoración fluctuará de acuerdo a vuestras vivencias, pero que seguramente les ofrecera innumerables momentos de deleite.


Track List:
Disc 1
01. Cantaloop (Flip Fantasia) - Us3 & Rashaan
02. Space Cowboy - Jamiroquai
03. Midnight At The Oasis - Brand New Heavies
04. Everyday - Incognito
05. Turn On Tune In Cop Out - Freak Power
06. People In The Middle - Spearhead
07. Feel So High - Des'ree
08. Rebirth Of Slick - Digable Planets
09. Feel The Music - Guru
10. Been Thinking About You - Martine Girault
11. So What - Ronny Jordan
12. Real Love - Driza Bone
13. Never Stop - Brand New Heavies
14. Spiritual Love - Urban Species
15. Green Screen - New Jersey Kings
16. Mission Impossible - James Taylor Quartet
17. Keep Steppin' - Omar
18. Heavy Vibes - Vibraphonic
19. Boundaris - Leena Conquest
20. Take The L Train - Brooklyn Funk Essentials

Disc 2
01. Whole Lotta Love - Goldbug
02. Apparently Nothin' - Young Disciples
03. Masterplan - Sharpe, Barrie K. & Diana Brown
04. Something In My Eye - Corduroy
05. Venceremos - Working Week
06. Whirl Keeps Turning - Jhelisa
07. Dream Come True - Brand New Heavies
08. Good Lover - D'Influence
09. Promise Me Nothing - Repercussions
10. The Creator Has A Master Plan - Brooklyn Funk Essentials
11. Now Is The Time - D-Note
12. Find Our Love - City Lix
13. 24 For Betty Page - Snowboy
14. Follow That Arab - Corduroy
15. Turn It All Around - This I dig
16. Whatcha Gonna Do - Xan
17. Watchugot - Groove Collective
18. Funky Guitar - TC 1992
19. Jesse - Mother Earth
20. Let It Last - Carleen Anderson

lunes, 29 de junio de 2009

Brooklyn Funk Essentials - "Cool And Steady And Easy" (1994)

Santiago Tadeo Cervera de la Web Acid Jazz Hispano, escribió un valioso artículo sobre el debut de Brooklyn Funk Essentials, uno de los grandes discos de los noventa. Pueden leerlo a continuación:

"Cool, Steady & Easy" (1994) es el álbum debut del grupo neoyorquino Brooklyn Funk Essentials, el mejor de su discografía, y uno de los trabajos de escucha imprescindible para los amantes del acid jazz en particular y los interesados por la música negra en general. Este es uno de esos discos tan logrados que todo encaja y funciona, de modo que cada tema es una razón para adorarlo. Por tanto, dado que son doce las razones para adorar el álbum, voy a enumerarlas todas. La primera es, por supuesto, el poderoso groove que transmite, capaz de poner a prueba a los oyentes más resistentes, porque está presente en todos los cortes. La segunda es la calidad de las interpretaciones, otro de los puntos fuertes de Brooklyn Funk Essentials, que basa en la impecable técnica de sus integrantes buena parte de su interés. Y esto nos lleva a la tercera, que es la presencia, como invitado de lujo, del infalibre Maceo Parker (al que corean la ya famosa frase “Blow your horn, Maceo”, acuñada por James Brown), que ilumina la habitación con sus solos en "Blow Your Brains". Ahora bien, "Cool, Steady & Easy" muestra a una banda asombrosamente conjuntada a pesar de su heterogeneidad (esta es la cuarta razón), por lo que, aunque brillen las interpretaciones y cuenten con colaboraciones de estrellas, es la sensación de estar ante grupo bien uniformado la que predomina. Esto último, en parte, viene dado por unos arreglos del todo convincentes (quinta).

Sexta, la lograda fusión de jazz, funk, soul, rap y, en menor medida, reggae (y raga). Quizá se puede simplicar describiendo la música de los neoyorquinos como acid jazz (un estilo que implica fusión), pero es evidente que la variedad es una de sus principales características, y llegamos al séptimo motivo, que es la sorprende cohesión de "Cool, Steady & Easy", algo que consigue gracias a su personalidad, de modo que, independientemente del estilo de cada tema, se impone el del grupo. Llegamos al octavo, que es el tema "The Creator Has A Master Plan", una estupenda versión del clásico de Pharoah Sanders, un éxito que propició que el disco tuviera una buena acogida comercial. El noveno es la voz de la cantante Joe Cardwell, que comprensiblemente decidió iniciar una carrera en solitario tras esta colaboración. Décima razón: las letras, inteligentes, originales y, en ciertos casos, divertidas. El ejemplo más claro es "The Revolution Was Postponed Because Of Rain", cuya letra es tan interesante que gustaría incluso sin la música. La undécima es la producción de Arthur Baker, impecable, y responsable de que la fusión de intrumentación real, samples y scratches parezca tan natural. Por último, la decimosegunda razón es que "Cool, Steady & Easy" es un disco maravilloso, un clásico imperecedero.

Santiago Tadeo Cervera

Track List:
01. Take The L Train
02. The Creator Has A Master Plan
03. The Revolution Was Postponed Because Of Rain
04. Bop Hop
05. Brooklyn Recycles
06. Mizz Bed-Stuy
07. A Headnaddas Journey To The Planet Adidi-Skizm
08. Big Apple Boogaloo
09. Blow Your Brains Out
10. Stickman Crossing The Brooklyn Bridge
11. Dilly Dally
12. Take The L Train (To 8 Ave.)

jueves, 25 de junio de 2009

David Bowie - Black Tie White Noise (1993)

Escribir sobre los discos que David Bowie editó durante los noventa es una tarea ardua. En esa década -que quizás haya comenzado en 1989 con "The Stone Roses", "Paul's Boutique" y "Doolittle"; o que tal vez lo haya hecho en 1991 con "Blue Lines", "Screamadelica", "Loveless" y "Nevermind"- comenzaron a caerse muchos de los paradigmas que sostenían las estructuras de la música mainstream. De pronto, los valores con los que se evaluaba a los artistas se convirtieron en obsoletos, y Bowie -a pesar de ser revalorizado por Morrissey, Suede, e inclusive por Nirvana- sufrió las consecuencias. Si bien se le reconocía haber impuesto tendencias en los setenta y saber capitalizarlas en los ochenta, pasó a estar un paso atrás de una generación de músicos que vivía en las raves y le daba una nueva dimensión al noise. Para Bowie los noventas comenzaron en 1989, cuando editó el debut de Tin Machine junto a tres músicos tan poco conocidos (Reeves Gabrels, Tony Sales y Hunt Sales) como contundentes. Con ese álbum logró hacernos olvidar de "Never Let Me Down" (1987), seguramente, su peor trabajo. "Tin Machine" es un gran disco, mucho más interesante de lo que se supone y de lo que se dijo en su momento. La influencia de los Pixies es palpable en muchas de sus canciones, pero el songwriting tiene una gran calidad. Lo curioso es que el siguiente paso de David -desilusionado por las malas críticas y las magras ventas de Tin Machine- fue volver al pasado, para, por primera vez, hacer una concesión a sus fans y emprender una gira solista que lo llevaría a recorrer todo el mundo para cantar sus viejos hits. Prácticamente nadie se entero de la existencia de los siguientes discos de Tin Machine, "Tin Machine 2" (1991) y "Oy Vey, Baby! (1992), y está bien que así haya sido. Son trabajos intrascendentes de los cuales solo de pueden destacar un par de canciones -"You Belong In Rock & Roll" del primero, el cover de "If There Is Something" (Roxy Music) del segundo- y donde se reemplaza la furia por un rancio profesionalismo. En su próximo álbum, David volvió a desconcertar -nos- una vez más. Para "Black Tie White Noise" (1993) Bowie convocó a Nile Rodgers, el productor de "Let's Dance" (1983), su disco más exitoso. ¿Lo hizo para repetir la vieja formula? No, lo hizo para crear uno de sus álbumes más elegantes -y uno de los más irregulares, también hay que decirlo- de toda su carrera.

"Black Tie White Noise" comienza con "The Wedding", un instrumental irrelevante. Continua con "You've Been Around", un outtake de Tin Machine que se ve beneficiado por la lujosa producción de Rodgers y los desconcertantes arreglos de contrabajo y de trompeta -a cargo de Lester Bowie- que se contraponen con la distorsión, esta vez controlada, de la guitarra de Reeves Gabrels. "I Feel Free" es una canción de Cream y Bowie ya la había interpretado en la época de Ziggy Stardust. Como homenaje a esos años invitó al guitarrista de The Spiders From Mars, Mick Ronson -quién falleció en abril del 93- a participar de la versión. Al B. Sure! canta en "Black Tie White Noise", un R&B inspirado en el caso Rodney King. "Jump They Say" fue dedicada a Terry, el medio hermano de Bowie quién sufría problemas de esquizofrenia y se suicidó en 1985. La canción es irreprochable, pero tiene un arreglo de saxo -como casi todos los tracks del disco- de lo más molesto. "Nite Flights" es mi canción favorita de Scott Walker, uno de los grandes ídolos de David. Esta versión es magnifica, respetuosa del original aunque mucho más sofisticada. A partir de aquí el álbum baja mucho su nivel, pero es destacable la dulzura de "Miracle Goodnight" y "The Wedding Song", ambas dedicadas a Iman, su reciente esposa. Para la anécdota queda el cover de "I Know It's Gonna Happen Someday" o -Bowie dixit- la imitación que hace Bowie de Morrissey imitando a... ¡Bowie! Lo concreto es que ambas versiones son idénticas.

"Black Tie White Noise" es un álbum lleno de dance y grooves de acid jazz, territorios a los que David Bowie no retornaría. Es extraño y suntuoso, sin embargo, es demasiado irregular como para ponerlo a la altura de lo mejor de discografía. Aún así merece un espacio en todas las repisas -o en los discos duros- de los oyentes que saben que sepan combinar las corbatas negras con el ruido blanco.

Track List:
01. The Wedding
02. You've Been Around
03. I Feel Free
04. Black Tie White Noise
05. Jump They Say
06. Nite Flights
07. Pallas Athena
08. Miracle Goodnight
09. Don't Let Me Down & Down
10. Looking for Lester
11. I Know It's Gonna Happen Someday
12. The Wedding Song
Bonus:
13. Jump They Say (Alternate Mix)

miércoles, 17 de junio de 2009

David Bowie - Wild Is The Wind (orig. 1976)


Por un momento pensé en postear "Station to Station" (1976) pero desistí de hacerlo. La verdad es que nunca terminé de digerir al tema homónimo, donde David Bowie presentó a un nuevo alter-ego: "The Thin White Duke". Ese fallido experimento de diez minutos de duración solo sirvió para prefigurar el modelo que -con la ayuda de Brian Eno- encontraría un cauce mucho más atractivo en "Low" (1977). "TVC15", popera e intrascendente, marca el otro punto flojo del disco. Si obviamos estos dos desaciertos, "Station to Station" es maravilloso: "Golden Years", "Stay" y "Word on a Wing" no desentonarían en "Young Americans" (1975), ese sorprendente álbum de soul plástico que sirvió para inspirar a una generación de inglesitos, quienes pensaron que, después de todo, no era tan difícil hacer música negra. Fracasaron, por supuesto, ya que el talento de Bowie para mimetizarse con los demás siempre fue, paradójicamente, inimitable...

La canción que cierra "Station to Station" es la que engalana este post. "Wild is the Wind" (Dimitri Tiompkin-Ned Washington) fue compuesta especialmente para el film homónimo (1956) e interpretada por Johnny Mathis. Diez años después fue recuperada por Nina Simone, quién consiguió uno de sus mayores éxitos con su adaptación. En 1976 David Bowie publicó su versión definitiva. Sin disfraces ni poses, David optó por interpretarla con las vestiduras de un crooner clásico para ofrecer una clase de buen gusto y conmover con su voz monumental, consumando así una de las mejores interpretaciones de toda su carrera.

El video promocional fue filmado en 1981 por David Mallet, un asiduo colaborador de Bowie.

martes, 9 de junio de 2009

David Bowie - Young Americans (live 1974)


Estupenda versión de "Young Americans", interpretada por un -muy- desmejorado David Bowie en "The Dick Cavett Show". Lo llamativo es que la actuación se produjo el 04 de diciembre de 1974, tres meses antes de la edición del disco homónimo.

jueves, 4 de junio de 2009

The Staple Singers - "Let's Do It Again" (1975)

Una buena forma de cerrar esta serie de posteos en los que he intercalado discos de Gospel y Chicago Soul es dedicándole una reseña a "Let's Do It Again", el álbum que reunió a dos de los nombres fundamentales de esas escenas.

Curtis Mayfield admiraba a The Staple Singers desde la época en que compartían escenarios junto a The Impressions. Cuando Stax quebró en 1975 les ofreció firmar un contrato con Curtom Records, la compañía discográfica que él había fundado cinco años antes. El debut -y la despedida- de The Staple Singers en el sello fue "Let’s Do It Again", el soundtrack de la blaxploitation protagonizada por Sidney Poitier y Bill Cosby. "Let's Do It Again" nos ofrece algunas curiosidades y, lo más importante, momentos de gran deleite. En ambos rubros se inscribe la posibilidad de escuchar a Mavis Staples cantando letras tan mundanas como esta: "Sweet love in the midnight/Good sleep, come mornin' light/No worries 'bout nothin'/Just gettin' good, just gettin' good/Just gettin' good love". Es que salvo "I Want to Thank You", la única canción que contiene referencias religiosas, poco queda aquí del gospel con el que The Staple Singers sobresalió durante décadas y ahí radica el encanto del disco. Curtis Mayfield compone, arregla y produce ocho canciones en las que prevalece el funk según el arquetipo por él patentado -es decir, de tonos suaves y ritmos templados- mientras que las letras acompañan la sensualidad que emana de la música. La gran virtud de The Staples Singers fue la de adaptarse a ese sonido con total naturalidad, consiguiendo una cohesión que nos permite disfrutar de "Let’s Do It Again" sin tener necesidad de apelar a la nostalgia por los meritos que estos músicos detentaron en tiempos pretéritos. El álbum fue todo un éxito, alcanzó el Top 20 de Bilboard y permaneció dieciocho semanas en los rankings. Sus hits fueron "New Orleans" y "Let's Do It Again". Esta última canción le dio al grupo su segundo Nº 1 -el primero fue "I'll Take You There"- a nivel nacional.

Luego de este trabajo The Staple Singers fueron contratados por Warner, aunque Mavis Staples volvió a trabajar en Curtom y bajo la producción de Curtis. Fue en 1977 cuando editó el soundtrack de la blaxploitation "A Piece of the Action".

Track List:
01. Let's Do It Again
02. Funky Love
03. Whole Lot of Love
04. New Orleans
05. I Want to Thank You
06. Big Mac
07. After Sex
08. Chase

domingo, 24 de mayo de 2009

Curtis Mayfield - Roots (1971)

Cuando Jerry Butler dejó a The Impressions en 1960, Curtis Mayfield se hizo cargo del liderazgo del grupo. Como comenté en su momento, la relevancia The Impressions trascendió sus méritos artísticos -que los tuvieron, y de sobra- ya que no solo demostraron que se podía conseguir un sonido contemporáneo sin alejarse del gospel y eludiendo los cánones que proponían Motown y Stax; también fueron precursores a la hora de cantar sobre la marginación que sufría la gente de raza negra en los Estados Unidos. En 1970, después de una década al frente de la banda, Mayfield decidió comenzar su carrera como solista. Es muy poco lo que se puede agregar a esta altura sobre "Curtis", su álbum debut, pero voy a correr el riesgo de ser redundante para afirmar que es un clásico inapelable, tan grande como "What's Goin' On" o "Let's Stay Together". Mayfield -que empezaba el disco con una canción llamada "No te preocupes, si hay un infierno allá abajo, todos vamos a ir para allá"- enriqueció su música de forma sorprendente, y al gospel de The Impressions le sumó psicodelia, pop y mucho funk, obteniendo un sonido único. Su segundo álbum, "Roots" (1971) quizás sea subestimado por no poseer la exuberancia de su debut o de "Superfly" (1972), pero tiene suficientes logros como para ser destacado.

"Roots" profundizó el quiebre estilistico que Mayfield había iniciado en "Curtis" y aportó siete canciones que lo ratificaron como un compositor de excepción. La temática de sus letras lo diferenciaron de la mayoría de sus coetáneos, ya que sus críticas ante las injusticias de la sociedad norteamericana no solo eran necesarias, también eran certeras. Esas letras, entonadas por una voz dueña del falsete más dulce y sumadas a un funk atiborrado de percusiones, cuerdas y vientos, producían un efecto fascinante. “Keep on Keeping On”, “Underground" y "Beautiful Brother Of Mine" son algunas de las canciones que se destacan en este álbum.

Sobre "Superfly" y el resto de su discografía, les hablaré en próximos posts, ya que la envergadura de Curtis Mayfield merece un espacio destacado en este blog.

Track List:
01. Get Down
02. Keep on Keeping On
03. Underground
04. We Got To Have Peace
05. Beautiful Brother Of Mine
06. Now Your're Gone
07. Love To Keep You In My Mind
08. Underground (Demo Version)
09. Get Down (Single Version)
10. We Got To Have Peace (Single Version)
11. Beautiful Brother Of Mine (Single Version)

miércoles, 13 de mayo de 2009

Tyrone Davis - "Turn Back The Hands Of Time" (1970)


Tyrone Davis nació el 4 de Mayo de 1938, en Greenville, Mississippi; un sitio en el que las oportunidades de vivir dignamente dependían del color de piel con el que nacías. Davis se mudó a Michigan, y a los diecinueve años se instaló en Chicago. Consiguió trabajo en una fábrica de metal, y de noche comenzó a frecuentar los clubs del centro. Chicago estaba pasando por un momento muy excitante por esos años: gente como Muddy Waters y John Lee Hooker estaba incendiando las estructuras clásicas del Blues en el Sur del estado, mientras tanto, en la ciudad comenzaba a tomar forma una de las escenas fundamentales del primer R&B. En 1959 Tyrone Davis conoció a Freddie King quien lo contrató para que sea su chofer y valet personal. Un par de años más tarde ya era parte del staff de colaboradores que acompañaba al guitarrista durante sus actuaciones. En una de esas noches, Bobby "Blue" Bland lo hizo subir al escenario y le dio su micrófono. Luego de que Tyrone hiciera una perfecta imitación de Bland, recibió la admonición de este: "Be you, don't be me". La frase serviría para que el joven Davis se desvele en desarrollar un estilo propio, algo que conseguiría con el paso del tiempo. En 1965 logro editar su primer simple: "Suffer", una canción de Harold Burrage, su productor y representante, quien moriría al año siguiente de un paro cardíaco. Tyrone continuó editando su material sin mayor suceso, hasta que en 1968 firmó un contrato con Dakar Records, un nuevo sello discográfico que tenía un convenio de distribución con Atlantic. Su primer lanzamiento por Dakar fue el simple “A Woman Needs To Be Loved”, que no tuvo mayor trascendencia hasta que un Dj comenzó a difundir su lado B, “Can I Change My Mind?". Sorpresivamente, esta canción se transformó en un gran éxito, alcanzando el Top 5 del Billboard's R&B Charts y vendiendo más de un millón de copias. Al año siguiente Tyrone Davis editó su álbum debut, también titulado, -no podía ser de otra manera- "Can I Change My Mind?". Si bien en este disco ya estaban presentes todos los elementos que lo consolidarían como uno de los artistas más interesantes de la escena de Chicago, no tuvo una buena recepción por parte del público. En cambio "Turn Back The Hands Of Time" (1970), su segunda placa, logró un suceso extraordinario.

"Turn Back the Hands of Time" es una obra maestra. Su repertorio -en donde sobresalen la canción que lo titula, “Undying Love” "Just Because Of You", y “I Keep Coming Back”- es impecable. La perfección de la voz de Davis, la delicadeza de las orquestaciones, la solidez instrumental: todo se conjuga para concretar un disco fundamental, uno de los puntos culmines del soul como expresión de la elegancia más sensual. A partir de la edición de este álbum, Tyrone se estableció como uno de los cantantes paradigmáticos del Chicago Soul. Continuó editando discos –muy recomendables, por lo menos hasta “Turning Point” (1975)- de los cuales vendió más de veinticinco millones de placas. Detrás de este dato estadístico aparentemente intrascendente se esconde la evidencia de lo poco que conocemos de soul y de sus héroes en los países de habla hispana. Tyrone Davis falleció el 9 de Febrero del 2005.

Track List:
01. Turn Back the Hands of Time
02. All the Waiting Is Not in Vain
03. Let Me Back In
04. Love Bones
05. I'll Be Right Here
06. Is It Something You've Got
07. Undying Love
08. Just Because of You
09. If It's Love You're After
10. I Keep Coming Back

sábado, 2 de mayo de 2009

Jerry Butler - The Best of Jerry Butler (1987)

Recientemente, Manuel nos contó en uno de sus posts los reparos que tenía a la hora de escribir sobre sus músicos favoritos. A mi me sucede algo similar, con el agravante de que, además, a este inconveniente tengo que sumarle mis serios problemas de redacción... Lo cierto es que desde hace tiempo tenía ganas de postear este disco de Jerry "The Ice Man" Butler, uno de mis ídolos, y recién ahora me animo a hacerlo.

La carrera de Jerry Butler comenzó en 1957, cuando decidió formar un grupo de doo-wop junto a Curtis Mayfield, su gran amigo y compañero del coro de la iglesia. Lo bautizaron The Rooters, aunque al año siguiente decidieron cambiar su nombre por el de The Impressions. Al momento de editar su primer single, "For Your Precious Love", el sello discográfico decidió lanzarlo a la venta como Jerry Butler and The Impressions. El resto de los músicos no estuvo de acuerdo con esta determinación, y los problemas de cartel finalmente provocaron la salida de Butler de la banda. Su lanzamiento como solista no se hizo esperar: debutó en 1960 con la edición de "He Will Break Your Heart", una canción compuesta por Curtis Mayfield. Luego de un par de simples en los que mantuvo su colaboración con Mayfield, Jerry publicó en 1961 una hermosa versión de "Moon River". En 1962 agregaría otro hito a su discografía con la interpretación de "Make It Easy On Yourself", especialmente cedida por la dupla de compositores Burt Bacharach - Hal David. Su versión de "Let It Be Me", incluida en "Delicious Together" (1964), el álbum que grabó a dúo junto a Betty Everett, también es prodigiosa. Hago hincapié en estas tres canciones (más allá de que la selección del disco sea impecable) no solo porque son las más representativas de este artista, sino porque rankean en lo más alto entre mis preferidas de todos los tiempos. Jerry Butler logró consolidarse como un baladista infalible gracias a su inmensa voz, que combinaba consistencia, belleza y color. Además, era poseedor de una distinción enorme, que le valdría el apodo de “The Ice Man”, lo que es bastante descriptivo de quien era capaz de conmover a sus oyentes sin perder un ápice de elegancia.

Vee Jay Records, su sello editor, quebró en 1966, y Butler decidió mudarse de Chicago a Philadelphia, en donde comenzó una nueva etapa. Junto a Kenny Gamble y Leon Huff publicó simples como "Never Give You Up", "Hey Western Union Man" y "Only The Strong Survive", además de un par de álbumes muy destacables: "The Ice Man Cometh" (1968) y "Ice on Ice" (1970). En los setenta, Jerry Butler coqueteó con varios estilos, pero sus álbumes más destacados fueron los que tuvieron el marco del "Philly Sound". De todas maneras, estuvo lejos de igualar la perfección alcanzada en su época de oro. Lentamente se fue retirando del canto, primero para dedicarle tiempo a su empresa "Songwriters Workshop", y a partir de los ochenta, para dedicarse a la política de su Chicago natal.

Espero que disfruten de esta recopilación que abarca lo mejor del repertorio de un artista excepcional, a quien le debo un agradecimiento eterno por haberme obsequiado incontables momentos de felicidad.

Track List:
01. For Your Precious Love (The Impressions)
02. He Will Break Your Heart
03. Find Another Girl
04. I'm a Telling You
05. Moon River
06. Make It Easy on Yourself
07. You Can Run (But You Can't Hide)
08. I'm the One Who Loves You
09. The Wishing Star (Theme from Taras Bulba)
10. Whatever You Want
11. Need to Belong
12. Giving up on Love
13. I Don't Want to Hear It Anymore
14. I Stand Accused
15. Let It Be Me (with Betty Everett)
16. Never Give You Up
17. Hey, Western Union Man
18. Only the Strong Survive

miércoles, 22 de abril de 2009

Aretha Franklin - Amazing Grace (1972)

En su número de abril la revista Rolling Stone Argentina publicó los resultados de la encuesta "Los cien mejores cantantes de todos los tiempos", en la que consagró a Aretha Franklin con el primer puesto. Que este post coincida con la edición de esa revista es una casualidad. De hecho, la encuesta fue publicada originalmente en noviembre del año pasado. Ahora, que la revista Rolling Stone Argentina elija a ¡John Lennon! (nº 5 del ranking) como portada de este ejemplar, no es ninguna casualidad. Es solo uno de los tantos desatinos de una publicación que suele confundir la verdad con la conveniencia.

No quiero extenderme demasiado en la biografía de Aretha, ya que próximamente voy a postear otros discos suyos, aunque si quiero puntualizar algunos datos importantes. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee. Comenzó a cantar junto a sus hermanas Carolyn y Erma en la iglesia de Detroit donde oficiaba su padre, C. L. Franklin, líder del Movimiento por los Derechos Civiles y amigo íntimo de Martin Luther King. Mahalia Jackson, Clara Ward, The Soul Stirrers, y el reverendo James Cleveland eran algunas de las personalidades que frecuentaban el hogar de los Franklin y que ayudaron a moldear su personalidad como cantante. "Songs Of Faith - The Gospel Soul Of Aretha Franklin", su álbum debut, fue publicado en 1956. El segundo disco que le dedicó a la música gospel fue publicado dieciséis años más tarde y es el que hoy comparto con ustedes.

"Amazing Grace" fue grabado en vivo en el New Temple Missionary Baptist Church de Los Ángeles. Contó con la participación del reverendo James Cleveland, su Southern California Community Choir, una backing band liderada por el guitarrista Cornell Dupree, y fue producido por Jerry Wexler junto a Arif Mardin. El repertorio de este disco incluye negro spirituals ("Precious Lord, Take My Hand”, “Amazing Grace” y “Never Grow Old”) pero también standards como “You’ll Never Walk Alone”, canciones pop (“You’ve Got A Friend” de Carole King) y soul (“Wholy Holy" de Marvin Gaye). Críticos como Luis Lapuente, de quien tomo muchos de los datos de este post, eligen a "Amazing Grace" como el momento cúlmine de la discografía de Aretha Franklin. Yo me quedo con "I Never Loved A Man The Way I Love You", "Lady Soul" y "Aretha Now", aunque es indudable que la belleza de su maravillosa voz alcanza en esta ocasión un esplendor inigualable.

En 1978, Aretha Franklin editó "One Lord, One Faith, One Baptism", su último álbum de música gospel al día de la fecha.

Track List:

Disc 1
01. Mary Don't You Weep
02. Precious Lord (Take My Hand)/You've Got a Friend [Medley]
03. Old Landmark (Spoken Introduction)
04. Give Yourself to Jesus
05. How I Got Over
06. What a Friend We Have in Jesus
07. Amazing Grace

Disc 2
01. Precious Memories
02. Climbing Higher Mountains
03. Remarks by Reverend C.L. Franklin - Rev. C.L. Franklin
04. God Will Take Care of You
05. Wholy Holy
06. You'll Never Walk Alone
07. Never Grow Old

domingo, 12 de abril de 2009

The Staple Singers - Be Altitude: Respect Yourself (1972)

Finalmente llegamos al post número cien. Lo que comenzó como una excusa para mostrarles algunos discos a mis amigos españoles y a una periodista chilena, se transformó en un blog que recibe visitas desde países (noventa y nueve al día de la fecha) de todos los continentes. La chilena me rompió el corazón cuando descubrí que había escrito una barbaridad tal como que "Ok Computer" de Radiohead era "el último gran disco de la música pop", y con el paso del tiempo decidí no escribirle más. Sin embargo, sigo en contacto con mis viejos amigos, a los que se le fueron sumando otros, tan inesperados como distinguidos... Pasemos ahora a la música, ya que es tiempo de pagar las deudas pendientes. Una de ellas es postear discos del sello Stax, algo que hasta ahora he hecho con cuentagotas. Otra, más puntual, es escribir algo sobre The Staple Singers.

Roebuck "Pop" Staples formó la banda en 1948, junto a sus hijas Cleotha, Mavis, y a Pervis, su único hijo varón, el que luego sería reemplazado por su hermana Ivonne. En 1950 editaron su primer simple, "Sit Down Servent", en 1956 vendieron más de un millón de placas de "Uncloudy Day", y a finales de la década ya eran el grupo gospel más importante de Estados Unidos. En 1967 coincidieron con Martin Luther King en un acto y este encuentro sería clave para el futuro de The Staples Singers. Luego de escuchar la oratoria de King, Papá Staples se dijo: "Si él puede predicar este mensaje, nosotros podemos cantarlo". Ese año editaron su primer canción pop ("For What It's Worth" de Stephen Stills) para Epic, y en 1968 firmaron para Stax comenzando una nueva etapa en la historia del grupo, en la que transformaron su gospel en soul, y los cantos de alabanza en reclamos por los derechos civiles. "Be Altitude: Respect Yourself" es el cuarto disco que The Staple Singers publicaron por Stax. Se grabó en los estudios Muscle Shoals Sound de Alabama y fue producido por Al Bell. A esta altura, la amalgama entre gospel, southern soul y funk que había conseguido la banda se encontraba en estado de gracia. Si bien “Respect Yourself” y “I’ll Take You There”, se han convertido en clásicos indestructibles, las ocho canciones restantes son igual de sobresalientes, lo que me exime de realizar mayores comentarios sobre la grandeza de este álbum.

En síntesis, estamos ante un disco paradigmático del mejor soul de los setenta con todo lo que esto conlleva, y su escucha es especialmente recomendable a los incrédulos, ya que la voz de Mavis Staples nos da buenos motivos para creer en la existencia de Dios.

Track List:
01. This World
02. Respect Yourself
03. Name The Missing Word
04. I'll Take You There
05. This Old Town (People In This Town)
06. We The People
07. Are You Sure
08. Who Do You Think You Are (Jesus Christ Superstar)?
09. I'm Just Another Soldier
10. Who

viernes, 3 de abril de 2009

Femi Kuti - Day By Day (2008)

Armar los posteos respetando un orden cronológico me permite licencias como esta: pasar del pop luminoso de Dylan Mondegreen al hipnótico afrobeat de Femi Kuti en tan solo una semana. Espero que mis visitantes habituales comprendan esta disgregación que aspira a ilustrar mi creencia de que la música, para salvarnos, debe llenar nuestras vidas de color.

A diferencia de Julian, de Sean, de Ziggy, de Jacob, y de los argentinos Migue y Dante, estamos ante la obra de un heredero que honra su apellido paterno. Esta tarea no es nada fácil ya que Fela Kuti, el padre de Femi, fue el artista africano más importante del siglo XX. No solo inventó el afrobeat (un estilo tan original como exuberante), además su figura trascendió la música para consagrarse como un paradigma de la libertad, un ícono de la resistencia ante la corrupción política que arrasa con su Nigeria natal y con toda África. Volvamos a Femi: nació en 1962 y desde los dieciocho años fue miembro de Egipto 80, la banda de Fela. En 1987 formó The Positive Force y en 1989 editó junto a ellos su primer disco, "No Cause For Alarm?". El reconocimiento internacional le llegó en el 2001 gracias a "Fight To Win", álbum que tuvo su continuación recién en el 2008 con "Day By Day".

Las canciones de este disco respetan el ABC del afrobeat. La música yoruba, el highlife y los ritmos funks; los beats repetitivos, las secciones de vientos voluptuosas y las percusiones envolventes, todos los elementos se conjugan para continuar de manera intachable con el legado de su padre. La novedad que nos presenta "Day By Day" es la adición de estructuras de jazz a su música. "Do You Know" y "They Will Run" son buenos ejemplos de esta alquimia y nos ilusionan con lo que vendrá en el futuro. Sin embargo, "Demo Crazy" con su rotunda vitalidad, es la canción más destacada del álbum.

Las letras, como siempre, denuncian las injusticias que sufre África, ese continente olvidado por Dios. "La democracia no existe, es sólo otra excusa más del capitalismo opresor. Demócratas y republicanos se alternan en Estados Unidos, igual que liberales y conservadores en el Reino Unido. Son sistemas bipartidistas financiados por los propios Gobiernos, así que se perpetuarán hasta el infinito. Ustedes lo llaman democracia, pero a mí me parece hipocresía", señaló Femi en una entrevista que el año pasado le realizó el diario El País de España. Y los que vivimos en América Latina nos sentimos dolorosamente identificados...

Track List:
01. Oyimbo
02. Eh Oh
03. Day by Day
04. Demo Crazy
05. Do You Know
06. You Better Ask Yourself
07. One Two
08. Tell Me
09. They Will Run
10. Tension Grip Africa
11. Dem Funny
12. Lets Make History
13. Inside Religion

viernes, 27 de marzo de 2009

Dylan Mondegreen - While I Walk You Home (2007)

Cuenta la promoción de este álbum que Dylan Mondegreen, nombre artístico bajo el que se esconde Borge Sildnes, se refugió durante el año que duró la creación de “While I Walk You Home” en una casa situada en una isla al Oeste de Noruega, su país natal. Fue allí, rodeado e influenciado por la naturaleza del lugar, donde se hizo posible el alumbramiento de su prístino estilo de afrontar la música. Promoción al margen, podemos afirmar que la música contenida en las diez canciones de este debut contagian una placidez rara vez contemplada que fácilmente nos transportará no sólo a un bonito paraje nórdico, si no a todo aquel rincón que a cada uno le pueda hacer sentir en paz. Porque ese es el efecto que todo aquel creador de Pop, en el más clásico sentido del término, logra cuando emplea todo su talento en la consecución de la melodía perfecta, el arreglo más delicado, la contención en los tiempos… Así Dylan Mondegreen fijará su punto de mira en un clásico actual de la talla de Josh Rouse, puesto que quién si no está tras el estilo de ese inicio de disco que es “Wishing Well”, pieza atemporal que recuerda poderosamente al norteamericano y que perfectamente se convertirá en uno de las canciones del 2007 para el aficionado al Pop de raíz melancólica. Pero no quedan ahí los parentescos, en realidad son decenas los nombres que vienen a nuestra mente al pensar en la música de “While I Wlak You Home”, el más evidente es el del gran Burt Bacharach, referencia indiscutible en un disco de esta naturaleza, pero también vemos trazos del mejor (capaz también de lo peor, pero esa es otra historia) Nick Heyward, con el que comparte ese gusto por la elegancia y la calma. Influencias aparte, queda claro que Dylan Mondegreen a dado en este disco con la fórmula correcta para alumbrar diez canciones que brillan por sí solas. A continuación de “Wishing Well”, sale a nuestro encuentro una veraniega y feliz “Girl In Grass”, más propia de climas cálidos que de la gélida Noruega, o “Something To Dream On”, la pieza más emotiva del disco, de tanta belleza que hace recordar con su escucha esa genial frase del tema “Knee Trembler” de Close Lobster que decía algo así como “soy tan feliz que me cortaría las venas”. Algo radical, sí, pero una frase que define a la perfección la sensación que nos invade escuchando la mejor canción del disco. “That Mortal Kiss”, “Broken French”, “While I Walk You Home”… uno no sabe por dónde continuar, y ante tan sucesión de cortes gloriosos no queda más remedio que rendirse ante la evidencia de que estamos ante un debut atípico en cuanto a su madurez y perfección en un artista joven que ha puesto su mirada alto, muy alto. “While I Walk You Home” fue publicado en el mes de Septiembre del 2007, y goza de una muy reducida distribución, por lo que mucho nos tememos que en breve pasará a ser considerado como disco de culto para todos aquellos que hayan tenido la fortuna de tropezar con alguna de sus canciones. Ni por un segundo dejes pasar la oportunidad de escuchar semejante colección de aciertos, un clásico desde este preciso instante.

Escrito por Manuel Soleado

Track List:
01. Wishing Well
02. Girl In Grass
03. Say It Isn't So
04. Something To Dream On
05. My Favourite Songs
06. That Mortal Kiss
07. Faint Sound Of Surf
08. Broken French
09. Where You Are Is Where It's At
10. While I Walk You Home